Живопись и Графика

От латинского “romanus” - римский. Термин “романское искусство” введен в 19-м веке французом Арсиссом де Комоном.

Американский фигуративный экспрессионизм - художественное направление в живописи американского модернизма второй половины 20-го века, зародившееся в Бостоне, и распространившееся по всей территории США. Это направление частично противопоставлялось абстрактному экспрессионизму и абстракционизму.

Маньеризм – художественное направление ХVI – первой трети ХVII вв., возникшее в Италии, и распространившееся на территориях Франции, Германии, Нидерландов и Чехии.

Эстетизм – европейское художественное направление второй половины ХIХ-го века, которое основывалось на эстетике формы, избегая социально-политических и морально-нравственных аспектов.

Византийская живопись - художественное направление средневекового искусства, основной частью которого была иконопись. Направление возникло из христианизированной греческой культуры Восточной Римской империи. Эпоха Римской империи закончилась падением Константинополя в 1453 году.

Новая европейская живопись - современное художественное направление, сформировавшееся в 1980-х годах, и достигшее пика популярности в 1990-х.

Неопримитивизм - первое художественное течение русского авангарда начала ХХ-го века, проявившее особый интерес к экзотике и аутентичности.

Направление возникло под влиянием эпоса майя “Пополь-Вух” в переводе К.Бальмонта с большим количеством фотографий артефактов древних цивилизаций Мексики. Материалы были опубликованы в журналах “Искусство” и “Золотое руно”. Стоит добавить, что художники-примитивисты вдохновлялись коллекциями первобытных культур, которые уже находились в музеях Санкт-Петербурга.

Выставка “Бубновый валет”, прошедшая в 1910 году, представила первые работы неопримитивистов. Следующий шаг был сделан в 1913 году – это были экспозиции “Мишень” и “Ослиный хвост”.

1948 год - рождение направления. Позже фантастический реализм трансформировался в Виженари арт. Художники работают в этом направлении по сей день.

Плентанизм - художественное направление, возникшее в 1960-е в Украине как авторская техника  И. Марчука, так и феномен синтеза различных художественных течений.

Вортицизм - недолгое художественное направление авангардистского искусства, возникшее в начале ХХ столетия исключительно в Англии под влиянием футуризма и кубизма. Представлено живописными и графическими произведениями.

Тонализм - художественное направление возникшее в США в конце 19-го столетия. Искусствоведы утверждают, что порой невозможно найти грань между символизмом и тонализмом, тонализмом и импрессионизмом.

Спациализм - художественное направление в живописи, возникшее в Италии в 1940-е, как коллаборация живописи и скульптуры.Основоположник и автор термина - Лучо Фонтана (“Manifesto tecnico dello Spazialismo”, 1947).

Натурализм - художественное направление, возникшее в 1870-е годы во Франции как поздняя стадия реализма в тесной связи с социологией. Натурализм - от фр. naturalisme, от лат. naturalis - “природный, естественный”.

Неовизантизм - художественное направление, зародившееся в Украине, основоположник Михаил Бойчук. Он проявил себя в станковой и монументальной живописи. Направление закончило свое существование расстрелами “бойчукистов” в 30-е годы ХХ-го века.

Неоромантизм – это художественное направление, возникшее на рубеже ХIХ-ХХ веков, основываясь на принципах романтизма. М.В. Толмачев утверждает, что термин впервые появилось в 1880х-90-х годах в Германии.

Контемпорари реализм - художественное течение в живописи, возникшее в конце 1950-х - начале 1970-х годов в США, как модернизация реализма с помощью новых методик современного искусства, достаточно популярно и сегодня. Термин появился в начале 1960-х гг. 

Магический реализм - художественное направление ХХ-го века, ответная реакция реалистичной поверхностной картине мира через многоплановый смысл с магическими вкраплениями.

Термин был введен американским художником и критиком Элен де Кунинг, эта дефиниция в дальнейшем использовалась другими арт-критиками.

Леттризм - французское художественное авангардное направление, основанное в Париже в середине 1940-х годов румынским художником Исидором Ису.

Бидермейер - художественное направление в немецком и австрийском искусстве, в частности, в живописи и графике, декоративно-прикладном искусстве и дизайне интерьеров, возникшее на основе принципов романтизма немецко-австрийской провинции с чертами классицизма и ампира.

Стакизм - художественное ремодернистское направление, основанное в 1999 году в Англии художниками Билли Чайлдишем и Чарли Томсоном, концепцией которого было продвижение фигуративности в противовес концептуализму.

Рококо - художественное направление, в основе которого лежат элементы классицизма и барокко, возникло во Франции. Этот стиль распространился в Италии, России, Германии, Чехии и др.

Живопись Неорококо - художественное направление 19-го века, подражающее рококо 18-го века и стилю “Помпадур”, которое отображает изящество и изощренность аристократии. Характерная черта - эклектизм. Возник во Франции, как запоздавший “королевский стиль”.

Мизераблизм - художественное направление в живописи, возникшее во Франции в 1940-е.В переводе с французского “miserable” означает “несчастный”. Картины отличаются особой меланхоличностью и депрессивностью.

Лубок – вид графического народного искусства с использованием текста, отображающего «русскую действительность», был доступен даже самым несостоятельным покупателям, предназначен для массового распространения. Искусство лубочной картины родилось в Китае.

Цифровая живопись - современное художественное направление, основным методом которого является создание электронных изображений посредством компьютерных программ, позволяющих имитировать традиционные техники и инструменты художника.

Мэйл-арт - современное художественное направление, которое использует почтовые марки и другие почтовые материалы как изобразительные средства, которые превращаются художником в произведения искусства вне контекста письма.

Плохая живопись - дефиниция, состоящая из различных художественных методов, заимствованных из таких направлений, как лоуброу арт, сюрреализм, экспрессионизм, китч, народное искусство, использовалась для определения художественных методов ряда художников, работавших в конце 20-го века.

Китч - художественное направление, произведения которого ориентированы на потребности обыденного сознания и серийное производство, покупаемые “для уюта”, на память, в подарок. Произведения китча создавались как профессиональными  мастерами, так и любителями.

Социальный реализм - международное художественное направление, проявившееся в живописи, графике, фотографии и кинематографе. Направление основывается на изображении жизни рабочего класса.

Лоуброу арт - андеграундное течение в современном искусстве, характерной чертой которого является художественно-технический эклектизм таких направлений и явлений, как сюрреализм, примитивизм, поп-арт, комиксы, панк-рок, молодежные субкультуры.

Новая вещественность (по-немецки Neue Sachlichkeit) - художественное направление, возникшее во второй половине 1920-х годов в Германии, как очередная вспышка неоклассицизма в Европе, погасло с приходом нацизма в 1933 году.

Готика - европейское средневековое течение, пришедшее на смену романскому стилю, и охватившее архитектуру, скульптуру, живопись, фреску и другие платформы изобразительного искусства.

Дефиницию “интернациональная готика” предложили одновременно историки искусства Луи Куражо и Юлиус фон Шлоссер в 1890-х годах.

Арт-феминизм - художественное направление, образовавшееся в контексте теории феминизма, подчеркивает существование дискриминации по половому признаку.

В переводе с греческого, neos – новый; слово dadaisme произошло от французского dada - лошадка в детской речи. Термин введен американским критиком Барбарой Роуз в 1960-х. 

Сюрреалисты изображали нервные, нелогичные сцены. Их работы отличаются использованием аллюзий и парадоксальных комбинаций форм. Целью сюрреализма было «разрешить ранее противоречивые условия мечты и реальности в абсолютную реальность, сверхреальность».

Стрит-арт (с англ. street art - уличное искусство) - художественное направление, возникшее в середине ХХ-го века, как феномен искусства, охвативший не холсты и стены галерей, а все что снаружи: стены жилых домов, заборы, стволы деревьев, опоры мостов, промышленные фабрики и заброшенные помещения.

Народное искусство – это коллективное мастерство многих поколений безымянных и известных художников-самоучек, которое, передаваясь от отца к сыну, сохраняло сюжеты, особенности колорита, орнамент и другие художественные особенности.

Итал. barocco – причудливый, странный, произошло предположительно от португальского barroco – жемчужина неправильной формы, или от латинского baroco – мнемоническое обозначение одного из модусов силлогизма.

Оптическое искусство – художественное направление второй половины ХХ-го века, основанное на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур через различные зрительные иллюзии, которые возникают автоматически, порождая некое возмущение внутри человека, тем самым заставляет обратить внимание на произведение.

Конкретизм – художественное направление внутри абстракционизма первой половины ХХ века, характеризующееся изображениями геометрических форм, часто математически выверенных, не имеющих образных или символических ссылок.

Художественное движение, основанное в 1960 году искусствоведом Пьером Рестани и художником Ивом Кляйном во время первой коллективной экспозиции в галерее Apollinaire в Милане.

Гиперманьеризм – это художественное направление постмодернистской живописи, интерпретирующее живопись маньеризма, барокко, Возрождения.

Монументальная живопись – это художественное направление внутри монументального искусства, характеризующееся нанесением красящего долговечного вещества на архитектурные сооружения и другие стационарные основы, что говорит о большом масштабе произведений.

Прерафаэлитизм – это художественное направление, в своем роде революционное. Оно возникло в начале 1850-х годов в Англии как противоположность академическим канонам и культурным нормам Викторианской эпохи. Концепция “до Рафаэля” говорит о том, что художники обращались к светлой цветовой палитре, характерной для живописи Фра Анжелико, Джованни Беллини и Пьетро Перуджино. 

Романтизм – художественное философско-культурное направление в европейской и американской живописи конца ХVIII – первой половины XIX века, которое восхваляет красоту природы, человеческие фантазии, героев реальной жизни и книг.

Клуазонизм - художественное направление внутри постимпрессионизма, зародившееся в 1887 году, как авторский стиль Эмиля Бернара и Луи Анкетена. Родственные направления - символизм, синтетизм. Присутствуют живописные приемы японизма и фовизма. 

Академическое искусство, или академизм, - европейский стиль живописи XVII-XIX веков. Он основывался на приверженности внешним формам классического искусства. Представители этого стиля, вероятно, размышляли о художественных формах древнего мира и эпохи Возрождения.

Соцреализм – направление в живописи, графике и скульптуре, возникшее в СССР, и поглотившее художественное пространство других социалистических стран, отображает эстетические и морально-нравственные грани социалистического общества.

Метафизическая живопись – художественное направление в итальянской живописи начала ХХ века, родоначальником которого является Джорджо де Кирико. Это направление заимствовало художественные приёмы символизма и неоклассицизма, и являлось некой реакцией на кризис футуризма.

Риджионализм – художественное направление американской живописи 1920-1940-х гг., которое стремилось рассказать о подлинной жизни Америки вопреки идейности, бурно развивающимся, течениям авангарда.

Лучизм - художественное направление русского авангарда, исключительно в живописи. Это молодая и недолговечная ветвь абстракционизма, авторский стиль российского художника Михаила Ларионова. Стиль использовался и его коллегами – участниками творческой организации «Ослиный хвост». 

Вторая половина ХIХ – первая четверть ХХ веков; конец ХVIII – начало XIX вв. (исторически сложилось так, что в мире существуют различные дефиниции этого течения).Неоклассицизм (название произошло от франц. neo-classicisme) – художественное направление, возродившее интерес к классическим традициям в искусстве Франции, Германии, Великобритании, Италии, России и США. Во Франции это стиль второй половины ХVIII века, стиль Людовика ХVI. В России и Германии называется ретроспективным стилем начала ХХ-го века.Формирование неоклассицизма связано с течением прерафаэлитов (середина 19 века), немецкими неоидеалистами (1870-е гг.), декоративной избыточностью модерна и востребованностью классических принципов; частично связано с рококо и барокко (манера передачи цвета, сюжетная драматичность).Родственные направления: необарокко, академизм, классицизм, барокко, американский ренессанс. Эстетические идеалы неоклассицизма были заимствованы импрессионистами. Появление неоклассицизма способствовало усилению оппозиции в виде кубизма, футуризма, экспрессионизма.Художественная форма: живопись, графика, скульптура, дизайн, интерьер, ювелирные изделия; архитектура, литература.Жанры: исторический, мифологический, символический, религиозный, портрет, ню.Техника некоторых мастеров сравнима с фотографией, так как они стремились сделать поверхность максимально гладкой без малейших канавок, оставленных волосками кистей, параллельно добиваясь четкой прорисовки деталей.Ключевые идеи:- Эклектизм – комбинирование античного искусства, итальянского Возрождения, академизма и модерна; неоклассицизм ассимилировал национальные эпосы, легенды и отдельных современных героев, соответствуя национальности художника. Направление состояло из академических тенденций, например: реалистичность, светотень, рациональность, умеренность; от античного искусства – строгая пластичность, монументальность, каноничность.- Противостояние стремительно развивающемуся хаосу, который принесли авангардисты. Мир искусства разделился на истинных приверженцев ясной пластической формы античного искусства и мастеров, которые ломали эти формы, порой издеваясь, все больше и больше отдаляясь от академизма.- Персонажи картин и предметы не имеют недостатков и дефектов. В основном это идеальные одиночные фигуры вписанные в идеальное пространство, без вспомогательных отвлекающих объектов на фоне.Ключевые художники:Жак-Луи Давид, Джон Уильям Горвард, Ангелика Кауфман, Бенджамин Уэст, Владимир Боровиковский, Джозеф Райт, Карл Брюлов, Михаил Шибанов, Валентин Серов, Вильям Адольф Бугро и другие.Ключевые произведения:The Priestess. 1895. Джон Уильям Горвард Волна. 1896. Вильям Адольф Бугро. Акробат. 1922. Пабло Пикассо. St. Varvara and Mercury (скульптура). 1925. Яннулис Халепас.

Конструктивизм - художественное направление в русском и мировом авангарде, соответствующее своему названию от латинского «construction». Организация геометрических абстрактных элементов в произведениях представляет визуально устойчивые или динамические формы.

ЯпонизмСередина ХIХ-го векаЯпонизм - художественное направление, возникшее в 1850-е годы во Франции как некая комбинация импрессионизма, постимпрессионизма и художественных приемов японской цветной ксилографии укиё-э. Термин был введен критиком Филиппом Бюрти, который выпустил серию статей, опубликованных в журнале “Литературное и художественное возрождение” приблизительно с мая 1872 по февраль 1873 годов. В силу исторически сложившейся путаницы, важно знать, что японская живопись и японизм - это отдельно существующие художественные течения.Знакомство Европы с искусством Японии произошло еще в середине ХVII-го века, когда эта страна стала экспортировать фарфор и лаковые изделия в страны запада. Также прослеживается связь с фотографией, которая позволила миру увидеть страну восходящего солнца.Европейские художники были очарованы эстетикой японской графики. Они заимствовали стилистические приемы, плоскостность, четкие контуры, асимметрию, чистоту цвета. Например, некоторые сцены: женщина за туалетом, театр. Любимыми модными предметами стали веера, зонтики, ширмы, бамбук, кимоно. Японское искусство воплощалось в дизайне одежды и интерьеров, ландшафтном дизайне, иллюстрации и афише (афиши Анри де Тулуз-Лотрека).Японизм в свою очередь произвел художественный эффект на модерн, кубизм, символизм, фовизм, клуазонизм и синтетизм. Японисты использовали те же медиа, что и импрессионисты, а также постимпрессионисты.Ключевые идеи:- Японизм - это симбиотический диалог культур, несущий новую эстетику, который вылился в концепцию единства искусств, что является основной идеей этого направления.- Процесс перенесения и трансформации японской графики в живопись маслом европейскими художниками порой не позволяет нам отнести картину к тому или иному направлению, что лишь подтверждает присутствие безупречной мягкости эклектизма.Ключевые художники:Камиль Писсарро, Винсент Ван Гог, Клод Моне, Поль Сезанн, Огюст Ренуар, Рафаэль Кирхнер, Пабло Пикассо, Николае Тоница и другие.Ключевые произведения:Японка. 1876. Клод Моне.Japonaiserie. 1887. Винсент Ван Гог.Mikado. 1900. Рафаэль Кирхнер.Sada Yacco. 1901. Пабло Пикассо.

Графика – вид изобразительного искусства, основными художественными элементами которого являются контурные линии, штрихи, точки, пятна, отпечатки, которые наносятся при использовании определенных медиа, например: бумага, карандаш, уголь, мел, гуашь и тд.

Реализм - это правдивое изображение природы или жизни людей. Он избегает экзотических и сверхъестественных элементов. Его границы изменчивы и расплывчаты. Реалистичные произведения искусства могут подчеркивать мирские, уродливые или грязные аспекты жизни.

Кубофутуризм - направление в искусстве русского и украинского авангарда, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов. Художники данного стиля изображали предметы с помощью геометрических сегментов и представляли объекты в движении.

Орфизм (от французcкого orphee – Орфей) – художественное направление во французской живописи 1910-х годов. Оно появилось как ответвление абстракционизма или кубизма (искусствоведы спорят), но с вкраплениями фигуративности. Было основано Робером Делоне и Франтишеком Купкой.

Наивное искусство как направление начало зарождаться в разных странах мира еще в XVIII веке. Среди самых известных его представителей – художники Анри Руссо (Франция), Нико Пиросмани (Грузия), Мария Примаченко (Украина) и Анна Мэри Мозес (США). Практически все талантливые авторы-примитивисты были самоучками. 

Супрематизм - это движение искусства, ориентированное на основные геометрические формы, такие как круги, квадраты, линии и прямоугольники. Они окрашены в ограниченный диапазон цветов. Это художественное движение было создано Казимиром Малевичем, известным создателем «Черного квадрата». На последней футуристической выставке картин в Санкт-Петербурге он выставил 36 работ в таком стиле.

Одно из крупнейших направлений в искусстве последней трети XIX - начала XX вв. Это художественное движение появилось во Франции, а затем распространилось по всему миру. Начало импрессионизма восходит к 1860-м годам, когда молодые художники не были удовлетворены средствами и задачами академизма. Они все были в поиске нового стиля.

Такое направление в искусстве возникло во Франции. Термин «символизм» появился в живописи благодаря поэту Жану Мореасу. Творчество представителей символизма характеризуется таинственностью и недосказанностью. Это сочетание двух миров – мира физических объектов и идей. Художники вдохновлялись литературой, легендами, историей и мифами.

Художественное движение развивалось как реакция против концептуального искусства и минимального искусства 1970-х годов. Неоэкспрессионисты обращались к образам, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам. Они изображали узнаваемые объекты, используя абстрактные методы живописи. Неоэкспрессионизм процветал в основном в Германии, где его представителей иногда называют «новыми дикими».

Направление, существовавшее преимущественно в изобразительном искусстве и архитектуре. Оно возникло как реакция на академизм и включало множество других стилей, которые появились прежде. Два главных направления модерна – конструктивное (развивалось в Австрии и Шотландии) и декоративное (существовало в Бельгии, Франции и Германии)

Преимущественно французское художественное движение, которое развивалось примерно между 1886 и 1905 годами, от последней выставки импрессионистов до рождения фовизма. Постимпрессионизм возник как реакция против интереса импрессионистов к натуралистическому изображению света и цвета.

Это художественное движение развивалось как реакция против концептуального искусства и минимального искусства 1970-х годов. Неоэкспрессионисты обращались к образам, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам. Они изображали узнаваемые объекты, используя абстрактные методы живописи.

Минимальное искусство, или minimal art, возникло в США в первой половине 60-х годов ХХ столетия.Синопсис:Представители художественного течения minimal art исходят из стремления к наименьшей трансформации используемых в процессе творчества материалов. Следовательно, главное отличие стиля - простота и единообразие форм, монохромность, отказ от субъективности. Все это предполагает творческое самоограничение для живописца, скульптора или дизайнера. Истоки минимализма искусствоведы видят во многих предшествующих стилях - в конструктивизме и супрематизме, дадаизме и абстракционизме, а также в формалистической американской живописи конца 1950-х годов и, отчасти, - в поп-арте. Художником, чье творчество непосредственно предшествовало минимализму, считается американский живописец Фрэнк Стелла. Он в 1959-ом году представил публике серию «Черных картин», в которой преобладали прямые упорядоченные линии.Первые минималистские произведения появились в 1962 году. Термин «minimal art» ввел в историю искусства Р. Уолхейм, использовав такое определение применительно к творчеству Марселя Дюшана и некоторых представителей поп-арта, сводивших авторское вмешательство в окружающую среду к минимуму. Существует несколько синонимов к данному термину: «прохладное» и «серийное» искусство, «первичные структуры», «систематическая живопись», «АБВ-искусство», искусство как процесс. Если минималисты 1960-ых годов старались донести саму идею, то их последователи пост-минималисты (Аниш Капур, Джоэл Шапиро, Дмиан Ортега и др.) стремились сделать акценты на том, каким образом передается идея.Ключевые художники:Карл Андре, Мэл Бохнер, Уолтер Де Мариа, Дэн Флэвин, Сол Ле Витт, Роберт Мэнголд, Брайс Мэрден, Роберт Моррис, Роберт Риман, скульпторы Тони Смит, Антон Царо.Ключевые идеи:Для минимализма, отвергающего классические приемы и, зачастую, традиционные художественные материалы, в целом характерен отказ от субъективности, репрезентации. Минималисты считают себя свободными от атрибутов потребительской культуры, которую создавали авангардисты других направлений.Минималисты, отвечая своему «говорящему» названию, используют простые (чаще всего - геометрические) формы и нейтральные цвета - белый и его вариации, черный, серый, а также природную фактуру дерева и проч.Для скульптуры минимализма характерны идеи использования промышленных конвейерных изделий в качестве модульных единиц и методы индустриального производства. Базовыми фонемами являются квадраты, кубы, линии и диаграммы, чаще всего – симметрично скомпонованные. При этом даже непрямые линии в произведениях минималистов стараются идти прямо.В исследовании формы структуры и пространства представители данного стиля делают акцент на отношения места и зрителя. Композиции скульпторов-минималистов лежат где-то между бытием идеи и границами физического присутствия. То есть трёхмерность создается посредством рассмотрения негативного и позитивного пространства.В архитектуре, и особенно в интерьерном минималистическом дизайне, белый колер – основа основ. Он демонстрирует чистоту архитектурных форм, расширяет пространство и идеально сочетается со всеми цветами спектра.

Это художественное и общественное движение возникло в Италии в начале 20-го века. Его основателем и автором слова «футуризм» был итальянский поэт Филиппо Маринетти. Само название подразумевает культ будущего и дискриминацию прошлого вместе с настоящим.

Пуризм - это искусство, повлиявшее на французскую живопись и архитектуру. Его возглавили Амеде Озанфан и Чарльз Эдуард Жаннерет. Озанфан и Ле Корбюзье создали вариацию кубистского движения и назвали его пуризмом. Отвергая фантазию, пуристы стремились изобразить предметы четко и без деталей. Их работы характеризуются плоскостностью, гладким ритмом светлых силуэтов и контуров того же типа объектов.

Неопластицизм, также известный как De Stijl («Стиль»), - голландское художественное движение, основанное в 1917 году в Лейдене. Он объединил художников, которые публиковались в журнале «De Stijl». Журнал и художественное движение были основаны Тео ван Лисбургом и Пете Мондрианом.

Поп-арт получил распространение со 2-й половины 1950-ых годов в Великобритании и США.Поп-арт (popular art) - неоавангардистское направление в изобразительном искусстве своим названием обязано английскому понятию «pop» - лёгкий хлопок, быстрый отрывистый звук.

Искусство, которое не отражает реальный мир, но использует мистические формы, цвета и другие элементы, независимо от реального объекта. Первая абстрактная картина была написана Василием Кандинским в 1910 году.«Абстрактное искусство создает новый мир, противоположный реальному. Он подчиняется общим законам космического мира. Это очень реальный, конкретный мир. Поэтому я предпочитаю называть абстрактное искусство конкретным искусством», - писал Кандинский.

Время первой европейской волны - с 1916-го по 1922-ый год.Синопсис:Дадаизм, укороченно дада, - нигилистическое авангардистское движение, существовавшее в живописи и литературе. Оно зародилось в Швейцарии как отклик на ужасы и бедствия Первой мировой войны. Представители этого стиля самим названием подчеркивали преступность бессмысленного уничтожения человеческих жизней, к чему, по их мнению, вели рационализм и логика.Толкований относительно происхождения термина множество. Это и двойное утверждение, привычное для русских, и лепет младенца (в некоторых областях Италии так называют мать), и французское просторечное название для игрушечной лошадки-качалки. По более романтичной версии, слово нашел в словаре поэт Тристан Тцара - один из главных основателей и теоретиков движения. В написанном им в 1918 году манифесте значится: «На языке негритянского племени Кру «дада» означает хвост священной коровы…» В любом случае первооткрыватели нового стиля имели ввиду нечто бессмысленное, что и стало самым удачным названием для нового творческого течения. Оно отражало интернациональность всего дадаистического творчества.То, что первая группа дада была создана в Цюрихе в кабаре «Вольтер», имело особое символическое значение. Развлекательное заведение носило имя сатирика XVIII века, автора знаменитого произведения «Кандид», в котором высмеивалась глупость современного ему общества. Дадаистами издавался журнал, чтобы свои антивоенные и антиклассические идеи можно было нести в массы.После окончания войны, когда дадаисты разъехались из Швейцарии по своим странам, география стиля сильно расширилась. К примеру, Р. Хюльзенбек основал Клуб Дада в Берлине, влиятельная группировка существовала в Кельне под предводительством М. Эрнста и Й. Т. Баргельда, а М. Дюшан экспортировал дада в Америку.Позже французский дадаизм слился с сюрреализмом, а немецкий — с экспрессионизмом. Прямыми продолжателями идей и некоторых приемов дадаистов стали представители американского поп-арта, а следом за ними – художники-концептуалисты.Ключевые художники:Марсель Дюшан, Франсис Пикабиа (Франция, Америка); Рауль Хаусман (Австрия); Сергей Шаршун (Россия, Франция); Марсель Янко (Румыния, Израиль); Курт Швиттерс, Ханс Арп, Макс Эрнст (Германия, Франция)Ключевые идеи:Фундаментальными ценностями дадаизма стали цинизм и отрицание стандартов. Именно иррациональность, доходящая до абсурда, и полное отсутствие эстетики демонстрировала разочарованность художников существующими порядками, которые привели к вооруженным конфликтам.Представители дадаизма, фокусируясь на создании эстетически непривлекательных объектов, ставили целью перевернуть с ног на голову всю буржуазную мораль и культуру, тем самым выразить свое негативное отношение к ним. Привнесение художниками элемента случайности (какая-то часть, если не вся работа, выполнялась на воле случая) стало одной из форм отрицания традиционных канонов в искусстве, когда каждая композиция тщательно разрабатывалась и должна быть гармоничной и завершенной.Дадаисты первыми стали использовать прием «реди-мейдов», включая в свои композиции промышленные изделия или их части. Иногда предметы быта брались целиком и выставлялись в качестве произведения искусства после минимального вмешательства автора. Это новшество подняло вопрос о художественной креативности и заставило задуматься о самом определении, что же может считаться искусством и каковы его цели.Художники-дадаисты чаще отдавали предпочтение методу коллажа, а скульпторы брали «готовые объекты». Такому выбору, считают специалисты, есть разумное объяснение, поскольку коллаж - техника сама по себе не очень упорядоченная, даже анархическая. Скульпторы-дадаисты, выбирая в качестве объектов творчества ржавые велосипедные колеса, мятые консервные банки, разбитые бутылки и прочие вышедшие из употребления предметы обихода и объявляя их произведениями искусства, еще быстрее достигали цели шокировать зрителя.

Возникновение - 1910-ые годы 20 столетия. Официально прекратило существование в 1932 г., неофициально существовало до 1941 года.Синопсис:Аналитическое искусство — направление в искусстве русского авангарда. Художественный метод практически разработан и теоретически обоснован Павлом Филоновым в ряде его трактатов, начиная со статьи «Канон и закон» (1912). Официальной датой рождения аналитического, то есть «сделанного искусства» справедливо считать выход в 1914 году манифеста «Интимная мастерская живописцев и рисовальщиков „Сделанные картины“». Позже была опубликована «Декларация "Мирового расцвета"» (1923) и др. Отталкиваясь от теории движения футуризма и от кубизма как носителя рационалистического начала, художник-аналитик противопоставляет методу «расчленения» объектов на составляющие его геометрические фигуры принцип органического роста художественной формы. Суть принципа - как деревья растут из семян, так и сюжет картины – из одной поставленной точки. Приверженцы стиля имели свое объединение молодых ленинградских художников, учеников П. Н. Филонова, с названием "Мастера аналитического искусства" (МАИ). Группа начала формироваться летом 1925 года вокруг преподававшего в Высшем художественно-техническом институте П.Н. Филонова и окончательно сложилась после первой выставки в 1927 году с принятием устава объединения. На протяжении существования МАИ состав его членов менялся. В общей сложности за годы активной деятельности в него входило около семидесяти художников.Ключевые художники:Павел Филонов (основатель и главный теоретик), Татьяна Глебова, Алиса Порет, Михаил Цибасов, Софья Заклиновская, Павел Зальцман, Павел Кондратьев, Борис Гурвич, Николай Евграфов, Юрий Хржановский.Ключевые идеи:Основная идея аналитического искусства - приблизиться в изобразительном (живописном и графическом) творчестве к воспроизведению не уже готовых предметных форм природы, а самих ее созидательных процессов.Важный постулат художника-аналитика – его продвижение во время создания живописного произведения от частного к общему, что обеспечивает принцип «органического роста» картины.Из идеи обязательной многомерности изображаемого сюжета вытекает наличие в произведениях данного стиля множества деталей, а, следовательно, и нескольких мотивов.Основной метод художников аналитического искусства - «сделанность» произведения, то есть построение задуманного сюжета от поставленной точки (зерна будущей картины) до края полотна или задуманной композиции.Техника исполнения картины предполагала работу тонкими кистями и пером – никаких эмоционально-размашистых мазков художник-аналитик не может себе позволить.

Экспрессионизм был модернистским движением, которое возникло в Германии в начале 20-го века. Это художественное движение появилось как болезненная реакция художников на уродство цивилизации начала 20-го века, Первой мировой войны и революционных движений. Поколение, травмированное событиями тех времен, воспринимало реальность очень субъективно, через призму эмоций, таких как разочарование, беспокойство и страх. Принцип выражения преобладает над изображением. Мотивы боли и крика встречаются часто.

Модернистское направление в живописи, возникшее в начале 20-го века во Франции. Он характеризуется использованием геометризированных условных форм и стремлением «разбить» реальные объекты на стереометрические примитивы. Появление Кубизма традиционно датируется 1905-1907 годами и связано с работами Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Термин «кубизм» появился в 1908 году, когда французский художник Анри Матисс, увидев пейзажи Брака в 1908 году, воскликнул «Посмотрите, маленькие кубики!»

Художественное движение включает в себя множество разных стилей, созданных несколькими художниками, которые работали в разных техниках. Такие картины имеют некоторые сходные черты. Все они абстрактны, то есть не воспроизводят видимый мир. Они являются отражением свободного, спонтанного и личного эмоционального опыта и отличаются своей свободой техники. Абстрактные экспрессионисты пытались подчеркнуть свои чувства в своих работах.

Течение в изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне, которое впервые появилось во Франции незадолго до Первой мировой войны. Деко повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных изделий, модной одежды, автомобилей, кинотеатров, поездов, лайнеров и предметов быта, таких как радиоприемники и пылесосы.

Фовизм был первым движением XX века в современном искусстве. На его возникновение повлияли картины Винсента Ван Гога, Поля Гогена, Жоржа Сёрата и Поля Сезанна. Название этого художественного движения произошло от имени группы художников, которые выставили свои полотна на осеннем салоне в 1905 году.Название этого художественного движения произошло от имени группы художников, которые выставили свои полотна на осеннем салоне в 1905 году. Один французский критик назвал их «фове» («дикие звери») за «дикую» выразительность цветов. Однако сами художники в основном не любили это определение. Фовисты были свободно ассоциированной группой французских художников с общими интересами. Некоторые из них, в том числе Анри Матисс, Альберт Марке и Жорж Руо, были учениками художника-символиста Густава Моро и восхищались акцентом старого художника на личное выражение. Матисс стал лидером группы, члены которой использовали интенсивный цвет в качестве средства описания света и пространства, и которые переопределили чистый цвет и форму как средство передачи эмоционального состояния художника. В этом отношении фовизм оказался важным предшественником кубизма и экспрессионизма, а также пробным камнем для будущих видов абстракции.

Слово «гиперреализм» было изобретено Изи Брашо в 1973 году как французский синоним слова «фотореализм». Это художественное движение появилось в США. Гиперреалисты создали ложную реальность, убедительную иллюзию.

Отрицание традиционного художественно-образного подхода к архитектурному и художественному формообразованию. Призвание архитектуры – создание новых форм для новой жизни, отвергая устаревшие капиталистические формы прошлого и превращение в функциональное проектирование и строительство.

Направление в современной архитектуре 1980-1990, основанное на применении в строительной практике идей французского философа Жака Деррида о возможности архитектуры, которая вступает в конфликт, «развенчивает» и отменяет саму себя, проявляясь стремлении отразить противоречия эпохи заявляет о редукции евклидовой геометрии к формальному изображению.

Совокупность направлений в теории и практике архитектуры первой половины ХХ века, опирается на философию рационализма и ставит на первый план целесообразность и полезность архитектурного объекта, ищет новых форм и принципов для отражения в архитектуре новых общественных отношений.

Немецкая художница-сюрреалистка, обладавшая необычной внешностью. Также известна как модель для серии фотографий парижских сюрреалистов, их муза.

Яков Георгиевич Чернихов – советский архитектор и график, автор научных трудов по теории архитектуры и талантливый педагог. Его имя малоизвестно на территории Украины, несмотря на то, что он родился в нынешней Днепропетровской области и около десяти лет прожил в Одессе, обучаясь в высшем Художественном училище. Обладая мощным пространственным мышлением и воображением, Чернихов посвятил свою жизнь созданию смелых архитектурных проектов в духе конструктивизма, и стал выразителем идей авангарда начала 20 века, повлиявшим на многих современных архитекторов.

Эльсуорт Келли – американский художник и скульптор, выдающаяся фигура послевоенного абстрактного искусства. Его картины с крупными абстрактными фигурами, смелыми и контрастными сочетаниями цветов, повлияли на развитие минимализма, живописи цветового поля и живописи жестких контуров.

Эдуардо Паолоцци – шотландский художник, дизайнер  и скульптор итальянского происхождения, чье творчество охватывает самые различные сферы изобразительного искусства, начиная от масштабных скульптур и заканчивая дизайном тканей и обоев. Как художник-новатор, Паолоцци всегда искал в искусстве чего-то свежего, еще неизведанного. Из-за его неутолимой жажды перемен и постоянных экспериментов его творчество неоднородно и напоминает пеструю мозаику, состоящую из разных стилей, мотивов, жанров и направлений.

Фрэнк Стелла - американский художник, центральная фигура минимализма, известный своими картинами нестандартного формата и крупномасштабными композициями, соединяющими в себе черты живописи, скульптуры и архитектуры.

Франк Ауэрбах - британский художник и гравер еврейского происхождения, уроженец Германии, яркий представитель «лондонской школы авангардистов», совмещающий в своих произведениях экспрессионистскую абстракцию и фигуративную живопись. Наряду с Люсьеном Фрейдом и Френсисом Беконом, является ключевой фигурой модернистского искусства Великобритании.

Американский художник-новатор, дизайнер, издатель, кинорежиссёр, продюсер, писатель, коллекционер. Энди Уорхол, основатель идеологии «homo universale», - выдающаяся личность в современном мировом искусстве в целом, в истории поп-арта в частности. Также вошел в историю искусства как создатель «коммерческого поп-арта».

Английский художник-новатор, один из первых представителей романтизма, не получивший должного признания при жизни, но оказавший большое влияние на развитие европейского авангардного искусства. Уильям Блейк больше известен широкой публике как поэт, чьи произведения отображали оригинальные философские взгляды, но картины и графические работы мастера отличаются не меньшей глубиной и яркостью образов.

Один из главных художников американского поп-арта, известный изображениями стилизованных женских обнаженных фигур, которые были основной темой и предметом пристального внимания живописца. Черпая вдохновение в абстрактном экспрессионизме, особенно работах Виллема де Кунинга, художник переосмысливал образы и создал собственный уникальный стиль, предельно реалистичный, заманчивый и вместе с тем холодный и отстраненный, не затрагивающий глубоких чувств зрителя.

Выдающийся уругвайский художник, скульптор, теоретик искусства, писательХоакин Торрес-Гарсия продолжительное время жил и работал в Европе (Испания, Франция, Италия), некоторое время – в Соединенных Штатах Америки. В Барселоне художник работал с А. Гауди, а живя в Париже, сотрудничал с представителями неопластицизма (Пит Мондриан и др.), создав при поддержке Мишеля Сёфора творческую группу «Circle and Square». Такой широкий опыт позволил ему, возвратившись на родину, стать в Уругвае проводником и пропагандистом нового искусства - модернистских течений в целом, кубизма и абстракционизма в частности.

Соня Терк-Делоне (Сара Элиевна Штерн) - французская художница-авангардистка, иллюстратор, скульптор и дизайнер еврейского происхождения родилась в Украине. Мастер работала в стилях кубизма, орфизма и абстракционизма. О большой значимости ее вклада в развитие авангардного искусства красноречиво свидетельствуют факты: стала первой художницей, чья прижизненная персональная выставка была организована в 1964 г. в Лувре, а через десять лет она была удостоена Ордена Почётного легиона. Была в числе организаторов международного объединения «Абстракция-Созидание».

Американский художник, скульптор и теоретик Соломон Левитт сыграл ведущую роль в становлении концептуального искусства и минимализма. Происходивший из семьи русско-еврейских эмигрантов, он вдохновлялся работами русских авангардистов и конструктивистов, особенно Малевича, чей черный квадрат послужил основой для возникновения его особой геометрической эстетики.

Сай Твомбли (наст. имя Эдвин Паркер Твомбли) - американский живописец и скульптор, один из самых сложных для понимания художников, творчество которого вызывает постоянные споры и дискуссии в мире искусства. Большинство его работ – это белые холсты, покрытые разноцветными каракулями, линиями и хаотичными пятнами. Художник часто использует различные надписи в своих произведениях, делая их похожими на городское стихийное искусство граффити. При этом название и смысл работ отсылают к античным мифам, классическим живописным работам и культуре различных народностей.

Один из первых и самых ярких представителей художественного направления поп-арт, которое приобрело широкую популярность в США в 1950-60-ых годах 20-го века. Рой Лихтенштейн прославился своими картинами-комиксами, каждая из которых отражает различные аспекты жизни обычных американцев. Взяв за основу простые и понятные образы, художник бросил вызов авангардной живописи, понятной лишь единицам, и сделал обыденные вещи настоящими произведениями искусства.

Роберт Раушенберг - художник-новатор, один из самых влиятельных американских мастеров второй половины 20-го века, давший толчок развитию поп-арта и концептуального искусства. На протяжении своей длинной карьеры он экспериментировал практически со всеми доступными формами искусства, выступая как гравер, дизайнер, скульптор, фотограф и даже авангардный музыкант.

Английский художник, один из основателей стиля британский поп-арт. Питер Блейк начинал свой творческий путь в послевоенное время, и главной целью его искусства было помочь согражданам забыть ужасы войны и окунуться в яркую и по возможности беззаботную мирную жизнь.

Барнетт Ньюман - американский живописец, литограф и скульптор еврейского происхождения, видный представитель абстрактного экспрессионизма и живописи цветового поля. Мастера в истории изобразительного искусства называют образцом высокого модернизма, предшественником минимализма, экзистенциалистом и духовным художником, черпающим вдохновение в еврейском мистицизме.

Марина Абрамович – сербско-американская художница, знаменитая на весь мир благодаря своим неординарным и шокирующим перформансам. Она по праву считается одной из лучших в своем жанре, а ее представления, связанные с физической болью и даже угрозой для жизни и здоровья, заставляют зрителей переосмыслить свое восприятие многих вещей и шагнуть далеко за границы обычного восприятия мира и себя.

Итальянский художник и скульптор, автор теоретических работ по искусству. Лучо Фонтана считается наиболее радикальным художником после Казимира Малевича, который сумел вывести изобразительное искусство на новый виток развития абстракции и минимализма. Имя Фонтана ассоциируется прежде всего с его разрезанными картинами - художник беспощадно вспарывал острым лезвием или протыкал ножом полотна. Но делал он это вовсе не потому, что хотел уничтожить свои работы. Он просто стремился расширить таким образом живописное пространство картин, сделать их объемными и вызывающими у зрителя разнообразные ассоциации.

Венгерский художник и график-иллюстратор, скульптор и мастер художественной фотографии, теоретик киноискусства, журналист. Его имя при рождении — Ласло Вайс. Он был одной из крупнейших фигур мирового авангарда в первой половине XX столетия, а также важнейшим представителем фотографии Нового видения.

Франтишек Купка – чешский  художник и писатель, большую часть жизни живший и работавший во Франции. Справедливо считается в истории изобразительного искусства одним из пионеров абстрактной живописи и одним из первых совершенно нерепрезентативных художников. В 1912 году он принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» и в Салоне независимых (Salon des Indépendants), выставив среди прочих работы, которые считаются первыми абстрактными произведениями. 

Густав Густавович Клуцис - живописец, график, иллюстратор и фотограф. Вошел в историю искусства как пионер фотомонтажа. В мировом искусствоведении считается одним из четырех художников, которые изобрели поджанр политического фотомонтажа в 1918 году. Три других имени известны более широко - немецкие дадаисты Ханна Хох и Рауль Хаусманн, российский авангардист Эль Лисицкий.

Один из первых американских абстрактных художников Клиффорд Стилл - центральная фигура нью-йоркской школы абстрактного экспрессионизма. Стиль, у истоков которого он стоял, стал ведущим направлением в искусстве США, начиная с 1940-х годов и до 1960-х, пока его не вытеснили более позитивный, понятный широким массам поп-арт и минимализм.

Американский скульптор шведского происхождения, выдающийся представитель поп-арта. Клас Тур Олденбург начал свою карьеру в Нью-Йорке, где он участвовал в многочисленных хэппенингах и перформансах с такими художниками, как Джим Дайн, Аллан Капроу и Джордж Сигал. Он стал неотъемлемой частью движения поп-арт в начале 1960-ых годов, противопоставляя свои простые и привычные для восприятия работы сложной эстетике абстрактного экспрессионизма. Выставив в витрине «ненастоящего» магазина «ненастоящие» вещи, созданные из самых неожиданных материалов, художник по-настоящему удивил публику и мгновенно приобрел широкую известность.

Американский художник, скульптор и дизайнер Кит Харинг прежде всего известен своими картинами-граффити, привлекающими ритмичностью, искренним и актуальным звучанием.

Кеннет Ноланд - американский художник, яркий представитель живописи цветового поля. Он создал альтернативу абстрактному экспрессионизму и живописи действия, практикуя строгую упорядоченную абстракцию, отсутствие объекта и предмета в живописи, яркие цвета, равномерно нанесенные на поверхность холста. Вслед за американской художницей Элен Франкенталер, Кеннет Ноланд стал использовать акриловые краски, которые позволяли создавать тонкое и насыщенное покрытие, исключающее появление случайных пятен и потеков на поверхности холста.

Современный американский художник и скульптор. Живёт и работает вместе со своей женой, художницей Шарлин фон Хейл, в Нью-Йорке, а также в Марфе, штат Техас. Искусство Кристофера Вула  включает направления, связанные с поп-артом, абстракцией  и с концепциями пост-концептуального характера.

Йоко Оно - английская и американская художница-новатор, писатель, музыкант японского происхождения. Йоко стала известна широкой публике во многом благодаря своему браку с музыкантом, участником легендарной группы «Битлз» Джоном Ленноном. Однако еще задолго до этого союза она ярко проявила себя в концептуальном искусстве, став одним из первопроходцев инсталляции и перформанса.

Эдвард Хоппер - американский художник, видный представитель жанровой живописи, один из крупнейших урбанистов XX столетия. Хотя его творчество официально подпадает под стиль «реализм», Хоппер предложил такой запоминающийся взгляд на жизнь между мировыми войнами, что вдохновил бесчисленных художников, фотографов, режиссеров, сценографов, танцоров, писателей и даже музыкантов.

Выдающийся французский художник, скульптор и фотограф. Несмотря на короткую художественную карьеру (1954-1962) справедливо считается одним из наиболее значительных новаторов послевоенного европейского искусства.

Дэвид Хокни – современный английский и американский художник, автор знаменитых полотен в стиле поп-арт с изображениями ярко-голубых бассейнов, манящих своей прохладой посреди жаркого полудня. Его картины, гладкие и блестящие как страницы журнала, завораживают простотой, ясностью и обилием солнечного света.После переезда из Англии в Калифорнию, художник увлекся фотографией. Оригинальная техника съемки с последующим наложением кадров позволяет Хокни создавать необычные коллажи, каких еще никто не делал до него - это полукартины-полуфотографии.Неизменный поклонник кубизма, художник создает произведения с двойной перспективой, объединяя несколько изображений в единое целое. Новаторский подход к методу коллажа сделал художника признанным мастером фотографии конца 20-го века.Будучи одним из самых влиятельных и дорогих художников современности, Дэвид Хокни постоянно изобретает новые техники и экспериментирует с различными стилями. Начиная с 2009 год, художник удивляет публику компьютерными картинами, созданными с помощью приложения на обычном планшете. Работы Хокни, как и его яркая личность, вызывают неизменный интерес в обществе, которое ждет от нестареющего художника новых открытий и смелых вызовов.

Дэвид Салле – американский художник, фотограф, сценический дизайнер, автор оригинальных картин-коллажей, основанных на эстетике поп-арта. Как и многие художники его поколения, вдохновение для своего богатого визуального языка он черпал из известных произведений искусства, произвольно добавляя в них элементы рекламы и повседневной культуры. Оригинальны также приемы Дэвида Салле в современном графическом дизайне.Имя художника стало известным с середины 1980-ых годов. Его картины, наполненные юмором, театральностью и эротизмом, многогранны и содержат большое количество культурных ссылок. В работах Дэвида Салле можно найти упоминания произведений таких классиков, как Веласкес и Бернини, аллюзии на темы постимпрессионистов Сезанна и Джакометти, мотивы сюрреалиста Магритта, а также яркие образы американского послевоенного искусства.Почти фотографическая точность образов на картинах Д. Салле, которая парадоксальным образом создает ощущение нереальности, захватывает дух. Чем дольше смотришь на произведения мастера, тем находишь больше и больше интересных деталей, намеков и параллелей. Создавая свои произведения, художник действует интуитивно, что делает его работы близкими к сюрреализму и к классическому экспрессионизму.Дэвид Салле известен не только как художник, но и как авторитетный арт-критик и теоретик искусства. По мнению художника, любое живописное произведение должно быть создано, прежде всего, для народа, а вовсе не для «заумных» художественных критиков. Поэтому его работы направлены на то, чтоб в доступной и понятной форме донести до зрителя смысл произведений прошлых лет, подчеркнув их значение для современного искусства и тенденцию к преемственности.

Дональд Джадд - один из самых известных американских абстрактных скульпторов конца 20-го столетия, дизайнер и теоретик искусства. Является ведущим представитель минимализма, хотя сам он никогда не причислял себя к этому направлению. Не называл Джадд себя и скульптором, считая что его искусство принципиально не подходит под определение скульптуры, так как его работы не сделаны им собственноручно, а собраны из уже готовых предметов.Свои творения Дональд Джадд описывал как «простое выражение сложной мысли» и создавал их из промышленных материалов. Характерная черта творчества художника – фокусировка не на самом изображаемом объекте, а на пространстве, которое он создает вокруг себя. Самые известные серии его работ «Специфические объекты» и вертикально расположенные «Стеллажи» наглядно демонстрируют его радикальный подход к современной скульптуре, который в корне меняет саму суть данного вида искусства. Свое сложное для понимания абстрактное искусство Дональд Джадд пояснял в многочисленных теоретических трудах. Он опубликовал ряд эссе, а также два тома Полного собрания сочинений в 1976 и 1986 годах.С 1970 года художник начал создавать скульптурные композиции для установки на открытом воздухе. Немногие знают о том, что популярный стиль интерьера «лофт» возник во многом благодаря Дональду Джадду. Он первым переоборудовал промышленное здание в Нью-Йорке под жилое помещение и под студию, где трудился над своими работами и выставлял их для публики. Здесь он творил на протяжении 25 лет, а после смерти художника в помещении был организован музей, который не только демонстрирует его работы, но и позволяет посетителям понять саму суть и историю такого направления в искусстве, как минимализм.

Современный американский художник, архитектор, музыкант, фотограф и кинорежиссер. Кроме живописи, Джулиан Шнабель известен своими фильмами, один из которых посвящен его другу, талантливому художнику Жану-Мишелю Баския, умершему в возрасте 28 лет. Несмотря на то, что Шнабель сделал успешную карьеру в кинематографе - был номинирован на премию Оскар и выиграл Золотой глобус в 2007 году - сам он считает себя в первую очередь художником, который с удовольствием занимается интересными проектами в сфере искусства.Шнабель ярко заявил о себе сразу, впервые появившись на нью-йоркской арт-сцене. Своим вызывающим поведением, откровенностью и эгоизмом он привлек много неприятелей, но и такое же, если не большее, число поклонников. Он стал образцом богемного художника, дружил с Энди Уорхолом, занимался откровенной саморекламой.В 1980-х годах Шнабель был одним из ведущих художников-неоэкспрессионистов, возрождающих фигуративную живопись. Его яркий экспрессивный характер, провокационные заявления и эпатажное поведение сразу привлекли внимание общества, и нашли отражения в его работах. Известность Джулиану Шнабелю принесли его так называемые «тарелочные картины», которые он создавал из осколков разбитой посуды. Вместо холста художник использовал необычные материалы: шкуры животных, брезент, бархат и линолеум.Творчество американского мастера охватывает самые различные сферы. Он является архитектором огромного розового дома на Манхэттене, дизайнером автомобилей Майбах, автором и исполнителем музыкальных композиций, режиссером нескольких фильмов, сюжет которых повествует о необычных людях, оказавшихся в неординарных и странных обстоятельствах. Его работы часто провокативны и неоднозначны. Нередко они вызывают резкую критику и неоднозначные обсуждения, но никогда не оставляют зрителя равнодушным.Активная публичная жизнь, участие в самых различных конкурсах и мероприятиях также способствуют популярности Джулиана Шнабеля, и не дают публику забыть имя художника, чем бы он ни занимался.

Американский художник и скульптор, один из самых востребованных и дорогих мастеров современности. Джефф Кунс – представитель направления нео-поп-арт, которое является продолжением поп-арта и ориентируется на интересы и потребности современного общества.Произведения художника – это преимущественно инсталляции и скульптуры. Предметом искусства для Кунса служат обыденные вещи, которые в интерпретации автора становятся символами определенного явления, занимающего умы обывателей. Самые знаменитые работы художника – это блестящие металлические скульптуры, выполненные в форме воздушных шаров. Его визитной карточкой является фигура «Balloon Dog», привлекающая своей простотой и праздничным настроением.К своей работе Джефф Кунс относится как к коммерческому проекту, распространяя и рекламируя свое искусство как особый вид товара. По словам самого автора, его работы не выражают никаких глубоких идей и подтекста. Они являются красивой, но бессмысленной вещью, за что художника часто называют «мастером китча». Многие ценители искусства откровенно ненавидят Джеффа Кунса за то, что он продает за бешеные деньги совершенно безвкусные скульптуры и часто использует произведения других авторов для создания собственных творений. Но, несмотря на все это, произведения американского скульптора пользуются стабильно высоким спросом у публики, что заставляет художественных критиков изменить свое представления о том, как на самом деле выглядит современное изобразительное искусство.

Джозеф Кошут - американский современный художник, один из пионеров и яркий представитель концептуального искусства. Известен в всем мире своими инсталляциями, в частности, композиция «Один и три стула» стала классикой стиля. Будучи 23-летним студентом, с «благословения» самого мэтра Марселя Дюшана он получил грант Фонда Кассандры для реализации своих новаторских идей.Художник был первым, кто глубоко исследовал отношения между идеями, изображениями и словами, используемыми для их описания. Он брал слова вместо визуальных образов любого другого рода, то есть полностью исключил объекты, чтобы сосредоточиться на значении, переданном исключительно языком. Награды, врученные художнику, красноречивее всего говорят о признании уникального таланта Джозефа Кошута. Главные из них - премии Брандейса и Фредерика Вейсмана, Menzione d'Onore на Венецианской биеннале, звание Кавалера от французского правительства, высшая награда Австрийской Республики за достижения в области науки и культуры. С 2014 года неоновая инсталляция Кошута – часть постоянной экспозиции в парижском Лувре.Многие из инсталляций Дж. Кошута включали выдержки из литературы и трудов по философии, психологии. Цитаты наполнены важным общечеловеческим смыслом - таким приемом художник заставляет свою аудиторию размышлять над проблемами личной идентичности, бедности и расизма, одиночества и уроков истории. Избегая каких-либо четких, или слишком явных собственных комментариев, Джозеф Кошут реализует себя и как современный художник, и как философ и моралист.

Немецкий художник, один из самых известных и дорогих современных живописцев. Герхард Рихтер ярко проявил себя в нескольких направлениях изобразительного искусства. Его фотореалистичные портреты с размытыми контурами находятся в экспозициях самых известных музеев мира, а абстрактные полотна продаются на аукционах за огромные деньги.Начав свою карьеру в Восточной Германии, художник работал в реалистичном стиле, но познакомившись с произведениями современных художников, таких как Джексон Поллок и Энди Уорхол, резко изменил свою живопись в сторону авангардного искусства. За несколько месяцев до падения Берлинской стены он сбежал в Западный Берлин, где начал активные творческие поиски собственного места в искусстве. Основываясь на фотографиях и продуктах массовой культуры, Рихтер создал свой яркий стиль, который включает в себя как реалистичное, так и полностью абстрактное выражение.Помимо живописи Герхард Рихтер известен как автор нескольких крупных дизайнерских проектов. В 2007 году он создал знаменитый «Пиксельный витраж» в Кельнском соборе, который получил самые противоречивые отзывы. Вместо традиционных библейских сцен художник создал впечатляющую мозаику из разноцветного стекла, которая состоит из 11 тысяч 250 цветных квадратиков восьмидесяти оттенков. Интересно, что художник выполнил работу в качестве подарка собору, не взяв ни копейки за свой кропотливый труд.

Гай Орландо Роуз был ярким представителем калифорнийского импрессионизма (другое название: калифорнийская школа пленэра).Будущий художник родился в состоятельной семье сенатора Леонарда Дж. Роуза. Его творческий путь начался довольно рано, когда, получив ранение на охоте, юный Ги Роуз начал интересоваться живописью.Поклонник художественного таланта Клода Моне, Ги Роуз работал в основном жанрах пейзажа, в том числе городского, и портрета, был хорошим рисовальщиком. В полотнах Ги Роуза присутствует свойственная импрессионизму живость, природность, игра света. Художник использовал насыщенную цветовую гамму, писал пейзажи, женские портреты. Несколько раз выставлялся в Парижском Салоне, принимал участие в выставках на родине, в том числе на Всемирной выставке в Сан-Франциско, где получил серебряную медаль.

Георг Базелиц (настоящее имя Ханс-Георг Керн)Немецкий художник-неоэкспрессионист и авангардный скульптор, один из основателей группы «Новые дикие». Настоящая фамилия художника – Керн, а псевдоним он взял от названия своего родного городка Дойчбазелиц, расположенного недалеко от Дрездена.Визитная карточка художника, которая делает его картины мгновенно узнаваемыми – это человеческие фигуры, расположенные на полотне вверх ногами. Изображать людей таким образом Георг Базелиц начал примерно в 1969 году.Бескомпромиссность и бунтарский дух будущего известного художника привели к тому, что Георг Базелиц был исключен из художественного училища, а его работы «Какая ночь сорвалась» и «Голый человек» были запрещены как непристойные, и изъяты полицией во время его первой выставки.Вынужденный работать в официальном стиле соцреализма во время проживания в Восточном Берлине, художник перешел к абстрактному искусству после переезда в Западную часть города. Постепенно Базелиц отклонил оба направления и стал возрождать немецкий экспрессионизм, который процветал до войны, но был неугоден нацистскому правительству. Человеческая фигура заняла центральное место в творчестве Базелица, а картины приобрели скандальное и вызывающее звучание.Георг Базелиц сыграл ключевую роль в становлении немецкого искусства после Второй мировой войны, выражая национальную идентичность с помощью символичных и экспрессивных образов.Произведения художника часто подвергались критике из-за их отталкивающего и неэстетичного содержания, но вместе с тем, они вдохновили очень многих европейских и американских художников, способствуя возрождению фигуративного искусства.Сегодня Георг Базелиц – всемирно признанный художник, работы которого являются одними из самых дорогих произведений современных живописцев и ваятелей. Он продолжает неутомимо работать, создавая своеобразные «ремейки» своих композиций прошлых лет.

Знаменитый британский скульптор индийского происхождения, участник группы «Новая британская скульптура», автор модернистских произведений, расположенных во многих крупных городах по всему миру.Переосмыслив рациональный подход минимализма и провокационное звучание концептуального искусства, художник добавил в него собственные яркие эмоции, необычное мировосприятие и очарование первобытного искусства.Скульптуры Аниша Капура – это своеобразная игра формы, цвета и фактуры. Его творения, выполненные из самых различных материалов, объединяет стремление к свободе, гармонии и равновесию предметов в пространстве. Знаменитая работа художника – «Облачные врата» в Чикаго, прозванная в народе «фасолина», - яркий пример изобретательности ее автора. Ее зеркальная поверхность отражает и меняет форму окружающего мира, создавая альтернативную реальность, и вовлекая зрителя в своеобразный «диалог с космосом». Аниш Капур – лауреат всевозможных конкурсов и обладатель нескольких крупных премий в области изобразительного искусства, самая престижная из которых британская премия Тернера. За свою долгую творческую карьеру художник удостоился Ордена Британской империи и создал самую масштабную арт-инсталляцию на территории Соединенного Королевства, а выставка его работ стала наиболее посещаемой за всю историю государства.В настоящее время Аниш Капур не перестает стремиться к новым открытиям и впечатляющим находкам. Его переполняют новые идеи и оригинальные задумки, которые, без сомнения, еще не раз удивят и взволнуют весь мир.

Михаил Федорович Андриенко-Нечитайло - украинский художник и сценограф-авангардист. Основную часть художественной карьеры составил во Франции как представитель Парижской школы изобразительного искусства. Вместе с П. Ковжуном, Я. Музыкой организовал Ассоциацию украинских художников и помогал молодым художникам-землякам, эмигрировавших во Францию. Пять картин Андриенко-Нечитайло, оказавшихся в Львовском художественном музее, где проходили выставки этого объединения, в 1952 году были уничтожены как «формалистские» и «не имеющие ценности».Наряду с Александром Архипенко, Михаил Андриенко смог отзеркалить в своем многогранном творчестве разнообразные направления авангардной живописи 20 столетия. Его персональные выставки, кроме нескольких в Париже, с успехом проходили в Риме, Берлине, Женеве, Амстердаме, Чикаго.Серия произведений Мишеля Андриенко в стиле нео-реализма под общим названием «Исчезающий Париж» составляет историческую ценность как художественный документ прошлого столицы Франции.В области театральной декорации работы Андриенко-Нечитайло занимают одно из первых мест в современном европейском искусстве. Мастер предложил не только высокую художественную форму, но и внес новое понимание пространства сцены в камерном театре.М. Андриенко был человеком высокой культуры и разносторонне одаренной личностью. Он плодотворно работал как искусствовед и писатель. Его рассказы и психологические новеллы специалисты характеризуют как образцы высокохудожественной прозы. Его критические статьи по искусству, эстетические наблюдения печатались в эмигрантских журналах «Возрождение», «Новая жизнь», в мюнхенском украинском журнале «Сучаснiсть».Находясь в центре европейской культурной жизни, Андриенко счастливо избежал подражаний, выработав оригинальную творческую манеру. Украинский художник входит в круг выдающихся мастеров изобразительного искусства XX в. Его живописные и графические произведения находятся в музеях Парижа, Нью-Йорка, Лондона, Рима, в Национальном музее во Львове (Украина), в многочисленных частных собраниях.

Американский художник и теоретик, центральная фигура авангарда 60-х годов, первооткрыватель хеппенинга – вида искусства, в котором основное внимание уделяется непосредственно процессу творения. Аллан Капроу ценил в живописи момент действия, ставя его выше результата.Недолговечные, часто сиюминутные и спонтанные действа А. Капроу стирают грань между искусством и повседневной жизнью и погружают участников внутрь произведения, вовлекая их в творческий процесс и разрушая пресловутую «четвертую стену» между произведением и зрителем.В своих теоретических трудах Аллан Капроу говорил о том, что после открытий Джексона Поллока и других абстрактных экспрессионистов, живопись больше не может существовать в прежнем виде. Она должна выйти за рамки холста и переместиться в повседневную жизнь.Мастер называл себя «не-художником», а свои произведения «антикартинами». «Жизнь гораздо интереснее искусства,» - говорил Капроу и создавал события за пределами галерей и музеев: во дворах, квартирах, на улицах, площадях и парковках. Иногда доходящие до абсурда действия - такие как строительство домов изо льда под палящим калифорнийским солнцем, - меняют само восприятие искусства и превращают обыденные жизненные процессы в творческие акты.Принципы создания хеппенинга, которые Аллан Капроу изложил в своем труде «How to Make a Happening», были с восторгом приняты многими послевоенными художниками, пытающимися по-новому посмотреть на современные творческие методы. Благодаря находкам американского новатора дальнейшее развитие получили такие направления, как инсталляция, перформанс и концептуальное искусство.

Американский современный скульптор-концептуалист и художник. Практика Брюса Наумана охватывает широкий спектр творческий интересов: перформанс и инсталляция, фотография и арт-видео, работы для средств массовой информации, для печати и промышленного производства. Во всех сферах проявляется увлечение художника природой общения, присущими языку проблемами и ролью художника как манипулятора визуальными символами через средства коммуникации.Науман имеет многочисленные награды в нескольких областях художественной практики, почетную степень доктора искусств в институтах искусств Америки. Работы широко представлены ​​по всему миру как часть экспозиций самых престижных музеев и галерей. Монументальное искусство Брюса Наумана вдохновило многих других художников во второй половине 20-го века и продолжает пользоваться спросом в 21-ом. В 2004 году журнал «Time» назвал его одним из 100 самых влиятельных людей в мире искусства. В 2006 году согласно рейтингу ресурса Artfacts.net Брюс Науман - номер один среди живущих художников.

Выдающийся британский скульптор, одна из ключевых фигур авангардного искусства страны. Сэр Энтони Каро известен своими инновационными решениями, которые во многом опередили свое время и подготовили почву для будущих изменений в трехмерном искусстве. Будучи некоторое время помощником своего знаменитого соотечественника Генри Мура, скульптор стал продолжателем его начинаний в области авангардной скульптуры, расширяющей рамки традиционного представление об этом виде искусства.Наиболее известные работы Каро представляют собой большие абстрактные скульптуры, окрашенные в один яркий цвет и стоящие прямо на земле, без каких-либо пьедесталов, позволяя зрителю принимать непосредственное участие в композиции. Свои произведения скульптор исполнял в соответствии с окружением, в котором предполагалось их устанавливать. Он всегда настаивал на непосредственной связи архитектуры со скульптурой и даже придумал специальный термин для произведений, находящихся на стыке этих двух видов искусства – «Sculpitecture»Большое значение имела также многолетняя преподавательская деятельность Энтони Каро. Его нетрадиционный подход к форме и пространству открыл новые возможности и оказал большое влияние на молодых скульпторов. Среди его учеников в разное время были такие выдающиеся личности как Филип Кинг, Барри Флэнаган и Ричард Лонг, названые «новым поколением» английской скульптуры.

Швейцарский скульптор и литограф, художник и график, коллекционер архаичных и старинных произведений искусства, видный представитель авангарда в своей стране и в Европе. Художник провел не одно десятилетие в Париже, стал членом сюрреалистической группировки, организованной и возглавляемой Андре Бретоном. Последний включил одну из литографий Сержа Бриньони в знаменитую иллюстрированную книгу «Сюрреализм в 1947 году».Художник как представитель Парижской школы был участником Венецианской биеннале, престижных международных выставок сюрреалистического искусства в Англии и Америке. Огромен его вклад в развитие авангардного искусства в Швейцарии.Близкий к сюрреализму на художественном и интеллектуальном уровне, Серж Бриньони в своем искусстве шел к более сложным метаморфозам изображения мира. Вены и ветви, глаза и внутренности, морские сущности и бесконечные космические ландшафты, пространства и фигуры, оживляемые фрагментами растений, показывают его внимание к природе. Широкий спектр используемых методов создания произведений искусства - скульптура, коллаж, гравировка, живопись и рисунок - придает наследию С. Бриньони статус «аналоговой биологии».В 1985 году швейцарский художник безвозмездно передал свою ценнейшую и обширную коллекцию произведений искусства из Океании и Индонезии в Лугано – в этом городе уже через четыре года был открыт Музей неевропейских культур «Villa Heleneum».

Выдающийся французский скульптор, основоположник современной скульптуры. Огюст Роден по праву считается величайшим творцом своего времени, разрушившим стереотипы в творчестве и ставшим образцом для последующих поколений ваятелей во всем мире.Уникальное умение передать пластику и линии человеческого тела, а также сложные переживания души, были главными особенностями манеры скульптора. Творчество Родена разительно отличалось от традиционных канонов академизма. Его работы, выражающие безудержную энергию жизни, яркие эмоции, а также интимные моменты, встретили непонимание и насмешки современников. Лишь только в конце жизни мастера его произведения были оценены по достоинству и снискали огромный успех.На протяжении долгого периода Огюст Роден работал над большим заказом – входом в здание нового музея декоративного искусства в Париже, которое называлось «Врата ада». Мастер настолько сильно углубился в свою работу, что продолжал ее дорабатывать и переделывать на протяжении целых восьми лет. Несмотря на то, что проект музея так и не был осуществлен, элементы ворот, в том числе знаменитый «Мыслитель», стали отдельными произведениями искусства, покорившими сердца миллионов людей естественностью своей пластики и открытостью чувств.

Итальянский художник, скульптор и график еврейско-французского происхождения, живший и работавший в Париже. Один из наиболее известных художников начала 20 столетия, развивший свой характерный стиль с чистотой линии, медитативной атмосферой и с фигурами вытянутой формы.Первоначально Модильяни намеревался быть скульптором. Поощряемый и вдохновляемый К. Бранкузи, он в течении почти пяти лет своей недолгой творческой карьеры начал вырезал головы из камня, однако пыль известняка и песчаника раздражала его легкие, ослабленные туберкулезом, и приступы кашля мешали твердости руки. Кроме того, во время Первой мировой войны мрамора почти не стало и камень подорожал и был недоступен нищему мастеру. Художник перешел на живопись, но не изменил стилю – его портреты столь же узнаваемые, как и скульптуры.Произведения при жизни художника успеха почти не имели – на двух выставках он продал лишь несколько скульптур. Став чрезвычайно популярными после его раннего ухода из жизни, немногочисленные (около 30) каменные изваяния остаются таковыми сейчас. Абсолютным рекордом для скульптуры стала проданная аукционным домом Кристи за 43 с лишним миллиона евро одна из «Голов» Амадео Модильяни. В искусствоведении используется всем понятный термин «стиль Модильяни», довольно условно относимый к экспрессионизму.

Французский каталонского происхождения скульптор, мастер искусства гобелена, живописец, книжный иллюстратор. Был членом группы последователей Поля Гогена «Nabis», хотя и не использовал их методы в жанре ваяния.Майоль выступил во второй и главный период своей творческой карьеры как один из самых оригинальных ваятелей и считается автором, совершившим революционный «возврат» к классической скульптуре в то время, когда искусство имело вектор движения к абстрактному направлению. Он стремился к гармонии, соразмерности, упрощению визуальных форм, тяготевших в конце 19 столетия к грандиозности.Также некоторые каталогизируют его как предшественника таких скульпторов, как Генри Мур (запись в блоге 15 ноября 2009 г.). Но также, если мы углубимся в его биографию, нам представлен разносторонний художник, который доминировал во всех дисциплинах, хотя он наконец нашел путь к его творчеству в скульптуре.Благодаря стараниям друга и музы мастера Дины Верни, на протяжении всей жизни занимавшейся пропагандой творчества Аристида Майоля, был в 1995 году открыт музей скульптора, мастера декоративно-прикладного искусства и художника в Париже. 18 скульптур были ею переданы как дар французскому народу с условием их постоянного экспонирования в садах Тюильри.Гуманистическое по сути и исполнению искусство Аристида Майоля оказало огромное влияние на творчество многих крупнейших скульпторов 20 столетия.

Русский выдающийся скульптор и график, снискавший ещё до революции славу «русского Родена». Сергей Конёнков был мастером монументальных композиций, портретного и сюжетного жанров, виртуозно работал в дереве, используя приёмы народной резьбы. Как портретист оставил целую галерею изображений своих современников ( Ф. Шаляпин, М. Горький, С. Рахманинов, А. Довженко, К. Циолковский, В. Маяковский, С. Есенин), писателей-соотечественников (И. Тургенев, Ф. Достоевский, Л. Толстой, Салтыков-Щедрин). Известны выдающиеся памятники А. С. Пушкину, В. И. Сурикову и др.Сергей Тимофеевич более 20 лет жил и работал в Соединенных Штатах Америки, в основном – в Нью-Йорке. По заказу администрации Принстонского университета выполнил в 1935 году бюст великого учёного Альберта Эйнштейна, с которым был дружен, а позже – его изображение во весь рост.В годы войны скульптор был активным членом американского Комитета помощи России. По распоряжению Сталина в 1945 г. для Конёнкова и его работ был зафрахтован пароход.Скульптор, ставший действительным членом Академии художеств еще в дореволюционном 1916 году, после возвращения на родину стал академиком, Народным художником СССР, Героем Социалистического Труда, почётным гражданином города Смоленска, лауреатом государственных премий.Изваяния и рисунки мастера находятся в главных музеях России, в нескольких музеях и государственных учреждениях США и других стран мира. Постоянно экспонируются работы в мемориальном московском Доме-музее «Творческая мастерская С. Конёнкова», в музее скульптуры Смоленска, открытом по настоянию художника, подарившего родному городу большую коллекцию произведений.

Американский скульптор и дизайнер японского происхождения. Исаму Ногути был одним из самых важных и известных скульпторов двадцатого века в США. На протяжении всей жизни он занимался художественными экспериментами, создавая оригинальные скульптуры, дизайн мебели и керамики, архитектурные и ландшафтные проекты. Его неординарный и смелый стиль объединил традиционные и авангардные элементы, установив новый стандарт современного искусства.Ногути не утратил связи со своей исторической родиной и проводил много времени в Японии, открыв там собственную студию. Художник постоянно путешествовал по миру. В его творчестве нашли свое отражение гармония японских садов и керамики, тонкость и изящество каллиграфии Китая, грациозность итальянских мраморных скульптур, монументальность и гениальная простота искусства индейцев древней Америки.Творчество скульптора получило широкое признание в Соединенных Штатах в 1938 году, после создания крупной скульптуры, символизирующей свободу прессы, для здания Associated Press в Нью-Йорке. Эта работа стала первой из множества общественных объектов, установленных в различных городах по всему миру. Произведения Исаму Ногути, начиная от детских игровых площадок, городских площадей и скверов и заканчивая целыми садовыми комплексами, отражает его веру в социальную значимость скульптуры, которая делает искусство доступным для каждого.

Американский художник, дизайнер, авангардный кинорежиссер. Джозеф Корнелл работал преимущественно в техниках инсталляции и ассамбляжа, используя обыденные вещи в неожиданных сочетаниях. Он не имел художественного образования, работал продавцом тканей и проявил себя в искусстве лишь к тридцати годам, открыв новое и интересное направление в современном творчестве, которое имело много последователей..Воздействие на подсознание и загадочность работ Корнелла роднит его с сюрреалистами и дадаистами, хотя сам художник-самоучка никогда не причислял себя ни к одному из модернистских или авангардных течений. Он вел очень уединенную жизнь на окраине города со своим больным братом и матерью, крайне редко выступал на публике, однако поддерживал дружеские отношения с большинством современных американских художников. Дж. Корнелл был глубоко религиозным человеком и пылким сторонником «Христианской науки», что наложило большой отпечаток на все его творчество.Джозеф Корнелл известен, прежде всего, своими оригинальными инсталляциями, где в небольшом,чаще замкнутом со всех сторон пространстве каждая вещь приобретает совершенно иной смысл и вызывает самые разнообразные ассоциации у зрителей. Самые известные работы художника представляют собой стеклянные коробки, в которые он помещал различные объекты: старые фотографии, обрывки газет, другие мелкие предметы. Эти «теневые коробки», как их называл сам автор, имели большое влияние на развитие инсталляции, ассамбляжа и других современных форм искусства.

Швейцарский скульптор, живописец и график, один из крупнейших мастеров-ваятелей XX столетия, яркий представитель авангарда.Джакометти, изучавший искусство живописи и ваяния в Женеве и Париже, экспериментировал с кубизмом и футуризмом, плотно интересовался техникой примитивной скульптурой. Некоторое время работал с сюрреалистической французской группой и создавал странные объекты, свидетельствующие о жестокости, интересу к эротике и одновременно - о мечтательности и гуманизме их автора.После того, как довольно резко отстранился от сюрреалистов, Джакометти вернулся к работам более фигуративным и жизненным. Уже зрелый мастер создал свои самые известные произведения - серии удлиненных и хрупких фигур, похожих на скелеты и выполненных не путем резьбы, а процессом моделирования в глине или гипсе без тщательной проработки и заглаживания поверхности скульптур и статуэток. Именно эти работы чрезвычайно высоко ценятся на арт-рынке и вызывают неизменно-повышенный интерес зрителей.Джакометти писал статьи для каталогов многих выставок и для периодических изданий, излагая неординарные мысли, а также вел дневники, куда вносил воспоминания, наблюдения и пояснения к своим произведениям. Они являются важным документом авангардистской эпохи в искусстве и культуре.Самый высоко оцениваемый (в прямом и переносном смыслах) выдающийся классик мировой скульптуры был настолько неординарен, что не имел прямых последователей, но повлиял на все мировое изобразительное искусство. Был кумиром Сальвадора Дали, Генри Мура и других известных художников.

Французский живописец, выдающийся рисовальщик и скульптор, один из самобытных и виднейших представителей импрессионизма, хотя данный термин художник отвергал.Жанру скульптуры художник начал уделять больше внимания после того, как к началу 1970-х его зрение ухудшалось. Тематика этих творений повторяла излюбленные темы картин – женщины за туалетом, артистки балета, лошади и скачущие на них жокеи. Дега эти работы делал для себя, заменяя лепкой этюды, поэтому немногие изваяния доводил до конца, а экспонировал в своей жизни единственную - «Четырнадцатилетнюю танцовщицу», которая была раскритикована знатоками.Восковые фигурки (около 70), найденные наследниками в мастерской мэтра, были непрочными, и было решено увековечить их в бронзе, с которой сам Дега не работал никогда. Первые отлитые образцы появились в 1921 году, а оригиналы долгое время считались утраченными. Однако мастеру-литейщику удалось не повредить хрупкий воск, и в 1954 году в подвалах литейного цеха они были обнаружены.Все оригиналы, выставленные наследниками на аукцион, приобрел американский коллекционер Пол Меллон. Он подарил несколько работ Лувру, а самая большая коллекция – 52 статуэтки находится в Вашингтонской национальной галерее.Согласно договору с литейным заводом, каждая из восковых скульптур была воспроизведена примерно 20-25 раз – из почти 1500 копий многие выставляются в крупных музеях мира. К примеру, в Глиптотеке Копенгагена есть их полный набор, хотя спор о том, можно ли копии подписывать именем мастера, все еще продолжается.

Российский еврейского происхождения скульптор, художник, сценограф, теоретик искусства, работавший в разных странах Европы и долгое время – в США.Н. Габо - один из пионеров современной скульптуры. Вместо дерева, камня или бронзы он использовал новые промышленные материалы - акриловое стекло, пластмассы, нейлоновые нити. В его абстрактных пространственных построениях масса и объем – эти «краеугольные камни традиционной скульптуры» - оказались наполовину прозрачными, казались невесомыми даже при значительной массе. По-настоящему уникальной особенностью работы Габо является то, что он был вдохновлен не природой, а концепциями точных наук.Своими идеями о современной скульптуре Наум Габо как никто иной революционизировал общие представления о скульптуре и ее восприятии, заслужив место в каталоге «100 художников, от древней Греции до наших дней, которые сыграли значительную роль в развитии скульптуры, живописи и фотографии», изданном в США.Лидер мирового художественного авангарда, Н. Габо принадлежал и к группе российских конструктивистов (соратник Татлина, Малевича, Родченко), и к представителям немецкого Баухауза, а также был членом парижской группы «Абстракция», амстердамского «Стиля». Габо решительным образом повлиял на английскую новейшую скульптуру и был отмечен званием «Почётный рыцарь-командор ордена Британской империи». Кроме того, художник стал одним из первопроходцев в создании кинетического визуального искусства.

Русский скульптор-монументалист, мастер портретного жанра в мраморе и бронзе, профессор, автор теоретических трудов по монументальному искусству.Характер природного дарования позволил Вучетичу стать одним из самых выдающихся представителей «советского классицизма», чьи работы известны во многих странах мира. Он неоднократно удостаивался Гран-при международных выставок, его заслуги оценены шестью государственными премиями СССР, а также премией имени Дж. Неру.Скульптор награждался медалями и орденами (в том числе как участник Великой Отечественной войны), был Вице-президентом Академии художеств, стал Героем Социалистического Труда и Народным художником СССР. В своих работах Евгений Вучетич запечатлел наиболее значимые события в истории своей страны, образы его произведений символизируют военный и трудовой героизм народа. Такая тематика обусловила драматизм творений, всегда, тем не менее, носивших жизнеутверждающий характер.Наиболее значительными по масштабу являются скульптурные ансамбли в Берлинском Трептов-парке и на Волгоградском Мамаевом кургане. Скульптура «Родина-мать зовет» была вписана как самая высокая нерелигиозная статуя в мире в Книгу Рекордов Гиннеса.

Русский скульптор-монументалист, мастер портретного жанра, а также автор новаторской бытовой пластики - ваз, бокалов, статуэток из стекла.Скульптор, получившая образование и навыки у видных российских и парижских мастеров, тяготела к монументальному жанру и вводила в скульптуры некоторые приемы кубизма и футуризма. Прославилась впечатляющими монументами, главный из которых – «Рабочий и колхозница», за который автор удостоилась Гран-При на Международной выставке в Париже. Побеждала также на Венецианской биеннале.В разные годы художница была член художественных объединений «Монолит», «Четыре искусства», Общества русских скульпторов, «Бригада восьми», стала академиком и Народным художником СССР.В наследии ваятеля насчитываются десятки портретов героев войны, ученых, артистов, в которых реалистично и эмоционально запечатлен облик выдающихся людей. Вера Игнатьевна пять раз удостаивалась Государственной премии СССР за отдельные произведения, награждалась орденами и медалями не только своей страны. Она преподавала на скульптурных факультетах нескольких учебных заведений, была автором теоретических статей по монументальной скульптуре. Музей Веры Мухиной открыт в Феодосии, где она жила долгое время, в её честь назван кратер на Венере.

Румынский выдающийся скульптор мирового масштаба, большую часть своей творческой карьеры составивший во Франции. Является одним из главных художников-основателей стиля абстрактного ваяния и ярчайшим представителем парижской школы.Константин Бранкузи, имеющий в авангардном искусстве XX столетия мировое имя, привел скульптуру к революционному упрощению форм. И это было не простым упражнением в пластическом дизайне, а реальной интерпретацией ритма современной ему жизни. При этом мастер, работавший в камне, бронзе и дереве, демонстрировал высочайшее техническое мастерство. Через подчеркнутую формальность и кажущуюся бедность формы он выявлял внутреннюю красоту используемых материалов, освобождая ее от поверхностных проявлений. Доказательством того, что искусство Бранкузи не являлось пустой абстракцией, а было наполнено высоким содержанием, служит чрезвычайная популярность его работ и при жизни мастера, и в настоящее время. Пионер абстрактной скульптуры был широко известен в Европе, Америке, а также через своего почитателя и последователя И. Ногучи – в Японии, но никогда не забывал свои корни. Скульптор получал крупные заказы из Румынии, в том числе на парковые мемориалы.Наследие художника востребовано и в 21 веке. Несмотря на то, что скульптуры имели немалое количество авторских повторов и последующих отливок, они оцениваются на современном арт-рынке в десятки миллионов евро или долларов.В парижском Центре Жоржа Помпиду с момента его открытия есть отдельная комната со скульптурами Константина Бранкузи – автор завещал свои работы французскому народу.

Немецкий скульптор, гравер, график и писатель-драматург. Художник, работавший в фигуративном искусстве, считается ярким представителем позднего экспрессионизма, тесно связанным с традиционной готикой немецкого средневековья. Творчество Э. Барлаха с 1910-ых годов обрело большой публицистический размах. Он постоянно апеллировал к сознанию человечества, стремясь обнажить в работах остроту и глубину проблем современности. Ему присущи, как и экспрессионизму в целом, высокие духовно-этические идеалы.Бертольт Брехт, причисляя Э. Барлаха к величайшим скульпторам, когда-либо работавшим в стране, оценивал произведения следующей формулой: «Красота без приукрашивания. Величие без морализаторства. Гармония без лоска. Сила жизни без жестокости». В 1930-1931 годах к 60-летию мастера прошли крупные выставки в городах Германии, в Эссене, Венеции, Нью-Йорке, Цюрихе, Париже. Факт такого широкого признания не помешал нацистам устраивать травлю на художника, ставшего «внутренним эмигрантом». Он продолжал творить вещи, вызывавшие ненависть у властей и фундаменталистски настроенной публики.Его пьесы запрещались к показу, скульптуры изымались из общественных коллекций и уничтожались как «вырожденческое искусство». В прессе писалось «надеемся, что все следы его ужасающих произведений будут убраны», самого скульптора называли не иначе как «антинемцем» и «полуидиотом». Однако Барлах, отказавшись от членства в Академии искусств, решил не уезжать из страны, до конца отстаивая право на свободное творчество.В послевоенное время в обоих немецких государствах были созданы музеи Барлаха – в городе Гюстрове ( ГДР) и в Гамбурге ( ФРГ). Вблизи Гюстрова было сооружено отдельное музейное здание, где хранятся около 400 скульптур, около 2 тыс. набросков и рукописей творца. Активно действующим является «Общество Эрнста Барлаха».

Украинский художник и скульптор-новатор и с мировым именем, яркий представитель кубизма и абстракционизма в скульптуре и живописи, работавший во Франции, Германии и большую часть творческой карьеры - в США.Работы А. Архипенко перевернули устоявшиеся представления о скульптуре, показали возможность составлять единое из неэквивалентных различных форм, вводить в одну композицию стекло и дерево, металл, ткани и бумагу. Выраженная конструктивность и одновременно лиричность, необыкновенная пластичность в передаче движения - основные качества творений художника и скульптора.Произведения Архипенко, высоко оцененные его современниками Пикассо и Дюшаном, Леже и Родченко, Делоне и Грисом, пользовались неизменным вниманием, вызывали позитивные отклики в прессе и монографиях. Художник-новатор провел за более полутора сотен персональных выставок, имел и имеет немало и последователей, и исследователей.Художник щедро делился своим неординарным видением на визуальное творчество – его частные студии в Париже, Берлине, разных городах Америки, а также лекции и мастер-классы, с которыми он ездил по городам, посещали тысячи начинающих и маститых ваятелей и живописцев.Никогда не терял связи с соотечественниками – был членом Украинского студенческого клуба в Париже, в Берлине - членом Украинской Громады, в США входил в Ассоциацию украинских художников, в Украинскую академии искусств и наук, работал в Украинском институте США. Он создал четыре бюста Т. Шевченко (один установлен в Парке национальностей в Кливленде), портреты И. Франко, украинских общественных деятелей. В советской Украине имя Архипенко не упоминалось до оттепели 1960-ых, 5 произведений из Львовского музея были уничтожены в 1950-ых, как и 22 творения из музеев Германии в 1930-ые.

Известнейший английский скульптор, одна из наиболее значительных фигур в искусстве Великобритании 20-го столетия. Барбара Хепуорт работала в то время, когда женщины-художницы, а тем более скульпторы, были редкостью. Она, наряду со своими современниками Беном Николсоном и Генри Муром, оказала огромное влияние на развитие современного британского искусства в целом, и абстрактной скульптуры в частности.Любимыми материалами Хепуорт были дерево и камень, из которых с помощью техники вырезания она создавала биоморфные абстрактные композиции. Художница разработала принцип «полой формы» и впервые создала сквозную скульптуру, которая широко применяется многими ваятелями современности. Свои неординарные и загадочные образы Хепуорт согласовывала с окружающим пространством и придавала им сходство с натуральными формами и линиями. Работам скульптора присуща особая ритмичность, заложенная законами самой природы.Вместе со своим супругом Беном Николсоном Барбара Хепуорт была лидером колонии художников Сент-Ивз, где она проживала с начал Второй мировой войны и до самой своей смерти. Она также была одним из основателей арт-движения «Unit One», участниками которого были авангардные художники и скульпторы, и которое смогло объединить сюрреализм и абстракцию в британском искусстве.

Знаменитый американский художник и скульптор, произведения которого украшают площади и скверы городов США, Европы и Латинской Америки. Сын и внук скульптора, Александр Колдер, получил образование инженера и применил свои знания в области скульптуры, что позволило ему создать совершенно оригинальный, новаторский подход к этому виду искусства.Колдер стал известен во всем мире как изобретатель «проволочной скульптуры». Отказавшись от традиционных тяжелых материалов – глины, гипса и бронзы, он создал воздушные конструкции, в которых форма предмета передается очень упрощенно и схематично. Его статуэтки из проволоки напоминают рисунок карандашом в пространстве и поражают лаконичностью и изяществом исполнения.Еще одно изобретение скульптора - так называемые «мобили» - динамичные конструкции, которые приводятся в движение с помощью силы ветра, законов земного притяжения, а в некоторых случаях электрическим двигателем. Эти произведения являются полностью абстрактными и имеют небольшие размеры, в отличие от более устойчивых и монументальных «стабилей» скульптора, которые прекрасно дополняют городской урбанистический пейзаж. Одним из самых известных и масштабных творений Александра Колдера является работа «Человек», расположенная в центре Монреаля.

Выдающаяся польская художница, скульптор, реформатор искусства гобелена. По фамилии художницы получили название текстильные скульптурные формы абаканы. Крупные грубофактурные произведения поражали своим видом, напоминая зрителю органические многократно увеличенные структуры. Новизну техники и сюжетных замыслов М. Абаканович мировое арт-сообщество высоко оценило уже в первой половине 1960-ых, удостоив художницу главных наград международных биеннале.Та значительная свобода, что предоставляла польским художникам возможность поездок в западные страны, способствовала развитию уникального таланта Магдалены Абаканович. Она бывала в Париже и Венеции, Мюнхене и Нью-Йорке, участвуя в художественных событиях за пределами Восточного блока и получая инъекции другого искусства, сильно отличающегося по форме от принятого в Польше соцреализма.Абаканович всегда подчёркивала метафоричность работ названиями, поскольку все ее произведения - результат размышлений «об обстоятельствах, формирующих различные состояния человека», отражение также её личной жизни со своей историей страхов и страданий.Как определила искусствовед Д. Врублевская, «в основе искусства М. Абаканович лежит биология. Но она - творец, поэтому человека исследует через форму и пользуется в своих исследованиях инстинктом». Неослабевающую изобретательность Абаканович определяет ее творческое кредо: «Не люблю принципов и правил. Это враги фантазии».Художница удостаивалась очень многих престижных наград, ее работы украшают города Европы, Японии, США, Израиля, Южной Кореи – во многих из них она выступала с лекциями и мастер-классами.

Самый известный и значимый английский скульптор послевоенного времени, один из основоположников модернистской британской скульптуры. Г. Мур существенно повлиял на постепенное превращение британской скульптуры из провинциальной в авангардную, не только соответствовавшую европейским понятиям о современном искусстве, но и внесшую в нее собственные темы и средства пластического выражения.Мировую известность Муру принесли его скульптуры, предназначенные для открытого пространства, которые установлены во многих крупных городах по всему миру. Эти произведения, изображающие главным образом полуабстрактные человеческие фигуры, впечатляют гармонией форм и музыкальностью плавных, извилистых линий. Они раскрывают извечные темы красоты природы и привлекательности женского тела, духовной близости мужчины и женщины, беззаветной любви матери к своему ребенку – всего того, что делает наш мир прекрасней.Свои произведения скульптор предпочитал вырезать из целого куска дерева или камня, и только в позднем периоде своего творчества стал использовать гипс и бронзовое литье. Помимо скульптуры Г. Мур известен как прекрасный рисовальщик. Наиболее значимыми его работами были впечатляющие изображения граждан Лондона, укрывающихся на станциях метро во время нацистских бомбежек.

Выдающийся французский скульптор, художник, рисовальщик и педагог. Проработав 15 лет в мастерской Огюста Родена, сначала как его помощник и ученик, а потом как равноправный коллега, Антуан Бурдель стал влиятельной фигурой в европейском арт-сообществе.Парижскую мастерскую-студию А. Бурделя посещали такие ученики, как Аристид Майоль, Вера Мухина, Альберто Джакометти, ставшие выдающимися скульпторами, а также художники Анри Матисс, Вадим Меллер и десятки других.О выдающемся таланте скульптора говорит большое количество полученных им крупных заказов на монументальные сооружения национального значения и немалое число работ, выполненных для столиц и городов разных стран мира.Не возражавший против многократного тиражирования своих самых выдающихся работ мастер представлен в музеях мира прижизненными отливками фигур и композиций из бронзы, а также повторами более поздних лет.Художник стал полным кавалером наград Ордена Почетного Легиона Франции, был основателем и вице-президентом «Салона Тюильри» в Париже. Он оставил потомкам портреты таких выдающихся людей, как О. Роден, Г. Эфель и др.Дом с мастерской в Париже, в котором скульптор жил и работал с 1884 года до конца жизни, стал художественным Музеем, где находится множество готовых работ, а также эскизы к ним, выполненные в терракоте, глине и гипсе. К музею прилегает сад, также ставший местом экспонирования скульптур Антуана Бурделя. Второй сад-музей скульптора открыт в Égreville стараниями наследников и экспонирует 56 работ мастера.

Филиппинский художник, яркий представитель кубизма. Получив образование в США, Канаде и Европе, художник находился в первых рядах модернистского движения в стране и сыграл одну из ключевых ролей в становлении современного искусства на Филиппинах. Манансала известен как автор «прозрачного кубизма», в котором изображения накладываются друг на друга, создавая ощущение легкости и невесомости. Его картины сочетают в себе самые современные мировые художественные тенденции с местным колоритом и глубоким пониманием психологии народа. Многие произведение В. Манансала раскрывают тему человеческих лишений и крайней бедности в послевоенной Маниле. Цветовая палитра художника отличается преимущественно яркими, солнечными оттенками, свойственными природе его родной страны. Картины Манансала наполнены душевным светом и искренним сочувствием к изображаемым пермсонажам. Художник считал, что истинная красота искусства зарождается в процессе его создания, а главной темой каждой картины является любовь.

Английский живописец Уильям Робертс, почитаемый за большие, сложные и красочные композиции, которые он ежегодно, начиная с 1950-х годов выставлял на вернисажах Королевской академии, в начале карьеры был в рядах пионеров английского художественного авангарда. Член студии-мастерской «Омега» Роджера Фрая, группы вортицистов Уиндема Льюиса, Роберст позиционировал себя как кубиста и большую часть очень длительной творческой карьеры работал вне мейнстрима.Художник, долго служивший официальным военным живописцем, избирался также действительным членом Королевской академии, награждался премиями. Произведения Робертса составляют не только коллекцию его лондонского Дома-музея, но и широко представлены в престижной Галерее Тейт Модерн и в других английских и американских музеях и галереях.

Американский художник, родившийся и работавший во Франции, один из самых известных представителей сюрреализма. Ив Танги никогда не обучался живописи профессионально, но увидев однажды работы итальянского сюрреалиста Джорджо де Кирико, он покинул службу на торговом флоте и навсегда посвятил себя живописи. Смелый, яркий и эксцентричный, художник интриговал и эпатировал публику, как своими неординарными работами, так и непредсказуемым поведением. Танги одним из первых начал использовать в своих работах технику «автоматического письма», метода, в котором художник рисует ассоциативные образы, не задумываясь над тем, что он изображает, и позволяя подсознанию свободно проникать на холст. Результатом этих экспериментов стало появление ирреальных предметов и несуществующих животных, которых художник помещал на фон неправдоподобно-бесконечного ландшафта.Во время Второй мировой войны художник покинул опасную Европу. Он навсегда переехал в США - на родину своей жены Кей Сейдж, которая тоже была художником-сюрреалистом. В Америке Танги часто устраивал выставки своих полотен вместе с другими художниками этого направления и оказал большое влияние на становление и развитие современной живописи, особенно абстрактного экспрессионизма. Его неординарные фантастические работы сделали его всемирно знаменитым и финансово успешным художником.

Бельгийский художник-новатор, яркий представитель сюрреализма. Картины Поля Дельво навеяны тайными желаниями, подсознательными страхами и яркими впечатлениями из детства. Наследие живописца знаменито, прежде всего, своими обнаженными женщинами, молчаливыми и неподвижными, словно статуи, пребывающими в атмосфере загадочности и пустоты.Большая часть творческой карьеры Поля Дельво проходила в период Второй мировой войны и оккупации его родной страны. Это стало одной из причин появления в картинах художника тревожного настроения и беспокойных мотивов, хоть выражалось это не прямым способом, а через обращение к психике человека и его подсознанию.Несмотря на то, что Дельво никогда официально не состоял в сюрреалистических группах и даже не причислял сам себя к этому движению, он был близок со многими из сюрреалистов. Особенно тесно художник общался с Рене Магриттом, который оказал на него заметное влияние, и Андре Бретоном – основоположником сюрреализма.В своем творчестве художник не использовал абстрактные предметы, как это делали его коллеги. Наоборот, картины мастера поражают своей реалистичностью и правильностью форм. Потрясающей атмосферы таинственности в своих произведениях Поль Дельво создавал собственными методами, совмещая неординарные образы с символичностью и непостижимостью сюжета.

Выдающийся художник (живописец и график), теоретик искусства, талантливый педагог, видный деятель культурного процесса первой четверти 20 столетия. Уроженец России Виктор Пальмов справедливо считается классиком украинского авангарда. Художник разработал собственную теорию «цветистости» и был автором ряда статей по проблемам теории новой живописи, печатавшихся в журнале "Новая генерация". Работы мастера попали в число «арестованных» и были в одном ряду с полотнами А. Богомазова, Д. Бурлюка, А. Экстер, «бойчукистов» запрещены к показу в галереях и музеях.

Итальянский художник, связанный со вторым поколением футуризма. Луиджи Коломбо подписывал свои работы псевдонимом Филлиа, используя для этого девичью фамилию своей матери. С ранней юности он проявлял интерес к театральному искусству и поэзии и достиг в этом определенных успехов, но позже увлекся футуристической живописью и посвятил себя изобразительному искусству. Художник был соавтором нескольких манифестов футуризма и написал много искусствоведческих трудов, раскрывающих суть и особенности современного искусства.В Турине, где по большей части жил и работа Филлиа, он организовал футуристическое общество, внеся этим немаловажный вклад в развитие этого художественного движения в регионе. Он совершил несколько продолжительных поездок в Париж, где вступил в контакт с самыми влиятельными мастерами авангарда. Среди своих коллег Коломбо выделялся чрезвычайной активностью в сфере искусства. Он всегда оставался в центре культурных событий, как итальянских, так и зарубежных, выступал организатором разнообразных мероприятий, был редактором нескольких периодических изданий.Стиль художника постепенно эволюционировал от резких футуристических работ к абстрактным полотнам с более плавными линиями и органичными цветами. В зрелых работах Филлиа занимается исследованием субъективного внутреннего мира человека, его подсознания и психологических аспектов.

Испанский (каталонский) живописец и скульптор, чье творчество оказало огромное влияние на целое поколение художников-модернистов. Произведения Жоана Миро относятся к самым ранним сюрреалистическим работам. Они послужили основой для дальнейшего формирования и развития стиля, пользующегося чрезвычайной популярностью и по сей день.Жоан Миро пробовал себя в различных модернистских и авангардистских течениях европейской живописи, но никогда не останавливался на одном из них окончательно, постоянно совершенствуя и обогащая свой художественный метод, экспериментируя с разными техниками и способами живописи. Результатом этих опытов стал собственный живописный язык мастера, основанный на сюрреальном мироощущении. Именно это позволило художнику переосмыслить основные принципы изобразительного искусства в соответствии с собственным оригинальным видением окружающей действительности.Уникальный мир Жоана Миро полон неповторимых образов и символов. Они представлены в виде чистых пластических знаков, расположенных в пустом пространстве, но не являются полностью абстрактными, а скорее напоминают наивное искусство или рисунки детей. Картины Миро состоят из геометрических, правильных или неправильных фигур, танца извилистых линий и мелких деталей, имеющих мистическое значение и создающих непередаваемую атмосферу каждой работы.

Английская художница-авангардист, график-иллюстратор, тесно связанная с британским движением вортицизма. Вместе с Джессикой Дисморр составила «женскую» часть группы из 11 художников, поставивших подписи под Манифестом Vorticist. Хелен Сондерс публиковала свои художественные работы, а также поэзию и прозу в журнале «BLAST». Как представитель раннего британского абстракционизма она стала одной из первых в стране авторов, работающих в стиле, очень близком к нефигуративному, и достигла в этом определенных вершин, развивая персональный язык в русле идей сначала постимпрессионизма, а затем - «вихризма».Немаловажным вкладом художницы в социальную жизнь страны стала ее активная поддержка борьбы за предоставление женщинам избирательного права.Недолговечное вортицистское движение, первоначально часто рассматриваемое как «мускулистое» мужское дело, было поддержано двумя женщинами в столь инновационной и неотразимой манере, что до настоящего времени ни одна из ретроспективных выставок, посвященных этому англо-американскому движению, не обходится без их картин. Одна из самых крупных «Вортицисты: художники-повстанцы в Лондоне и Нью-Йорке, 1914-1918» (2011) экспонировалась не только в Соединенных Штатах и Великобритании, но и в Италии.По словам Хелены Сондерс, движение представляло «очень разрозненную группу художников, каждый из которых разрабатывал свои собственные идеи под эгидой вихря».

Английский художник-авангардист, активный участник недолгого по времени, но радикального движения «вортицизм», которое появилось в Лондоне непосредственно перед Первой мировой войной.Эдвард Уодсворт не только подписал Манифест нового объединения, но и создавал графические композиции для журнала «Blast», тесно сотрудничая с его главным редактором Уиндемом Льюисом. Вложив журнал «Взрыв» в своем полотне «Вортицисты в ресторане de la Tour Eiffel: весна, 1915» именно в руку Удсворта коллега У. Робертс подчеркнул его значительную роль в группе. Это было принципиально важно в 1960-е годы, когда интерес к движению стал более пристальным.Много путешествовавший художник способствовал дальнейшему развитию британского авангарда, привнося в него идеи сюрреализма. Он был членом таких значительных творческих объединений, как парижская группа «Abstraction-Création».

Итальянский художник, выдающийся представитель второй волны футуристического направления в живописи, один из первых сюрреалистов в стране. Энрико Прамполини был необычайно одаренным человеком, проявившим свой талант во многих отраслях искусства. Современникам он был известен как театральный сценограф и дизайнер, а также архитектор, написавший несколько фундаментальных трудов в этом направлении. Вместе с Джерардо Доттори художник работал в стиле аэроживописи, создавая работы, построенные на ощущении полета, особенностях воздушной перспективы и скорости.Прамполини был одним из авторов «Манифеста механического искусства», который провозглашал господство машин в мире будущего и тесную связь новых технологий с живописью. Художник считал, что современное творчество должно основываться на использовании механических элементов из мира промышленности. В своих работах он воспевает слаженность и ритм, присущий работе механизмов.Искусство художника развивалось в тесном контакте с авангардными течениями Европы. Прамполини был близко знаком с парижскими кубистами, а также принимал активное участие в работе немецкого движения Баухаус. Являясь сторонником абстрактно-геометрического построения композиции, что характерно для итальянского футуризма, Прамполини постепенно переходит к полной абстракции, включающей элементы сюрреализма.

Итальянский художник, предшественник сюрреализма. Вместе с футуристом Карлом Карра, Джорджо де Кирико является создателем метафизической живописи - самого оригинального и важного направления в итальянском искусстве начала ХХ века. Несмотря на то, что этот стиль просуществовал недолго, он стал основным для художника и принес ему всемирную известность. Метафизические картины де Кирико оказали большое влияние на художников-сюрреалистов, которые увидели в них то выражение бессознательного и алогичного, к которому они стремились.Творчество Джорджо де Кирико берет свои истоки в немецкой философии, в частности в трудах Фридриха Ницше, а также в творчестве символиста Арнольда Бёклина. От них он подчерпнул интерес к символике предметов и взаимодействию формы и окружения. Так же как и его учителя, художник уделял много внимания процессу самосовершенствования и наблюдения, пытаясь постичь внутреннюю гармонию Вселенной.Тесно связанный с парижским авангардным движением, де Кирико создал оригинальное искусство, в котором непостижимым образом соединяется любовь к классике и ощущения пустоты и потерянности, свойственные современности. В картинах художника безлюдные улицы и башни соседствуют с символическими предметами и манекенами, совершенно не связанными друг с другом логически. Все это, выполненное в ярких красках, создает чувство искусственности реальности и ее условности.

Белорусский живописец, график, иллюстратор и сценограф еврейского происхождения, мастер прикладного и монументального искусства 20 столетия. Марк Шагал стал одним из самых узнаваемых на международном уровне творцов. Когда многие из его соратников-сверстников проводили амбициозные эксперименты, часто ведшие к абстракции, он свято верил в силу образного искусства, которое поддерживал своим творчеством.Несмотря на воспринятые авангардистские идеи, он оставался романтиком. Родившись в Белоруссии, Шагал работал в России, во Франции, где сразу стал видной фигурой в «Эколь де Пари», позже - в Соединенных Штатах и на Ближнем Востоке. Путешествия подтверждали его имидж архетипического «странствующего еврея», считавшего, что искусство уничтожает границы и сословия.Влияние Марка Шагала столь же обширно, как и количество стилей, которые он ассимилировал в своем искусстве. Никогда полностью не соглашаясь с каким-либо одним движением, он переплел многие из визуальных элементов кубизма, фовизма, символизма и сюрреализма в свою лирически эмоциональную эстетику с неизменным присутствием еврейского и славянского фольклора.Шагал, как и Пикассо, - яркий пример современного художника, который оставил огромное наследие - живопись (как маслом, так и гуашью, акварелью), фрески, травление, витражи, керамические изделия, театральные декорации и костюмы.

Итальянский художник, архитектор, скульптор, искусствовед. Работал по большей части в Милане и Риме. Творчество Марио Сирони испытало несколько кардинальных изменений на протяжении долгой карьеры. Наибольший вклад художник внес в движение футуризма, обогатив и дополнив его собственными оригинальными находками, а также в метафизическую живопись, став ее ярким и оригинальным представителем. Он был также одним из создателей стиля «новеченто», старавшимся сменить разнообразие модернистских течений более рациональным «возвращением к порядку».Марио Сирони – мастер индустриального пейзажа, тонко чувствующий ритм и атмосферу своей эпохи. Его картины отличаются сумеречным настроением и темными тонами, резко контрастирующим с яркими и восторженными полотнами футуристов. Пользуясь довольно ограниченной палитрой, Сирони, благодаря его чувству цвета и формы, удалось создать уникальную атмосферу отчуждения и пустоты современного мира.Как и многие его коллеги, художник поддерживал фашистский режим и выполнял настенные росписи и мозаики по заказу правительства. С падением режима Муссолини он пережил большое потрясение и разочарование, что негативно отразилось на творчестве, однако он продолжал активно заниматься живописью до конца своих дней.

Крупный английский художник, известный художественный критик и теоретик, который считается автором такого термина, как постимпрессионизм, а также предтечей особой разновидности британского футуризма - вортицизма. Увлекшись французскими художественными течениями, Роджер Фрай смог организовать в Лондоне выставку с участием работ нескольких художников из парижских группировок. Несмотря на жесткую критику, художник повторил такой показ через два года и тем самым помог постимпрессионизму и кубизму «взять штурмом» британское изобразительное искусство. Вторую выставку художник запечатлел на полотне, входящем сейчас в коллекцию парижского Музея Орсе.Большое значение для становления британского авангарда имела работа организованной Р. Фраем дизайн-мастерской «Omega Workshops», где начинали карьеру такие представители национального авангарда, как В. Белл, У. Льюис, Д. Грант, У. Робертс.Профессор и историк искусства Роджер Элиот Фрай, писал теоретические труды, эссе и лекции, которые пользовались огромной популярностью не только в Великобритании, но и оказали большое влияние как на многих художников, так и на искусствоведов из разных стран мира. Среди характеризующихся ясностью прозы книг, в которых автор демонстрирует блестящее знание истории, необыкновенные аналитические способности, - исследование творчества Поля Сезанна, Анри Матисса и др.

Итальянский художник и скульптор, представитель второй волны футуризма и выдающийся участник движения аэроживописи. Известен своими реалистичными работами, которые сочетают скорость, воздушную перспективу и механическую эстетику войны.Имя Туллио Крали неразрывно связано с темой самолетов, к которой он многократно обращался в своем творчестве. Совершив первый свой полет в 1928 г., художник навсегда влюбился в небо и мощный рев машин, задался целью донести до зрителя этот впечатляющий опыт с помощью живописи.К движению футуризма Крали примкнул в возрасте 19 лет, и, несмотря на молодость, сыграл значительную роль в его развитии. В начале карьеры художник изображал военные самолеты, воспевая эстетику воздушного боя и романтизируя действия итальянских воздушных сил. После окончания Второй мировой войны Крали остался верен эстетике футуризма. Более поздние его работы сосредоточены на передаче полного погружения в воздушное пространство с точки зрения пилота. Произведения Т. Крали отличает головокружительная перспектива и выразительная динамика. Его вклад в искусство представляет собой не только живопись, но и объемные автобиографические труды, раскрывающие особенности футуристического изобразительного искусства.

Крупнейший английский деятель модернизма Уиндем Льюис сыграл заметную роль как в изобразительном искусстве, так и в художественной литературе. Наиболее известен как основатель и главный представитель вортицизма – специфического ответвления футуризма в живописи, довольно далеко выходившего за его границы. Несмотря на общие методы, идея этого английского авангардного течения не в прославлении механизации социума, а в ее пагубном влиянии. Название, произошедшее от итальянского «vortizto» (вихрь), взято из высказывания У. Боччони, итальянского футуриста, что всякое творчество исходит из вихря чувств. Через издаваемые им журналы Льюис влиял на развитие новаторского британского движения в целом.Самое значительное наследие оставил в портретной живописи – запечатлел образы ключевых представителей культуры Англии первой половины 20 столетия, с которыми был знаком лично. В сюжетном жанре наиболее сильный цикл работ на военную тематику – художник был участником Первой мировой войны.

Джесси (Джессика) Дисморр - английская художница-новатор, живописец и график, мастер книжной иллюстрации. Джессика Дисморр была одной из двух женщин, ставших активными членами движения вортицистов и подписавших в 1914 году соответствующий Манифест. Известность Дисморр основывается на ее статусе художника - яркого представителя раннего британского авангарда.Начинавшая как фовистка, Джессика много работала как соредактор агрессивно настроенного к академизму журнала «Взрыв» (Blast), в котором печатала и художественные работы, и свою прозу и стихи. Позже она создала свою узнаваемую форму геометрической абстракции, для чего требовались не только талант, но и смелость. Искусствовед Х. Виленски прокомментировал ее роль как «мужество преодоления дискриминации относительно женщин-художниц в Англии» и подчеркивал значение ее творчества как «наиболее типичного для художественных экспериментов того времени». На фоне утверждений У. Льюиса («это то, что я лично сделал и сказал в определенный период») неудивительно, что Дисморр была довольно долгое время почти невидимой в истории модернизма. Однако проведенные в 1960-х годах и проводимые ныне исследования и крупные выставки отдают должное этой художнице, как и второй вортицистке – Хелене Сондерс.

Итальянский художник-футурист, декоратор, мастер настенной росписи. Имя Джерардо Доттори неразрывно связано с историческим регионом Умбрия, где он родился и прожил большую часть своей жизни и где хранится большинство его картин. В родном городе Перуджа он основал авангардный художественный журнал «Griffa», который выполнял задачу распространения идей футуристического движения в регионе.Художник подписал «Манифест Аэроживописи» в 1929 году, и стал одним из лидеров этого движения, воспевающего скорость, высоту и ощущение полета. Его самые известные работы представляют собой оригинальные по своей технике изображения итальянских ландшафтов, часто рассматриваемых с большой высоты. Яркие, насыщенные оттенки изумрудного и синего, которые художник использовал в своих работах, а также фантастические пейзажи стали визитной карточкой мастераСам Доттори называл себя «сельским футуристом». Ему чуждо было восхищение ревом машин. Городской суете и шуму художник предпочитал спокойствие и созерцательность глубинки, где время имеет совершенно другую скорость, а природа и люди не меняются столетиями. Творчество художника долгое время относилось к числу малоизвестных за пределами своей родины, но в последние десятилетия интерес ценителей модернистской живописи к ярким и оригинальным работам Джерардо Доттори значительно возрос.

Русский живописец, мастер пейзажа, теоретик искусства и художественный критик, театральный художник. Творческая карьера, как и личная жизнь художника были счастливыми. Он был успешен с ученических лет, его ценили и после революции, удостаивали разных почестей (премий, орденов, званий), он избежал всех гонений, накатывавших на страну волнами. Однако приспособленцем никогда не был – писал в своей манере и в основном на «свои» темы - пейзажи, архитектура, гораздо меньше уделяя внимания сюжетной и портретной живописи.Стиль Константина Юона, близкий к реализму и умеренному импрессионизму, приобретал некий окрас то символизма, то примитивизма, но всегда оставался живым и неподдельным.Огромное наследие мастера составляет коллекции главных российских музеев и галерей, присутствует в собраниях почти всех областных и бывших республиканских музеях пост-советской территории.

Российский украинского происхождения живописец-авангардист, график, теоретик искусства. Имя Александра Шевченко встречается в каталогах всех значительных выставок прогрессивных объединений и групп - «Мира искусства» и «Союза молодёжи», «Бубнового валета» и «Ослиного Хвоста». Несомненен вклад Шевченко в теоретическое обоснование ценности примитивного искусства, дальнейшего использования приемов кубизма и футуризма, а также совместная с А. Грищенко разработка теории «цветодинамоса», базировавшегося на соединении новейших и архаических форм живописного искусства.А. Шевченко стал организатором и председателем «Цеха живописцев», ратовавшего за станковое изобразительное искусство. Как педагог привлек к этому движению целую плеяду своих талантливых студентов. Несмотря на отход от радикального авангарда, не раз подвергался критике как «формалист».Творчество мастера представлено в самых крупных собраниях - ГМИИ им. А. С. Пушкина и в Государственной Третьяковской галерее, в Государственном Русском музее и многих областных галереях и музеях стран постсоветского круга.

Итальянский художник и композитор, поэт, теоретик искусства, один из лидеров футуристического движения. Луиджи Руссоло был чрезвычайно разносторонним человеком, его талант охватывал живопись, музыку, литературу и науку.Он был одной из самых оригинальных личностей футуризма, его основателем и теоретиком. Музыкальное творчество Л. Руссоло было признано и уважаемо великим русским композитором Игорем Стравинским и основателем знаменитых парижских балетов Сергеем Дягилевым. Знаменитый манифест Руссоло под названием «Искусство шумов» стал основой для возникновения целого ряда музыкальных направлений, возникших через много лет после смерти его автора.Современникам художник запомнился как смелый экспериментатор, который не боялся представить обществу свои живописные и музыкальные изобретения. Вместе с Умберто Боччони, Джакомо Балла и другими художниками он стал автором «Технического манифеста футуристической живописи», который вышел в 1910 году.Руссоло предлагал активно вводить в искусство звуковые краски индустриального мира: гудки автомобилей и поездов, шумы колес, звуки заводов и фабрик, гул оживленной толпы. Его живопись отличает тесная связь с музыкой, а также необычайная изысканность стилистики и гармоничность цветовых решений.

Итальянский живописец и график, представитель футуризма и метафизической живописи. Творчески активный художник и теоретик живописи, Карло Карра был одним из самых известных деятелей искусства в Италии в первые десятилетия XX столетия и влиятельным членом футуристического движения.Стиль художника несколько раз кардинально менялся за его продолжительную карьеру. Он пережил несколько последовательных периодов: раннего неоимпрессионизма и символизма, футуризма, кубизма, метафизики и неоклассической живописи.Наиболее значительный вклад художник внес в движение футуризма. В своих работах он талантливо сочетал оригинальные приемы кубизма с динамизмом и смелым новаторством футуристической идеологии. Полотна Карра футуристического периода заполняют безудержно яркие и энергичные образы, хаотичное движение и бурные эмоции.Во время войны он встретился с Джорджо де Кирико, с которым основал стиль, известный как метафизическая живопись. С этого времени он писал натюрморты и интерьеры, наполненные зловещей пустотой и таинственной тишиной. В конце 1920-х годов художник полностью отказался от авангардного искусства и отстаивал консервативную эстетику движения Новеченто.

Русская художница-авангардист, живописец и график, сценограф, много лет работавшая в Париже. В истории русского искусства имя Н.С. Гончаровой теснейшим образом связывают с именем М. Ларионова - они проработали вместе 60 лет сначала в России, потом в Париже. Необыкновенно талантливые творцы, сотрудничая, помогали один другому утверждать индивидуальность. Называемая «амазонкой авангарда» художница, участница группировок «Бубновый валет» и «Синий всадник», а значит, футуристка и кубистка, была смелым новатором в живописи, блестящим декоратором и до сих пор восхищает ценителей искусства редчайшим многообразием мощного художественного дарования.То, что называют «русским стилем» в профессиональном изобразительном искусстве никогда не существовало до гончаровского «Петушка». Она, безусловно, наследуя традиции лубка, используя народные представления о религии, фольклор Египта, обожаемой ею Скифии, соединила все в единую гармоничную стилистику.

Русский театральный художник и сценограф, живописец и график, Народный артист России. Сотрудничавший с В. Мейерхольдом и С. Дягилевым Головин был не только крупнейшим мастером театрально-декорационного искусства, но и одним из его реформаторов. Он обладал острым чувством стиля, неисчерпаемой фантазией и редкой сценической интуицией, что позволяло ему всегда находить единое художественное решение постановки, влиявшее на работу режиссера. С именем Головина связан почти 20-летний период в развитии русской театральной культуры.Как станковый художник Александр Головин тяготел к импрессионизму и модерну, однако некоторые портреты (к примеру, изображение друга Николая Рериха) написаны в целиком реалистичной манере.Особенность Головина-портретиста состоит в том, что он создал великолепные портреты артистов (балерин, актеров) в тех ролях, которые они исполняли. Самыми значительными являются изображения Шаляпина – Головин писал его в образах Мефистофеля и Олоферна, Бориса Годунова, Фарлафа и др.Станковая живопись Александра Головина находится в самых знаменитых коллекциях России, а его эскизы для костюмов и для сцены стали самостоятельными картинами, имеющими немалую ценность.

Талантливая и оригинальная украинская художница, яркий и влиятельный представитель авангардной живописи и сценографии. Ее творческий путь отмечен постоянными новаторскими поисками, в результате которых она внесла существенный вклад в становление как украинского, так и русского живописного авангарда, декоративно-прикладного искусства и сценографии.Школа-студия, открытая Александрой Александровной в Киеве, заложила основы новых методов преподавания изобразительного искусства. Экстер участвовала в большинстве выставок, проходивших до 1925 года в столицах России, и Украины, экспонировалась в Германии, Франции. США.Была одной из первых художниц, получивших прижизненное признание, о чем свидетельствуют многочисленные статьи в периодических издания разных стран, в частности вышла на четырех языках иллюстрированная монография, написанная известным искусствоведом, влиятельным ценителем нового французского искусства Я. Тугендхольдом (1922 г., Берлин).

Русский художник-авангардист, график-иллюстратор, выдающийся деятель театра и кино, литератор. Стиль творца в изобразительном искусстве раскрылся в гармоничном соединении модерна, кубизма и футуризма с приемами традиционной живописи.Из острохарактерных портретов художников и писателей, политических деятелей и артистов сложилась значительная галерея – уже в 1922 году в альбом «Портреты» было включено 80 картин, передающих облик ключевых фигур того времени: Ахматова и Мейерхольд, Пастернак и Маяковский, Ремизов и Горький, Замятин и Хлебников, Троцкий, Луначарский, Зиновьев и др. За портрет Ленина в 1924 г. удостоился первой премии – он воспроизводился на купюрах и марках.Невозможно переоценить новаторский вклад в сценографию как русских, так и французских театров. Анненков, работая со Станиславским, Мейерхольдом, Комиссаржевским, Балиевым, впервые выдвинул и воплощал идею беспредметных кинетически изменяющихся декораций. Как художник кино был отмечен «Оскаром».Под литературным псевдонимом Борис Темирязев создал драматические и прозаические произведения, публицистику и мемуары «Дневник моих встреч». Написав яркие и не всегда комплиментарные воспоминания о Блоке, Горьком, Маяковском, Замятине, Ахматовой, Пастернаке стал автором, запрещенным к публикации в СССР.

Русская художница, одна из «амазонок» авангарда в России. Н. Удальцова большую часть карьеры занималась станковой живописью, а в поздний период творчества еще и графикой. Художница была активным членом и экспонентом группировок «Бубновый валет», «Мир искусства», «Супремус», «Московские живописцы», «13».Последовательно проходя этапы кубизма, кубофутуризма и супрематизма, логически следовавших к конструктивному изобразительному искусству, художница отошла от авангарда, так как ей был близка эстетика фигуративной живописи.Как преподаватель разработала новаторский курс «Объект в пространстве» для художественных свободных мастерских и Института художественной культуры, где начинала работать как ассистент Малевича. Художница посвятила педагогической деятельности более 10 лет – до обвинения в формализме и увольнения.Творчество Н.А. Удальцовой, художницы «революционной» эпохи, отличается как гармонией и цельностью композиций, так и смелостью экспериментов. Ее картины, имеющие бесспорное художественное и коллекционное значение, представлены в крупнейших музеях России и в частных собраниях.

Крупный украинский живописец и график, один из основных представителей авангардного изобразительного искусства первой половины 20 столетия. Работал в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта и сюжетной картины. Давид Штеренберг был талантливым педагогом, среди его многочисленных учеников и последователей такие видные мастера, как А. А. Дейнека и др. Разносторонне одаренная личность и творец, он был художником книги, мастером театральной декорации.Художник, опережая развитие новых стилей, разработал собственную теорию минимализма в натюрморте, в которой гармонично сочетались элементы примитивизма и кубизма. Он разработал и опубликовал программный трактат «Задачи современного искусства». Был удостоен звания заслуженного деятеля искусств СССР.Заслуга мастера перед мировым искусством в том, что при полной солидарности с авангардным искусством, он отстаивал основополагающее значение станковой живописи в общем формировании новой эстетики 20 столетия.

Русский художник, незаконнорожденный сын знаменитого пейзажиста-передвижника Алексея Саврасова. Алексей Моргунов находился в центре творческих событий и художественных идей русского авангарда в первые два с половиной десятилетия 20 века, но впоследствии от него полностью отошёл. Художник был активным членом-экспонентом «Московского товарищества художников», «Союза молодежи», «Бубнового валета», становился участником таких знаковых выставок, как «Трамвай В», «Магазин» (Петроград), «Московский салон», «Мир искусства», Пятая государственная выставка картин в Москве и др.Моргунов тесно дружил с Малевичем. Вместе они придумывали разного рода эпатажные акции футуристов. Он был завсегдатаем салона интеллектуалов у К. Крахта; увлекался теориями М. Ларионова и Н. Гончаровой, работая как в неопримитивистской, так и в кубофутуристической манерах. По стилистике раннего и позднего периодов ближе всего был к французскому фовизму. Как профессор живописи преподавал в Государственных свободных мастерских, входил в группу "Объективного анализа" в Институте художественной культуры. В последнее десятилетие творческой карьеры, отойдя от авангарда, создавал тематические картины, близкие к стилю и отвечающие духу соцреализма.

Итальянский живописец, график, теоретик искусства и критик. Один из первых и самых влиятельных футуристов в стране. Джино Северини долгое время работал в стиле кубизма, поддерживая отношения с Пабло Пикассо и Жоржем Браком в Париже.Под воздействием своего учителя Джакомо Балла художник изучал способы выражения движения и скорости в живописи, что привело его к переходу в футуризм. Вместе с несколькими соратниками он подписал первый Манифест футуризма в 1910 году.Произведения художника отличает динамизм, подвижность, стремительность. Вместе с тем, работам Северини присуща удивительная уравновешенность композиции, свойственная кубистам. Эта особенность позволяет частично разрешить противоречия между футуризмом и кубизмом, объединить их попытки создать невозможное: изобразить предмет одновременно с нескольких точек времени, углов зрения и положений в пространстве. В своем творчестве художник максимально приблизился к этой цели, сумев отобразить реально подвижную, звучащую и живую картину. Художник считается непревзойденным мастером в изображении оживленной ночной жизни города.

Украинский художник и поэт, издатель, критик, работавший в России, Японии, Америке. Один из основоположников русско-украинского авангарда, традиционно именуемый «отцом русского футуризма». Был инициатором революционных идей, объединявших многие знаковые фигуры (Лентулов и Экстер, Богомазов и Пальмов, поэты Маяковский и Каменский, Кручёных и Хлебников, Асеев и Гуро), а также создателем группы «Гилея» - первого литературно-художественного союза футуристов. Он состоял в членах-организаторах новаторских групп «Венок Стефанос», «Бубновый валет», был членом московского «Союза молодёжи», мюнхенского «Синего всадника».Художник стал первым в Башкортостане мастером, который создал образы коренного населения, первым перенес авангард на землю Японии.Музей художника создан в Бруклине (Нью-Йорк, США), американская Международная Академия Зауми вручает ежегодно премию «Международная отметина им. Д. Бурлюка».

Узбекский художник русского происхождения, один из главных основоположников современного искусства Средней Азии, организатор нескольких художественных объединений Узбекистана - страны, уроженцем которой он был и в которой плодотворно работал. Феномен русско-азиатского мастера заключается в том, что его лучшие произведения важны не только для формирования туркестано-узбекской школы живописи, но и для истории искусства в целом.Наследие художника заняло особое место в общем развитии среднеазиатского искусства 20 столетия, поскольку имело свои истоки как в искусстве Востока, так и Запада. Волков активно использовал традиционные национальные мотивы декоративно-прикладного искусства и достиг монументализма в создании образов простых людей-тружеников, не теряя связей с кубистической манерой исполнения.Несмотря на присвоение в 1946 году звания Народного художника, Александр Волков в этом же году был осужден за формализм; ему была запрещена выставочная деятельность и его отстранили от преподавания в Ташкентском художественном училище, где трудился почти 20 лет.

Самый знаменитый чилийский художник, скульптор и архитектор, лидер латиноамериканского модернистского искусства. Роберто Матта работал в стиле сюрреализма и был близким другом и сподвижником Сальвадора Дали, с которым их объединяла идея бессознательной живописи и свободного потока творчества без вмешательства интеллекта и какой-либо системы.Искусство художника является поистине международным. Родившись в Чили и поживший чуть ли не во всех столицах Европы, а также в США, Матта объединил в своем творчестве самые различные художественные тенденции. Он никогда не ограничивался одним стилем, манерой и материалами, являясь художником-новатором, не устающим делать эксперименты. Его уникальный стиль оказал существенное влияние на развитие такого популярного направления как абстрактный экспрессионизм.Наиболее известными среди обширного творческого наследия художника являются сюрреалистические картины из цикла «Психологическая морфология», которые демонстрируют искусственную реальность, наполненную метафорами и символическими фигурами. В 1940-х годах Матта отвлекается от изучения собственного подсознания и обращается к социальным темам. В серии работ под названием «Социальные морфологии» он изображает сложные механические объекты и искаженные человеческие формы, символизирующие несправедливость и ужасы войны.

Бельгийский живописец и рисовальщик, литограф и иллюстратор. Фриц ван ден Берге был одним из самых интересных бельгийских художников-экспрессионистов первой половины двадцатого века и видным сюрреалистом. Начав свою карьеру под влиянием художников-символистов и лумистов, сгруппировавшихся в Laethem-Saint-Martin, он написал манифест вместе со своим другом художником Густавом Де Сметом, выступив против импрессионизма. Как член второй волны школы Laethem-Saint-Martin, Берге проповедовал новейшие тенденции в изобразительном искусстве своей страны.Время Первой мировой войны - период экзистенциальных сомнений, когда художник жил в Нидерландах, ознаменовался увлечением кубистической живописью французского художника Анри Ле Фоконье, а также интересом к футуристскому движению и немецкому экспрессионизму.В конце 1920-х годов, побывав на выставке, где экспонировалось, в частности, искусство М. Эрнста и Ж. Миро, художник отошел от других направлений и посвящал работы попыткам преодолеть барьеры между реальными и иррациональным явлениями, между жизнью и смертью. Свою новую сюрреалистическую концепцию Берге раскрывал, в частности, в оригинальной для стиля тематике – цветочных натюрмортах.Хотя живописные произведения Берге нередко напоминают работы М. Эрнста и Дж. Энсора, его творчество – это несомненно оригинальный фламандский вариант сюрреализма, с присущим ему большой живописностью и экспрессией. Работы Берге (а список произведений, составленный в 1966 году, состоит из 430 пунктов) представлены в большинстве бельгийских музеев и в галереях Европы.

Украинский художник, крупный представитель и один из ведущих теоретиков украинского художественного авангарда начала 20 столетия. Александру Богомазову обычно сопутствует эпитет «украинский Пикассо», но сам он свою работу в статье «Живопись и Элементы» трактовал как кубофутуризм, уделяя большое внимание ритмической составляющей работы.В искусствоведении мастер мирового уровня характеризуется как самый последовательный из кубофутуристов, наиболее гармонично объединивший в своих работах идеи итальянского футуризма со стилистикой французского кубизма и орфизма. К тому же именно он теоретически обосновал синтез этих направлений.Богомазов был видным деятелем культуры, реформировавшим систему художественного образования страны. Как талантливый педагог он много лет преподавал в разных школах искусств, в Институте пластических искусств (переименован в 1924 году в Киевский художественный институт).Имя Александра Богомазова было из истории искусства вычеркнуто на 30 с лишним лет по причине усиленной борьбы с формализмом. Внимание к «арестованному» наследию возобновилось только в 1960-е гг. Картины выдающегося авангардиста экспонируют европейские и американские галереи и музеи.

Румынский живописец и скульптор еврейского происхождения, главный представитель авангарда этой страны в первой половине 20 столетия и в послевоенный период. Значительную часть творческой карьеры художник сделал во Франции. Хотя Виктор Браунер после его ранних постимпрессионистских и экспрессионистских опытов внес вклад в каждое авангардное движение, большая часть его творчества вписывается в концепцию сюрреализма.Активный в культурной жизни своей страны художник пытался развивать авангардистские движения – основал в Бухаресте издание журнала «75 НР», написал «Манифест пиктопоэзии», организовывал выставки дадаистов и сюрреалистов. Однако угроза попасть в застенки нацистов заставила художника поселиться во Франции.Браунер был активным и влиятельным участником объединения сюрреалистов, возглавляемого Андре Бретоном, но его творчество, считают специалисты, стояло особняком благодаря необузданной фантазии и, главное, серьезному увлечению эзотерическими идеями и аутентичным искусством разных народов мира. Это направление стало особенно выделять художника после того, как он потерял глаз – тот самый, который он изобразил выбитым на своем автопортрете за семь лет от самого события. Виктор Браунер был участником крупных сюрреалистических выставок, а в 1966 году (в год его смерти) был выбран для представления Франции на Венецианской биеннале. На Могильной плите кладбища Монмартр он завещал сделать надпись: «Живопись - это жизнь, настоящая жизнь, моя жизнь».

Джеймс Розенквист – американский художник, центральная фигура поп-арта, известный своими огромными картинами-коллажами, изображающими популярные объекты американской культуры. Он одним из первых начал включать рекламные образы в свои произведения. Товары массового потребления, известные личности и торговые марки были непременными атрибутами живописи художника - он смело комбинировал все это в произведениях впечатляющих размеров и ярких цветов.В молодости Джеймс Розенквист работал в рекламном агентстве и создавал дизайн больших рекламных щитов, что помогло ему выработать собственный оригинальный стиль и узнаваемую манеру. Для современного зрителя, который привык к тому, что на картине может быть все что угодно, нет ничего удивительного в том, что на полотне изображены спагетти в соусе или бутылка Кока-Колы рядом с портретом президента. Но для общества 1960-ых годов 20 века это было настоящим открытием и даже шоком, поэтому работы художника привлекали пристальное внимание публики. Одна из них под названием «F-111» стала по-настоящему культовой, «новой Герникой», которая удивительно точно отображала американскую действительность с растущим потребительским спросом и пугающей военной мощью.Искусство Джеймса Розенквиста почти с самого начала его карьеры было очень популярным. Используя свое влияние, он вставал на защиту своих коллег и помогал добиться признания прав художников на федеральном уровне, после чего был назначен в Национальный совет по искусству США. В течение шести десятилетий Розенквист создавал масштабные провокационные картины, поднимающие экономические, политические, экологические и научные проблемы, актуальность которых не снижалась с течением времени.

Аршил Горки (настоящее имя - Востаник Манук Адоян) - американский живописец армянского происхождения, выдающийся художник США двадцатого столетия. Он был ярким представителем сюрреализма и одним из основоположников абстрактного экспрессионизма, движения, которое утвердило самостоятельность и уникальность американского изобразительного искусства в мире.Свое имя Востаник Манук Адоян решил изменить после эмиграции в США, где он начал абсолютно новую жизнь, оставив позади крайнюю бедность и лишения. Наибольшим потрясением для художника стала смерть его матери, которая умерла от голода у него на руках в 1919 году. Влияние этого события заметно во многих работах художника, особенно портретах матери, вариации которого он создавал на протяжении всей карьеры.Жизнь Арщила Горки, закончившаяся самоубийством, полна трагизма, а его личность окружена ореолом загадочности и тайны. Сам художник любил искажать факты своей биографии, создавая различные мифы по поводу своего происхождения, детских и студенческих лет. Эти невероятные выдумки, тем не менее, не смогли затмить его выдающихся достижений в живописи. Творчество Аршила Горки – уникальное явление, которое сложно охарактеризовать как проявление одного из существующих стилей. Оно является переходным этапом между живописной классикой и авангардом, и оказало огромное влияние на развитие современной живописи в США.

Американский художник и скульптор, значительная фигура современной живописи и ваянии, один из самых коммерчески успешных мастеров изобразительного искусства 20-го века. Джаспер Джонс выразил идею о том, что искусство может быть понятным и близким для каждого человека, а не только для избранных ценителей.Отказавшись от принципов абстрактного экспрессионизма, туманных и далеких от народа, он использовал в своих произведениях общеизвестные вещи, символы определенного явления, идеи или просто каждодневной привычки. Самой яркой работой этого направления является картина «Американский флаг» - узнаваемый и знакомый каждому государственный символ, который художник превратил в живописное полотно.Имя Джаспера Джонса часто упоминается вместе с другим художником, его близким другом и соратником, Робертом Раушенбергом. После того как Джонс познакомился с ним, его стиль претерпел значительные изменения, а идеи реализовались в оригинальные и по-настоящему новаторские работы.Использование художником простых предметов, например, банок из-под пива, которые он сделал произведением искусства, роднит его творчество с концептуальным подходом к изобразительному искусству. Своими произведениями художник сознательно нарушил границы, разделяющие искусство и повседневную жизнь, что и положило начало движению поп-арт, чрезвычайно популярному в США во второй половине 20-го века. По состоянию на 2010-е гг. живет в Коннектикуте, считается самым дорогим из здравствующих художников.

Чешский художник-новатор, фотограф, график и театральный декоратор, поэт и теоретик искусства, ярчайшая фигура европейского сюрреализма 20 столетия. Йиндржих Штырский также считается представителем парижской школы живописи, так как значительное время жил и работал во Франции. Воспитанник Пражской Академии художеств был частью чешской художественной богемы и входил в период ее развития между двумя мировыми войнами в национальные авангардные объединения – сначала в группу «Devestil», затем в «Манес», а позже - в сообщество сюрреалистов, одним из основателей которого Й. Штырский стал в 1934 году. Кроме того художник стоял у истоков становления авангардного фотографического искусства и новой сценографии в Праге - руководил Свободным театром столицы Чехии.В 1930-ые годы Й. Штырский выступил редактором частного подписного издания «The Erotic Revue» с иллюстрациями от широкого круга известных чешских художников. Каждый выпуск художник дополнял собственными коллажами. К числу самых важных сюрреалистических произведений относится «Emily Comes to Me in a Dream», вышедшее в сопровождении эротических фотомонтажей автора и психоаналитической интерпретации Б. Брука. Оно значительно ускорило преодоление табу и цензуры буржуазной культуры того времени.Йиндржих Штырский - весьма своеобразный, а потому не просто читаемый художник чешского межвоенного искусства. Его произведения признаны современной европейской классикой авангарда и представлены в главных музеях и галереях Чехии.

Русский живописец, скульптор, график и сценограф еврейского происхождения, соединивший в своём самобытном творчестве черты русского модерна и авангарда. Один из самых известных и выдающихся художников театра на идише. Почти десятилетие, проведенное во Франции, не сделало его членом Парижской художественной школы, а последние двадцать лет творческой карьеры Роберт Фальк, обвиненный в формализме, практически не выставлялся и на родине. Однако станковой живописью продолжал заниматься «для себя». Он демонстрировал свои работы приватным образом как представитель неофициального искусства, вдохновителем которого он в молодости стал. Поддерживал целую плеяду молодых художников, посещавших его мастерскую.

Выдающийся венгерский живописец и график, публицист и теоретик искусства. Янош Кметти был первым кубистом в стране и влиятельным педагогом, воспитавшим целое поколение молодых художников. Обучаясь во всемирно известной академии Джулиана в Париже, он перенял самые передовые художественные традиции Европы и обогатил искусство Венгрии новыми авангардными направлениями и методами живописи. Карьера художника тесно связана с литературно-художественным объединением «Тэтт» (Действие), возглавляемым Лайошем Кашшаком. Вместе с несколькими соратниками он в 1924 году был одним из основателей «Нового общества художников» и его вице-председателем. Кметти также принимал активное участие в жизни художественной колонии Надьбаньи и Сентендре и выставлял свои работы в коллективных выставках венгерских авангардистов как у себя на родине, так и за рубежом. В 1949 году художник был удостоен Национальной премии имени Кошута – почетной государственной награды Венгрии, а его автобиографические и теоретические труды являются важными источниками информации для искусствоведов.

Украинский художник еврейского происхождения, продолжительное вемя живший и работавший в России. Был мастером портрета, графиком-иллюстратором, скульптором и театральным художником. Крупный художник-авангардист, стоявший у истоков русского кубизма, член таких значимых творческих группировок, как "Мир искусства", "Союз молодежи", один из основателей "Еврейского общества поощрения художеств". Был удостоен в 1968 году звания заслуженного художника России.

Выдающийся украинский художник Александр Осмеркин был участником художественной группы «Бубновый валет», многих других объединений и групп, работал профессором живописи в нескольких высших художественных учебных заведениях, был руководителем персональной мастерской. В 1940-х гг. он попал под определение «формалист» и «пропагандист западного искусства», был уволен из Академии. Ему было запрещено исполнять заказы, выставлять и продавать свои работы. Признавая заслуги и талант мастера, выпускники его мастерской проводили выставку «Памяти учителя». На родине художника в городе Кропивницком работает художественно-мемориальный музей, открытый в особняке, где проходили детские годы А. А. Осмёркина; присуждается премия его имени.

Испанский художник, скульптор и поэт, выдающаяся фигура испанского сюрреализма, стоящая в ряду с Сальвадором Дали и Жоаном Миро. Оскар Домингес – неоднозначный и противоречивый художник, чья жизнь закончилась трагически. В детстве он переболел акромегалией, вследствие чего у него начались прогрессирующие деформации костей лица и конечностей. Нестандартная внешность Оскара вызывала глубокие душевные переживания, которые отразились во многих его работах, особенно автопортретах.Картины испанского живописца отображают события его жизни и зачастую носят провокационно-шокирующий характер. Они показывают все то, что обычно прячется глубоко в подсознании и считается общественной моралью грязным и непристойным. Домингес часто использовал метод искажения объектов и прибегал к сопоставлению несовместимых вещей, создавая в своих картинах странную и жутковатую атмосферу.Художник известен также как автор популярного среди сюрреалистов метода декалькомании. Суть этого приема состоит в хаотичном нанесении толстого слоя красок на поверхность с последующим наложением на нее второго листа, вследствие чего получается причудливый отпечаток. Своими непредсказуемыми эффектами декалькомания подавала новые идеи художникам и пробуждала их воображение. Этот метод Андре Бретон включил в свой знаменитый «Справочник сюрреализма», признав таким образом большой вклад Домингеса в общее дело утверждения данного направления.

Немецкий представитель авангардизма – видный художник, скульптор, мастер монументальной росписи, а также хореограф, театральный оформитель и теоретик искусства. Около 10 лет работал в знаменитой художественно-промышленной школе Баухауз (Bauhaus, Веймар), разработав обучающий курс «Der Mensch» (Человек), который построил на синтезе приемов нескольких художественных дисциплин и разных стилей. Оскар Шлеммер внес значительный вклад в искусство сценографии, выполнив оформление и поставив хореографию для нескольких опер и балетов. Искусство художника было отнесено к списку «дегенеративного», ему было запрещено заниматься творчеством и преподавать в художественных школах.

Английский художник-пейзажист (жанр марина) и график Филипп Уилсон Стэр является одним из лидеров английских импрессионистов и одним из основателей в 1886 году Ново-английского клуба художников, противостоящего методам официальной Королевской художественной академии. Кроме работы в основном избранном жанре пейзажа - марине, создавал агитационные рисунки и полотна во время Первой мировой войны, служа в британском Министерстве информации. Художник был удостоен почетного звания Кавалера британского Ордена Заслуг.

Американский художник и график еврейского происхождения, уроженец Белоруссии. Создавал свои произведения в таких различных стилях, как реализм (мистический и социальный), пуризм, кубизм и сюрреализм.Зрелый период работы Питера Блюма пришлись на время, когда в американском искусстве уже расцвел реализм как последствие изоляционистских и этноцентрических настроений после Первой мировой войны. Особенно это направление утвердилось в эпоху Великой депрессии, начавшейся в 1929 году. Однако форма особого реализма Блюма была не слишком близка к установленным канонам сюрреализма – художник основывался на собственных наблюдениях и был приверженцем живописных приемов Ренессанса и Северного Возрождения. П. Блюм неоднократно выигрывал первые премии на выставках и был награжден стипендией Гуггенхайма, благодаря которой смог более года учиться в Италии.Художник пользовался покровительством семейства Рокфеллеров – в частности, дружил с основателем Нью-Йоркского музея современного искусства Эбби Олдричем Рокфеллером и первым директором заведения Альфредом Барром, а также со знаменитым коллекционером и покровителем авангардистов Эдгаром Дж. Кауфманном, который покупал картины и предоставлял заказы.Многие из написанных во время и после Второй мировой войны произведений художника имеют острое политическое и общественное антифашистское звучание. Яркий пример - сюрреалистическое полотно «The Rock» (закончено в 1948 г.), посвященное мировой трагедии.Картины уроженца Белоруссии входят в коллекции крупнейших музеев США и высоко ценятся на арт-рынке.

Русский живописец и график, мастер сценографии, педагог, участник художественных объединений символистов «Голубая роза», «Венок», группы «Маковец». Был членом Союза русских художников. Удостоен звания Народного художника России, член-корреспондент Академии Художеств СССР.

Российский живописец и график, книжный иллюстратор, художник кино. Михаил Цыбасов был среди последователей Павла Филонова, составляющих ядро группы «Мастера аналитического искусства» и оставался верным своему учителю до конца, несмотря на гонения, которым он подвергался со стороны советской власти.В своем творчестве художник неукоснительно следовал основным принципам системы аналитического искусства. Трудолюбивый и целеустремленный Цыбасов мастерски исполнял все, за что ни брался. Его упорная работа и профессионализм позволили ему блестяще освоить «принцип сделанности», основополагающий для художников аналитического искусства.Михаил Цыбасов принимал активное участие в коллективном труде учеников Филонова по оформлению костюмов и декораций к постановке «Ревизора», благодаря которой творчество группы приобрело широкую известность. В 1931 году он стал одним из главных разработчиков иллюстраций финского этнического эпоса «Калевала», вложив в это издание немало сил и энергии. Восемь больших иллюстраций к поэме стали одними из лучших графических работ художника и во многом сформировали его графический стиль, определив тематику и манеру его последующего творчества.В последние годы жизни художник сосредоточился в основном на портретах, где в полной мере выразил свое светлое и позитивное отношение к людям и жизни.

Украинский художник-самоучка, один из ярких самобытных народных живописцев, работавший в Украине и в Молдавии, член Союза мастеров народного творчества Украины и Молдавского благотворительного фонда украинских профессиональных художников и народных мастеров «Renastere-Возрождение». Автор более 600 картин, находящихся в Национальном Художественном Музее Украины, Музее народного искусства Украины, Музее народного быта и архитектуры Украины и др. В доме художника в Сокирянах основан музей; одна из улиц названа в его честь.

Известный польский автор портретов и пейзажей, талантливый педагог, участник нескольких художественных объединений и выставок по всему миру. Награждена множеством престижных наград, в том числе золотой медалью на международной художественной выставке в г. Мюнхене (1905 г.), французским «Орденом почетного легиона» (1912 г.), золотым лавровым венком «За выдающиеся заслуги в польском искусстве» (1936 г.), гран-при на парижской выставке ЭКСПО (1939 г.), орденом Возрождения Польши (1938 г.). Многие написанные ею портреты признаны настоящими шедеврами.

Российский художник и мастер фотографии, значительный деятель русского авангарда, ближайший помощник и последователь Казимира Малевича в период расцвета кубофутуризма и функционирования официально не зарегистрированного сообщества авангардистов «Супремус».Следование автору знаменитого «Черного квадрата» сказывалось не только на художественных работах Михаила Менькова, но и в его декларативных заявлениях, которые он публиковал в виде листовок перед значимыми выставками авангардистов. Был экспонентом выставок «Бубнового валета» и первых послереволюционных масштабных выставок.М. И. Меньков дал примеры русско-украинского кубофутуризма и супрематизма, а также цветописи в изобразительном искусстве. За чрезвычайно короткую творческую карьеру из-за ранней смерти в 40-летнем возрасте оставил не слишком обширное наследие в виде картин и теоретических трудов. Живописные произведения, отправленные им из Ялты, где он проходил лечение, были утеряны по дороге в Москву. Часть работ были уничтожены в 1930-е годы как «формалистские» - сохранились те, что были «сосланы» в областные музеи. К тому же художник много времени посвящал фотографии – благодаря этой его работе был задокументирован ряд авангардных выставок, проходивших в Москве и Петрограде.Творчество М. И. Менькова было представлено на выставке «Auf der Suche nach 0,10 - die letzte futuristische Ausstellung der Malerei», проходившей в швейцарском Базиле в 2015-2016 году в честь столетия петроградской «Последней футуристической выставки ноль десять».

Русский живописец и график, один из первых учеников Павла Филонова и талантливый последователь метода аналитического искусства. Павел Кондратьев входил в круг молодых художников, музыкантов и литераторов, формировавшихся вокруг Исайи Браудо, Марии Юдиной, и Татьяны Глебовой. Он был близким другом Алисы Порет и некоторое время проживал в ее доме, где царила творческая атмосфера и проходили встречи людей искусства. Художник также стал постоянным персонажем нескольких стихов знаменитого поэта Даниила Хармса и поддерживал с ним постоянные дружеские отношения.Кроме обширного живописного и графического наследия, художник запомнился как теоретик искусства и талантливый преподаватель. В послевоенное время вокруг него сформировался своеобразный «кружок Кондратьева», поддерживающий его творческие идеи. Живописец сотрудничал с Владимиром Стерлиговым и вместе с ним использовал в живописи так называемый «прибавочный элемент» - изогнутую кривую, которая легла в основу известной «чаше-купольной» системы.Творчество Кондратьева – своеобразный синтез нескольких направлений русского авангарда. Он обладал особым даром чувствовать пульс своей эпохи и объединять казалось бы несовместимые стили и направления в своих произведениях. Работы Павла Кондратьева являют собой уникальный сплав научных теорий и глубокой духовности, присущей настоящему Художнику.

Российский живописец и график немецко-еврейского происхождения, мастер монументального жанра (в частности, мозаичного), художник кино, теоретик искусства, талантливый преподаватель истории искусства, поэт и писатель. Павла Зальцмана сложно назвать последовательным продолжателем идей аналитического искусства, но как ученик П. Н. Филонова он донес его идеи в художественную среду Казахстана, где прожил более 40 лет и стал Заслуженным деятелем искусств этой страны (1962).П. Зальцман, считают специалисты, - фигура парадоксальная: формально художественного образования не имея, стал одним из самых глубоких и виртуозных мастеров 20 столетия. Неоднократно стоя на грани гибели, почти чудом выживал и вновь обращался к созидательной деятельности. Не будучи иллюстратором, но обладая «литературным» типом мышления, оставил наследие, которое воспринимается безупречным материалом для иллюстрирования.Феномен кроется и в семейном воспитании, и в унаследованных талантах, и в общении с 17 лет с П. Филоновым, не только привившим вкус и поставившим руку, но и научившим всегда быть верным призванию. С достоинством перенося трудности выживания в условиях крайней нищеты, голода, блокадной жизни, отсутствии жилья, хронического безденежья несмотря на относительное признание в 1970-х годах, художник оставался мыслителем и философом. Работы Зальцмана находятся в собраниях Русского музея, его графика представлена в постоянной экспозиции Третьяковской галереи на Крымском Валу, Государственного музея искусств Казахстана, во многих частных коллекциях.

Русский художник и график, открыватель новых путей в изобразительном искусстве 20 ст. Считается основателем мистического сюрреализма на 9 лет ранее появления на арт-арене произведений С. Дали, изобретателем новой анатомической (рентгеновской) живописи, «нового лучизма».Искусствоведы отмечают, что на Челищева, учившегося в Киеве у А. Экстер и рано уехавшего во Францию, оказал влияние Пикассо, усматривают даже периоды «голубой» и «розовый». Клоуны, артисты, а иногда известные личности в этих образах, взирают на зрителя с холстов этого времени. Однако собственно кубистических произведений после самого раннего периода художник не создавал. К парижскому периоду относится «Концерт», проданный на торгах Christie’s в 2016 г. чуть ли не за 2 млн. долларов и превзошедший по цене картины Дали, выставлявшиеся в этом же списке.К 1950-ому году сюрреализм Челищева был несколько преодолен вышедшем на авангардный арт-рынок абстрактным экспрессионизмом. Но даже последняя серия геометрических абстракций у художника имеет мистическую интенсивность, которая предвосхищает психоделический идеализм 1960-х гг. «Внутренние ландшафты» мастера отзывают в эстетике оп-арта.Тонкого и неповторимого живописца ценили его знаменитые современники в Европе и США, и его влияние на развитие искусства трудно переоценить. В то же время на родине имя самобытного мастера почти не было известно до начала 21 века. Первую персональную выставку организовала московская галерея «Наши художники» в 2006-ом, через пять лет показала уже более 70 произведений и повторила вернисаж в 2013-ом с названием «Челищев. Выставка на бис».

Русский художник, теоретик искусства, а также музыкант и композитор, написавший футуристическую оперу «Победа над Солнцем». Михаил Матюшин, как один из ярких лидеров русского авангарда, активно развивавшегося в первой половине 20 столетия, изучал взаимосвязь цвета и форм. Результатом исследований и сделанных выводов стал уникальный справочник «Закономерность изменяемости цветовых сочетаний», переиздаваемый и в настоящее время. Трактат дополнялся таблицами, впервые в изобразительном искусстве представлявшими цветовую гармонизацию. В ее основе лежит открытый Матюшиным и его сподвижниками принцип сцепляющего цвета.Художник, тесно друживший с футуристическими группировками, вместе с женой художницей и поэтом Е. Гуро организовал издательство «Журавль», благодаря которому увидели свет книги Крученых, Бурлюка, Хлебникова, Маяковского и другие. Интенсивная научно-исследовательская работа автора теории «расширенного смотрения» неразрывно связывалась с педагогической практикой – у М. Матюшина в мастерской пространственного реализма, в группе «Зоревед», а позже - в петроградском отделе органической культуры Государственного художественного института было много учеников и последователей.В Санкт-Петербурге в доме Матюшина и Гуро работает Музей петербургского авангарда, который имеет богатейшую постоянную экспозицию, включающую работы Павла Филонова, Казимира Малевича, Владимира Татлина. Часть творческого наследия Михаила Матюшина хранится в Русском музее и Третьяковской галерее, в Московском музее Органической культуры, в музее г. Амстердама.

Испанский художник-самоучка до того, как в 50-летнем возрасте занялся изобразительным искусством, был активным членом революционных движений. Работы художника с подачи П. Пикассо приобретали Пабло Неруда, Франсуа Миттеран и Дэвид Ротшильд , Грета Гарбо и Хелена Рубинштейн, его персональные выставки устраивали несколько галерей Европы. Он был участником значительных коллективных экспозиций в Базеле и Риме, Роттердаме и Рабате, Загребе и Белграде. Кроме европейских музеев (Париж, и др.), картины приобретали музеи США, Бразилии. Художник включен в Единый художественный рейтинг «10 000 Величайших художников мира XVIII–XXI вв».

Швейцарский художник-авангардист, графический дизайнер и литограф, мастер книжной иллюстрации и монументальной росписи, а также писатель.Отто Цуми органично воспринял каноны сюрреалистических манифестов, требующих умственной независимости, так как это было очень созвучно с его художественной независимостью.Художник участвовал в многочисленных групповых выставках этого движения, в том числе в Америке, но так и не присоединился ни к одной из ассоциаций сюрреалистов. Разработав свой собственный стиль, он совершенствовал и видоизменял его до конца своей долгой творческой карьеры, составившей более 60 лет.Наиболее значительной работой в книжной иллюстрации стали рисунки к роману Германа Мелвилла «Моби Дик» (издание 1942 года, Париж). Как востребованный монументалист, Отто Цуми расписал в послевоенное время несколько общественных зданий в Берне и других городах Швейцарии. Наиболее крупной стала фреска для офисая бернской таможни (1955) Как писатель, получил в 1970 году государственную премию за продвижение бернской литературы.В доме Отто и Беатрис Цуми открыт музей, где, в частности, хранится ценная для истории европейского авангардного искусства переписка с Хансом и Софи Арп, Германом Гессе, Максом Биллом, Мерет Оппенгейм. Картины художника представлены во всех музеях и ряде художественных галерей его страны.Художник-сюрреалист стоит в ряду с Альберто Джакометти, Сержем Бриньони, Максом Селигманом как один из самых важных сюрреалистов Европы, оказавших решающее влияние на изобразительное искусство своей страны в 20-ом столетии.

Греческий художник, сценограф, иллюстратор, а также знаменитый поэт, чьи произведения переведены на все европейские языки и постоянно переиздаются. Один из основных и самых последовательных представителей греческого поколения 30-х, а также ведущий мастер сюрреалистического движения своей страны. Выросший на Плаке под Акрополем, художник жил в Константинополе и в Париже, где знакомился с произведениями искусства и литературными традициями. Образование получил в афинской высшей школе Изящных Искусств и позже много сил отдал преподавательской работе в знаменитом Политехническом институте Афин и реставрационным мероприятиям в послевоенное время.Никоса Энгонопулоса справедливо называли Мастером красок и стихов, он был в 1966 году награждён престижным орденом Георга I за достижения в области изобразительного искусства, а в 1971 - Орденом Феникса за литературные труды. Дважды ему присуждалась Первая Государственная премия Греции в области культуры.Творчество Н. Энгонопулоса как яркого представителя раннего сюрреализма отмечено многочисленными персональными вернисажами и участием во всех значительных Всегреческих выставках, в том числе в архитектурных и театральных. За рубежом работы демонстрировались в Нью-Йорке и Риме, Венеции и Ванкувере, в Оттава и др. городах мира.Особое место в творчестве Никоса Энгонопулоса на протяжении всей творческой карьеры занимало оформление книг, роспись церквей, разработка костюмов и проектирование декораций для театральных постановок разных культурных центров страны.

Выдающаяся латвийская художница – живописец и график, мастер книжной иллюстрации.Окончив поочередно графическое и живописное отделение Латвийской Академии искусств, Майя Табака имела редкую для начинающего советского художника возможность двухлетней стажировки в Западной Германии. Время, проведенное среди художников объединения «Берлинское новое изобразительное искусство», позволило незаурядному таланту Майи Табаки ощутить «ветер под крыльями». Немецкие искусствоведы и по сей день продолжают называть художницу «райской птицей» - настолько большое впечатление она произвела эффектными сюжетами и блестящей живописью. В галереях Германии хранятся портреты Майи Табаки в исполнении Дитера Мазура и Вольфа Фостелля. Последний часто воспроизводится - это лицо, взятое крупным планом с пятнами краски на нем и с фотоаппаратом вместо носа.На родине художницу также признавали – она стала членом Союза художников и Народным художником СССР, была удостоена премий, наград (медаль «Три звезды» и др.), а также звания почетного гражданина Юрмалы. О знаменитой художнице были сняты документальные фильмы.Работы Майи Табаки, кроме главных музеев и галерей, а также частных коллекций Латвии, имеются в Государственной Третьяковской галерее, находятся в коллекциях нескольких галерей Германии. Художница продолжает участвовать в коллективных показах. Ее персональные и ретроспективные выставки за более чем полувековую творческую карьеру проходили во многих городах всей Европы и в десятках городов Америки, пользуясь неизменным успехом.

Чешская художница - живописец, литограф, график, мастер книжной иллюстрации. Самая яркая и значимая представительница поэтизма и сюрреализма в Чехии Мария Черминова уже в раннем возрасте взяла псевдоним Тойен. Его истоки могут быть трактованы как от французского «Citoyen» - гражданин, так и от чешского словосочетания, означающего «это он». В обоих случаях новое имя не давало гендерной идентичность. Мария, пытавшаяся разрушать стереотипы, стала культовой фигурой и в Чехии, и в Париже, где ее поддержал, в частности, Андре Бретон - ведущая фигура в сюрреалистическом движении.Тойен - творец оригинальный и самодостаточный. Она воспринимала сюрреализм как движущую силу воображения, а также социального и политического прогресса. Художница стала одним из организаторов сюрреалистического объединения в Праге. Многие ее картины со второй половины 1930-х годов также имели сильный политический и антивоенный подтекст.Враждебная к буржуазному конформизму, Тойен оспаривала ценности, основанные на тоталитаризме. Художница после нацистской оккупации покинула Прагу, считая неприемлемым для творца навязанный стране коммунистический режим.В Париже она участвовала в деятельности сюрреалистической группы А. Бретона. Хотя жизнь и работы Тойен внесли большой вклад в развитие феминистского искусства, сама она никогда не вступала в дискуссии, не говорила открыто о феминизме или о своей сексуальной ориентации. Тем не менее, эксперты считают ее пионером свободного женского искусства.

Мартин Йонаш - ведущая фигура наивной живописи Сербии, один из основателей Галереи наивного искусства на своей родине, в поселке Ковачице. За время своей долгой и плодотворной творческой карьеры, художник принимал участие в более чем 400 персональных и коллективных выставках и был активным популяризатором наивного искусства сельских жителей. Мартин Йонаш отмечен множеством престижных премий, как в Сербии, так и за рубежом. Он получил большое количество художественных наград, в том числе и золотую медаль на большой международной выставке рисунков в Италии в 1978 году, наряду с Сальвадором Дали. Творчество художника насыщенно глубокой народной философией и почтением к нелегкому труду простого сельского жителя.

Выдающаяся испанская художница, продолжительное время работавшая во Франции и ставшая представительницей парижской школы живописи. В отличие от своих более знаменитых на сегодняшний день земляков-кубистов П. Пикассо и Х. Гриса, Мария Гутьеррес Бланшар при жизни больше повлияла на художественное обновление испанского изобразительного искусства в начале двадцатого столетия, так как работала на родине, участвовала в национальных показах и преподавала. Художница считается ключевой фигурой испанского авангарда, ее картины – ценная часть коллекций национальных музеев и собраний в Европе.

Немецкий художник, дизайнер, литератор и теоретик искусства, талантливый преподаватель, продолжительное время работавший в Америке. Имя Джозефа Альберса неразрывно связано с высшей художественной школой Баухаус в Веймаре, которая была известна своей авангардной направленностью. Бывший ученик этого заведения, Альберс стал в нем преподавателем и создал новую студию художественного стекла, а позже стал заместителем директора школы.В США, куда художник эмигрировал после того как Баухаус был расформирован нацистскими властями, он продолжил преподавательскую деятельность и сыграл важную роль в распространении эстетики конструктивизма, кубизма и абстрактного искусства среди американских художников. Его творчество послужило своеобразным мостом между европейскими авангардными тенденциями и новым современным искусством Америки.Наибольшую известность Альберсу принесла серия работ «Homage to the Square», которая включает в себя геометрические абстрактные картины и литографии, отличающиеся исключительно тонкой хроматической гармонией. Практически все картины в серии состоят из нескольких квадратов, находящихся внутри друг друга и окрашенных в приглушенные гармоничные цвета. Создавая свои работы, художник тщательно продумывал каждую деталь, тончайшие оттенки цвета и эффект от применения тех или иных комбинаций.В 1963 году художник разработал теорию о цветных пигментах, которую изложил в книге «Взаимодействие цвета».

Английская художница и писательница-сюрреалист с интересной и сложной судьбой, прожившая в Мексике около семидесяти лет. Дочь богатых английских аристократов, Леонора Каррингтон с детства отличалась строптивым характером и стремлению к независимости. Она была исключена из нескольких школ, пока не начала учиться живописи в художественной школе в Челси, а в возрасте двадцати лет познакомилась с известным художником Максом Эрнстом и сбежала с ним в Париж.Во время войны художница вынуждена была скрываться от нацистских властей. Она пережила заключение в психиатрической лечебнице и фантастический побег из нее при помощи няни, прибывшей на подводной лодке. Настоящее счастье и уверенность в завтрашнем дне Леонора Каррингтон приобрела лишь в Мексике, куда эмигрировала, оформив фиктивный брак.Художница была одной из ярких фигур сюрреализма. Ее живопись отличается очень личностным, индивидуальным художественным языком. Она наполнена фантастическими сюжетами и символичными фигурами, происхождение которых берет свои истоки в кельтской и центрально-американской мифологии, сновидениях и человеческом подсознании. Прекрасно сочетающийся со своеобразным гротескным юмором и смелостью самовыражения, сказочный мир Леоноры Каррингтон раскрывает необычное в обыденных вещах и является подлинным выражением философии сюрреализма.

Украинская художница-самоучка, график, мастер декоративной живописи. Основываясь на народных традициях, Анна Собачко-Шостак вносила в них современное звучание и элементы сказочной фантастики. Художница стала Мастером народного искусства (звание с 1936 г.) и членом Cоюза художников CСCР с 1939 г. Её работы были высоко оценены за рубежом, в частности, Анри Матиссом.

Выдающийся английский художник и скульптор, знаток и коллекционер произведений искусства, преподаватель, публицист. Роланд Пенроуз является одной из ключевых фигур Британского сюрреалистичного движения, а также основателем Института современного искусства в Лондоне, который являлся центром авангардной культуры страны. Долгое время художник был куратором в знаменитой галерее Тэйт и многое сделал для того, чтоб познакомить соотечественников с передовыми художественными направлениями Европы.Творчество британского художника по большей части представляет собой либо коллажи, либо живописные работы, выполненные в стиле коллажа. В своих произведениях художник часто использовал туристические открытки с изображением известных мест или памятников архитектуры, соединяя их в различных комбинациях, и создавая собственное оригинальное видение известных на весь мир объектов. Неожиданное соединение несовместимых вещей – главная идея искусства Пенроуза, которая находит свое отражение, как в его полотнах, так и в скульптуре.Имя Роланда Пенроуза часто упоминается в связи с его книгой «Пикассо: Жизнь и творчество», которая является одним из наиболее достоверных источников информации о великом художнике, с которым автор был дружен многие годы. Кроме этого труда, Пенроуз издал также монографии о своих современниках, среди которых Жоан Миро, Антони Тапиес и Мэн Рэй.

Живописец, график, иллюстратор, театральный декоратор, создатель школы примитивного искусства в поселке Хлебине. Вместе со своими соратниками Крсто Хегедушич основал независимую художественную группу под названием «Земля» в 1929 году. Эта группа боролась за социальную справедливость и равноправие в обществе, за что подвергалась преследованиям со стороны государства. Художник часто посещал поселок Хлебине, где прошло его детство, а в 1930 году начал преподавать живопись талантливым местным крестьянам Ивану Генераличу и Франьо Мразу. Это стало началом знаменитой Хлебинской школы наивного искусства, которая прославила работы хорватских художников-примитивистов на весь мир.

Швейцарский еврейского происхождения художник, график и писатель, а также сценограф и гравер, долгое время живший и работавший в США. Курт Селигманн известен своими фантастическими образами средневековых трубадуров и рыцарей, которые проводили яркие, а порой жуткие ритуалы и отчасти вдохновили тематику карнавалов, ежегодно проводимых в его родном швейцарском Базеле. Шедевром сюрреалистической гравюры считается серия из шести офортов, иллюстрирующих греческий миф об Эдипе, вышедшая в 1944 г. и много раз переиздававшаяся. Значительным трудом также является его книга «История магии и оккультизма» (первоначально «Зеркало Magic», New York, 1948) В своей личной технике автоматизма Селигманн стремился к достижению образов по чистой случайности, а также к передаче образов природных явлений. К примеру, он следил за узорами и формами, которые создавали циклоны и писал впечатляющие ландшафты Большого Каньона и американского юго-запада, находя в них психологическое сходство с антропоморфными элементами. Мастер говорил: «Это пейзажи, но они не статичны. Я называю их циклоническими».Среди художников второго поколения сюрреалистов Курт Селигманн некоторое время игнорировался искусствоведами, что частично объясняется его эксцентрическими образами и несколько академическим подходом к живописи и графике. Однако в настоящее время это считается отражением его художественной и интеллектуальной независимости. Искусство К. Селигманна никогда не определялось каким-либо конкретным «измом», поскольку он стремился к синтезу абстрактных и образных направлений в рамках общих современных ему живописных проблем.

Мансийский и первый ненецкий художник. Считается создателем «северного изобразительного искусства». Стал известен благодаря его другу и биографу Г. Гору. Признан очень искренним, нежным наивным художником, тонким колористом. За короткую творческую биографию - всего семь лет, включая четыре года студенчества в специально созданных для народных самодеятельных художников мастерских.

Чешский художник, график-иллюстратор, сценограф и писатель. Ян Зрзавый был одним из ведущих представителей художественного национального авангарда 20 столетия, одним из основателей творческого объединения художников «Sursum», членом Ассоциации художников Чехии «Manes», Союза художников-графиков «Голлар». Произведения мастера в 1937 году были причислены нацистами к списку «дегенеративного искусства». В 1965 г. ему было присвоено звание Народный художник Чехословакии. В галерее Яна Зрзавого в Телчи выставлены работы, которые он завещал своему народу.

Российский еврейского происхождения художник и дизайнер, один из ближайших учеников и последователей Казимира Малевича, яркий и последовательный приверженец супрематизма младшего поколения. Развивая теоретические наработки автора «Черного квадрата» и не отвлекаясь на другие стили, Илья Чашник создавал большие серии абстрактно-геометрической графики и живописи.Художник создал десятки самых разных типов эскизов для фарфоровой посуды. Простые супрематистские формы квадратов, треугольников, прямоугольников при переходе на округлые поверхности чашек и блюд приобретали особую выразительность, новую пластическую красоту, что принесло успех российскому авангардному фарфору в 1925 году на международной Парижской выставке декоративного искусства. После этого Илья Чашник много работал над заказами на экспорт, а выполненные по его рисункам предметы составляют коллекции соответствующего периода в Государственном Эрмитаже и в Государственном Музее фарфорового завода Санкт-Петербурга.В конце очень короткой (художник умер от перитонита 27-летним) творческой карьеры Чашник экспериментировал в архитектуре, создавая аскетически-лаконичные «архитектоны» - практическим применением этих опытов стали работы по декорированию городских зданий Петрограда. Работы художника востребованы: имеются во многих европейских собраниях, абсолютный рекорд установила ранняя работа «Седьмое измерение, супрематический рельеф», в 2016 году реализованный аукционным домом Sotheby's за 3 миллиона долларов.

Польский художник и педагог, один из самых ярких и эмоциональных представителей славянского символизма и один из основоположников модернизма в своей стране. В Польше открыт Музей современного искусства имени Яцека Мальчевского, филиал которого расположен в родном городе художника Радоме.

Американская художница и поэт сюрреалистического направления, долго время жившая и работавшая в Европе – Италии и Франции. Творческая карьера художница продолжалась около 30 лет, начиная с ее первой выставки в 1936 году. Как представитель «золотой эпохи сюрреализма» - его активного послевоенного периода - она была известна и широко признана за свои оригинальные художественные произведения, обычно содержавшие темы архитектурного характера.Katherine Linn Sage по первому мужу была богатой итальянской принцессой и щедро помогала другим художникам. На протяжении большей части своей зрелой карьеры она работала под сенью своего второго мужа сюрреалиста И. Танги, который и сегодня остается более известным в мире искусства, чем Сейдж. Однако художественное наследие Кэтрин также получило большое признание, особенно после публикации полноформатной биографии художницы в 1997 году.В современном искусствоведении Sage и Tanguy рассматривают как замкнутую систему - цепь влияния двух творцов друг на друга, что подтвердила выставка «Двойной пасьянс: сюрреалистические миры Кей-Сейдж и Ива Танги», прошедшая в Музей Дэвиса, Колледж Уэлсли в 2012 г.Кей Сейдж известна главным образом как визуальный художник, но она также написала пять томов поэзии, главным образом на французском языке и четыре пьесы. Автобиография «Китайские яйца» при жизни опубликована не была.Стиль Sage сочетается с Veristic Surrealism, в котором представлены иллюзорные образы невозможных, вдохновленных мечтой и воображением мест; ее творчество стоит в ряду творений таких авторов, как Джорджио де Кирико, Сальвадор Дали, Рене Магритт, Пола Дево, Ив Танги.

Иван Васильевич Клюн (настоящая фамилия — Клюнков) - русский художник-авангардист, теоретик искусства, яркий представитель нескольких новейших течений, в том числе супрематизма – особого ответвления русского абстракционизма в первой половине XX столетия.Соратник и друг, а также последователь К. Малевича, остававшийся в его тени и даже несправедливо считавшийся «авангардистом второго ряда», был одним из мастеров, наиболее самобытных как в кубофутуризме, так и в супрематизме. Лучшие его работы, без сомнения, родственные геометрическим абстракциям автора «Черного квадрата», по живописи более свободны, богаты на игру света и тени, прихотливы по иррационализму форм, порой доводимых автором до сверхвыразительного минимума. Эти качества привлекли знатока и коллекционера Георгия Костаки, благодаря которому произведения мастера сохранились и впоследствии стали известны. Костаки, выезжая в Грецию, вынужден был подарить стране часть своего личного собрания – работы Клюна, таким образом, оказались в Третьяковке и других главных коллекция СССР.Иван Клюн был активным участником культурной жизни «футуристических» столиц России, экспонентом всех значимых авангардных выставок, членом-учредителем объединений «Московский салон», «Супремус», автором нескольких теоретических трактатов, участником более поздней группировки «Четыре искусства».

Украинский живописец-новатор, а также мастер керамики, Народный художник Украины, лауреат главной творческой награды страны - Национальной премии им. Шевченко. Удостоен присутствия в рейтинге британской газеты «The Daily Telegraph», включающем 100 гениев современности, один из членов «Золотой гильдии», куда Римская Международная академия современного искусства включила только 51 художника мира , почетный член научного совета этой академии. Мастер является почетным гражданином городов Тернополя (родина художника) и Киева, где в данный момент живет и работает.Свою новаторскую технику «Плентанизм» (от украинского диалектного слова «плести») впервые применил в 1972 году в пейзажном жанре. Впоследствии методика приобрела статус авторского творческого метода и в сочетании с оригинальной системой мировосприятия художника составила неподражаемый, сразу отличимый почерк художника, которого во всем мире называют живым гением.Тематика картин самого титулованного из украинских художников, живущих в начале 21 века, очень разнообразна от фольклора и библейских мифов до самых современных идей. Не менее поражает и диапазон стилистики и жанров – от гиперреализма портретов и пейзажей до абсолютно абстрактных полотен.Наследие Ивана Марчука уже насчитывает более 5000 произведений, разделенных на теперь уже 11 основных циклов. Художник, год живший в Австралии и Канаде и 11лет в Америке, провел по всему миру более 120 персональных вернисажей, участвовал во множестве коллективных выставок. Около двух тысяч произведений находятся в коллекциях музеев и частных галерей пяти континентов мира.

Хорватский художник, один из величайших представителей наивного искусства ХХ века. Иван Генералич привлек внимание общественности своей персональной выставкой в Париже в 1953 году, благодаря чему во всем мире возродился интерес к самобытному искусству художников-самоучек, а творчество хорвата завоевало огромную популярность и приобрело тысячи поклонников. Генералич активно развивал художественную школу в Хлебине, которая сыграла важнейшую роль в хорватском искусстве, проводил выставки по всему миру, завоевывая награды и почести, был членом Союза хорватских художников и имел большое количество учеников. Художник стал легендой еще при жизни, а его работы является неотъемлемой частью хорватского и мирового искусства.

Хорватский наивный художник, принадлежащий ко второму поколению художников-примитивистов Хлебинской школы. Иван Веченай был одним из последователей Ивана Генералича, который развил и приумножил художественную традицию Хлебине. Кроме живописи, художник интересовался устным народным творчеством, и пробовал себя в роли писателя. Он собирал старинные пословицы, загадки и легенды, а также издал сборник народных песен и составил словарь Голе, который уместил более 12 000 старинных слов. Из всех художников Хлебинской школы Веченай был ближе всего к творчеству народа, а его картины, наполненные фантазией и искренней верой, вошли во Всемирную энциклопедию наивного искусства. Огромное значение для сохранения народной культуры имеет этнографический музей, который И. Веченай организовал в своей усадьбе.

Итальянский художник, яркий представитель импрессионизма. Пройдя прогрессивную на тот момент школу Макьяйоли во Флоренции, художник окончательно сформировался под влиянием французских импрессионистов. Писал по большей части жанрово-сюжетные сцены из жизни простых людей и пейзажи, увлекался жанром ню. Признан на родине после смерти и заслуженно считается наряду с Больдини и Ниттисом основоположником итальянского импрессионизма.

Известный хорватский художник, выходец из народа. Вместе с Иваном Генераличем и Мирко Вириусом он был учеником Крсто Хегедушича, основавшего школу наивного искусств в Хлебине, и одним из первых хорватских примитивистов. Франьо Мраз участвовал в экспозициях группы «Земля», а также во многих выставках примитивного искусства по всей Европе. В годы Второй мировой войны художник вел активную партизанскую деятельность и был советником в крупнейших антифашистских организациях. Получив профессиональное художественное образование, Мраз со временем возвращается к наивному стилю, открытость и непосредственность которого была ему наиболее близка.