Cкульптура и Инсталляция

Яков Георгиевич Чернихов – советский архитектор и график, автор научных трудов по теории архитектуры и талантливый педагог. Его имя малоизвестно на территории Украины, несмотря на то, что он родился в нынешней Днепропетровской области и около десяти лет прожил в Одессе, обучаясь в высшем Художественном училище. Обладая мощным пространственным мышлением и воображением, Чернихов посвятил свою жизнь созданию смелых архитектурных проектов в духе конструктивизма, и стал выразителем идей авангарда начала 20 века, повлиявшим на многих современных архитекторов.

Эльсуорт Келли – американский художник и скульптор, выдающаяся фигура послевоенного абстрактного искусства. Его картины с крупными абстрактными фигурами, смелыми и контрастными сочетаниями цветов, повлияли на развитие минимализма, живописи цветового поля и живописи жестких контуров.

Эдуардо Паолоцци – шотландский художник, дизайнер  и скульптор итальянского происхождения, чье творчество охватывает самые различные сферы изобразительного искусства, начиная от масштабных скульптур и заканчивая дизайном тканей и обоев. Как художник-новатор, Паолоцци всегда искал в искусстве чего-то свежего, еще неизведанного. Из-за его неутолимой жажды перемен и постоянных экспериментов его творчество неоднородно и напоминает пеструю мозаику, состоящую из разных стилей, мотивов, жанров и направлений.

Фрэнк Стелла - американский художник, центральная фигура минимализма, известный своими картинами нестандартного формата и крупномасштабными композициями, соединяющими в себе черты живописи, скульптуры и архитектуры.

Американский художник-новатор, дизайнер, издатель, кинорежиссёр, продюсер, писатель, коллекционер. Энди Уорхол, основатель идеологии «homo universale», - выдающаяся личность в современном мировом искусстве в целом, в истории поп-арта в частности. Также вошел в историю искусства как создатель «коммерческого поп-арта».

Один из главных художников американского поп-арта, известный изображениями стилизованных женских обнаженных фигур, которые были основной темой и предметом пристального внимания живописца. Черпая вдохновение в абстрактном экспрессионизме, особенно работах Виллема де Кунинга, художник переосмысливал образы и создал собственный уникальный стиль, предельно реалистичный, заманчивый и вместе с тем холодный и отстраненный, не затрагивающий глубоких чувств зрителя.

Выдающийся уругвайский художник, скульптор, теоретик искусства, писательХоакин Торрес-Гарсия продолжительное время жил и работал в Европе (Испания, Франция, Италия), некоторое время – в Соединенных Штатах Америки. В Барселоне художник работал с А. Гауди, а живя в Париже, сотрудничал с представителями неопластицизма (Пит Мондриан и др.), создав при поддержке Мишеля Сёфора творческую группу «Circle and Square». Такой широкий опыт позволил ему, возвратившись на родину, стать в Уругвае проводником и пропагандистом нового искусства - модернистских течений в целом, кубизма и абстракционизма в частности.

Соня Терк-Делоне (Сара Элиевна Штерн) - французская художница-авангардистка, иллюстратор, скульптор и дизайнер еврейского происхождения родилась в Украине. Мастер работала в стилях кубизма, орфизма и абстракционизма. О большой значимости ее вклада в развитие авангардного искусства красноречиво свидетельствуют факты: стала первой художницей, чья прижизненная персональная выставка была организована в 1964 г. в Лувре, а через десять лет она была удостоена Ордена Почётного легиона. Была в числе организаторов международного объединения «Абстракция-Созидание».

Американский художник, скульптор и теоретик Соломон Левитт сыграл ведущую роль в становлении концептуального искусства и минимализма. Происходивший из семьи русско-еврейских эмигрантов, он вдохновлялся работами русских авангардистов и конструктивистов, особенно Малевича, чей черный квадрат послужил основой для возникновения его особой геометрической эстетики.

Сай Твомбли (наст. имя Эдвин Паркер Твомбли) - американский живописец и скульптор, один из самых сложных для понимания художников, творчество которого вызывает постоянные споры и дискуссии в мире искусства. Большинство его работ – это белые холсты, покрытые разноцветными каракулями, линиями и хаотичными пятнами. Художник часто использует различные надписи в своих произведениях, делая их похожими на городское стихийное искусство граффити. При этом название и смысл работ отсылают к античным мифам, классическим живописным работам и культуре различных народностей.

Один из первых и самых ярких представителей художественного направления поп-арт, которое приобрело широкую популярность в США в 1950-60-ых годах 20-го века. Рой Лихтенштейн прославился своими картинами-комиксами, каждая из которых отражает различные аспекты жизни обычных американцев. Взяв за основу простые и понятные образы, художник бросил вызов авангардной живописи, понятной лишь единицам, и сделал обыденные вещи настоящими произведениями искусства.

Роберт Раушенберг - художник-новатор, один из самых влиятельных американских мастеров второй половины 20-го века, давший толчок развитию поп-арта и концептуального искусства. На протяжении своей длинной карьеры он экспериментировал практически со всеми доступными формами искусства, выступая как гравер, дизайнер, скульптор, фотограф и даже авангардный музыкант.

Английский художник, один из основателей стиля британский поп-арт. Питер Блейк начинал свой творческий путь в послевоенное время, и главной целью его искусства было помочь согражданам забыть ужасы войны и окунуться в яркую и по возможности беззаботную мирную жизнь.

Марина Абрамович – сербско-американская художница, знаменитая на весь мир благодаря своим неординарным и шокирующим перформансам. Она по праву считается одной из лучших в своем жанре, а ее представления, связанные с физической болью и даже угрозой для жизни и здоровья, заставляют зрителей переосмыслить свое восприятие многих вещей и шагнуть далеко за границы обычного восприятия мира и себя.

Итальянский художник и скульптор, автор теоретических работ по искусству. Лучо Фонтана считается наиболее радикальным художником после Казимира Малевича, который сумел вывести изобразительное искусство на новый виток развития абстракции и минимализма. Имя Фонтана ассоциируется прежде всего с его разрезанными картинами - художник беспощадно вспарывал острым лезвием или протыкал ножом полотна. Но делал он это вовсе не потому, что хотел уничтожить свои работы. Он просто стремился расширить таким образом живописное пространство картин, сделать их объемными и вызывающими у зрителя разнообразные ассоциации.

Венгерский художник и график-иллюстратор, скульптор и мастер художественной фотографии, теоретик киноискусства, журналист. Его имя при рождении — Ласло Вайс. Он был одной из крупнейших фигур мирового авангарда в первой половине XX столетия, а также важнейшим представителем фотографии Нового видения.

Франтишек Купка – чешский  художник и писатель, большую часть жизни живший и работавший во Франции. Справедливо считается в истории изобразительного искусства одним из пионеров абстрактной живописи и одним из первых совершенно нерепрезентативных художников. В 1912 году он принял участие выставке кубизма «Золотое сечение» и в Салоне независимых (Salon des Indépendants), выставив среди прочих работы, которые считаются первыми абстрактными произведениями. 

Густав Густавович Клуцис - живописец, график, иллюстратор и фотограф. Вошел в историю искусства как пионер фотомонтажа. В мировом искусствоведении считается одним из четырех художников, которые изобрели поджанр политического фотомонтажа в 1918 году. Три других имени известны более широко - немецкие дадаисты Ханна Хох и Рауль Хаусманн, российский авангардист Эль Лисицкий.

Американский скульптор шведского происхождения, выдающийся представитель поп-арта. Клас Тур Олденбург начал свою карьеру в Нью-Йорке, где он участвовал в многочисленных хэппенингах и перформансах с такими художниками, как Джим Дайн, Аллан Капроу и Джордж Сигал. Он стал неотъемлемой частью движения поп-арт в начале 1960-ых годов, противопоставляя свои простые и привычные для восприятия работы сложной эстетике абстрактного экспрессионизма. Выставив в витрине «ненастоящего» магазина «ненастоящие» вещи, созданные из самых неожиданных материалов, художник по-настоящему удивил публику и мгновенно приобрел широкую известность.

Американский художник, скульптор и дизайнер Кит Харинг прежде всего известен своими картинами-граффити, привлекающими ритмичностью, искренним и актуальным звучанием.

Современный американский художник и скульптор. Живёт и работает вместе со своей женой, художницей Шарлин фон Хейл, в Нью-Йорке, а также в Марфе, штат Техас. Искусство Кристофера Вула  включает направления, связанные с поп-артом, абстракцией  и с концепциями пост-концептуального характера.

Йоко Оно - английская и американская художница-новатор, писатель, музыкант японского происхождения. Йоко стала известна широкой публике во многом благодаря своему браку с музыкантом, участником легендарной группы «Битлз» Джоном Ленноном. Однако еще задолго до этого союза она ярко проявила себя в концептуальном искусстве, став одним из первопроходцев инсталляции и перформанса.

Выдающийся французский художник, скульптор и фотограф. Несмотря на короткую художественную карьеру (1954-1962) справедливо считается одним из наиболее значительных новаторов послевоенного европейского искусства.

Дэвид Салле – американский художник, фотограф, сценический дизайнер, автор оригинальных картин-коллажей, основанных на эстетике поп-арта. Как и многие художники его поколения, вдохновение для своего богатого визуального языка он черпал из известных произведений искусства, произвольно добавляя в них элементы рекламы и повседневной культуры. Оригинальны также приемы Дэвида Салле в современном графическом дизайне.Имя художника стало известным с середины 1980-ых годов. Его картины, наполненные юмором, театральностью и эротизмом, многогранны и содержат большое количество культурных ссылок. В работах Дэвида Салле можно найти упоминания произведений таких классиков, как Веласкес и Бернини, аллюзии на темы постимпрессионистов Сезанна и Джакометти, мотивы сюрреалиста Магритта, а также яркие образы американского послевоенного искусства.Почти фотографическая точность образов на картинах Д. Салле, которая парадоксальным образом создает ощущение нереальности, захватывает дух. Чем дольше смотришь на произведения мастера, тем находишь больше и больше интересных деталей, намеков и параллелей. Создавая свои произведения, художник действует интуитивно, что делает его работы близкими к сюрреализму и к классическому экспрессионизму.Дэвид Салле известен не только как художник, но и как авторитетный арт-критик и теоретик искусства. По мнению художника, любое живописное произведение должно быть создано, прежде всего, для народа, а вовсе не для «заумных» художественных критиков. Поэтому его работы направлены на то, чтоб в доступной и понятной форме донести до зрителя смысл произведений прошлых лет, подчеркнув их значение для современного искусства и тенденцию к преемственности.

Дональд Джадд - один из самых известных американских абстрактных скульпторов конца 20-го столетия, дизайнер и теоретик искусства. Является ведущим представитель минимализма, хотя сам он никогда не причислял себя к этому направлению. Не называл Джадд себя и скульптором, считая что его искусство принципиально не подходит под определение скульптуры, так как его работы не сделаны им собственноручно, а собраны из уже готовых предметов.Свои творения Дональд Джадд описывал как «простое выражение сложной мысли» и создавал их из промышленных материалов. Характерная черта творчества художника – фокусировка не на самом изображаемом объекте, а на пространстве, которое он создает вокруг себя. Самые известные серии его работ «Специфические объекты» и вертикально расположенные «Стеллажи» наглядно демонстрируют его радикальный подход к современной скульптуре, который в корне меняет саму суть данного вида искусства. Свое сложное для понимания абстрактное искусство Дональд Джадд пояснял в многочисленных теоретических трудах. Он опубликовал ряд эссе, а также два тома Полного собрания сочинений в 1976 и 1986 годах.С 1970 года художник начал создавать скульптурные композиции для установки на открытом воздухе. Немногие знают о том, что популярный стиль интерьера «лофт» возник во многом благодаря Дональду Джадду. Он первым переоборудовал промышленное здание в Нью-Йорке под жилое помещение и под студию, где трудился над своими работами и выставлял их для публики. Здесь он творил на протяжении 25 лет, а после смерти художника в помещении был организован музей, который не только демонстрирует его работы, но и позволяет посетителям понять саму суть и историю такого направления в искусстве, как минимализм.

Американский художник и скульптор, один из самых востребованных и дорогих мастеров современности. Джефф Кунс – представитель направления нео-поп-арт, которое является продолжением поп-арта и ориентируется на интересы и потребности современного общества.Произведения художника – это преимущественно инсталляции и скульптуры. Предметом искусства для Кунса служат обыденные вещи, которые в интерпретации автора становятся символами определенного явления, занимающего умы обывателей. Самые знаменитые работы художника – это блестящие металлические скульптуры, выполненные в форме воздушных шаров. Его визитной карточкой является фигура «Balloon Dog», привлекающая своей простотой и праздничным настроением.К своей работе Джефф Кунс относится как к коммерческому проекту, распространяя и рекламируя свое искусство как особый вид товара. По словам самого автора, его работы не выражают никаких глубоких идей и подтекста. Они являются красивой, но бессмысленной вещью, за что художника часто называют «мастером китча». Многие ценители искусства откровенно ненавидят Джеффа Кунса за то, что он продает за бешеные деньги совершенно безвкусные скульптуры и часто использует произведения других авторов для создания собственных творений. Но, несмотря на все это, произведения американского скульптора пользуются стабильно высоким спросом у публики, что заставляет художественных критиков изменить свое представления о том, как на самом деле выглядит современное изобразительное искусство.

Джозеф Кошут - американский современный художник, один из пионеров и яркий представитель концептуального искусства. Известен в всем мире своими инсталляциями, в частности, композиция «Один и три стула» стала классикой стиля. Будучи 23-летним студентом, с «благословения» самого мэтра Марселя Дюшана он получил грант Фонда Кассандры для реализации своих новаторских идей.Художник был первым, кто глубоко исследовал отношения между идеями, изображениями и словами, используемыми для их описания. Он брал слова вместо визуальных образов любого другого рода, то есть полностью исключил объекты, чтобы сосредоточиться на значении, переданном исключительно языком. Награды, врученные художнику, красноречивее всего говорят о признании уникального таланта Джозефа Кошута. Главные из них - премии Брандейса и Фредерика Вейсмана, Menzione d'Onore на Венецианской биеннале, звание Кавалера от французского правительства, высшая награда Австрийской Республики за достижения в области науки и культуры. С 2014 года неоновая инсталляция Кошута – часть постоянной экспозиции в парижском Лувре.Многие из инсталляций Дж. Кошута включали выдержки из литературы и трудов по философии, психологии. Цитаты наполнены важным общечеловеческим смыслом - таким приемом художник заставляет свою аудиторию размышлять над проблемами личной идентичности, бедности и расизма, одиночества и уроков истории. Избегая каких-либо четких, или слишком явных собственных комментариев, Джозеф Кошут реализует себя и как современный художник, и как философ и моралист.

Немецкий художник, один из самых известных и дорогих современных живописцев. Герхард Рихтер ярко проявил себя в нескольких направлениях изобразительного искусства. Его фотореалистичные портреты с размытыми контурами находятся в экспозициях самых известных музеев мира, а абстрактные полотна продаются на аукционах за огромные деньги.Начав свою карьеру в Восточной Германии, художник работал в реалистичном стиле, но познакомившись с произведениями современных художников, таких как Джексон Поллок и Энди Уорхол, резко изменил свою живопись в сторону авангардного искусства. За несколько месяцев до падения Берлинской стены он сбежал в Западный Берлин, где начал активные творческие поиски собственного места в искусстве. Основываясь на фотографиях и продуктах массовой культуры, Рихтер создал свой яркий стиль, который включает в себя как реалистичное, так и полностью абстрактное выражение.Помимо живописи Герхард Рихтер известен как автор нескольких крупных дизайнерских проектов. В 2007 году он создал знаменитый «Пиксельный витраж» в Кельнском соборе, который получил самые противоречивые отзывы. Вместо традиционных библейских сцен художник создал впечатляющую мозаику из разноцветного стекла, которая состоит из 11 тысяч 250 цветных квадратиков восьмидесяти оттенков. Интересно, что художник выполнил работу в качестве подарка собору, не взяв ни копейки за свой кропотливый труд.

Гай Орландо Роуз был ярким представителем калифорнийского импрессионизма (другое название: калифорнийская школа пленэра).Будущий художник родился в состоятельной семье сенатора Леонарда Дж. Роуза. Его творческий путь начался довольно рано, когда, получив ранение на охоте, юный Ги Роуз начал интересоваться живописью.Поклонник художественного таланта Клода Моне, Ги Роуз работал в основном жанрах пейзажа, в том числе городского, и портрета, был хорошим рисовальщиком. В полотнах Ги Роуза присутствует свойственная импрессионизму живость, природность, игра света. Художник использовал насыщенную цветовую гамму, писал пейзажи, женские портреты. Несколько раз выставлялся в Парижском Салоне, принимал участие в выставках на родине, в том числе на Всемирной выставке в Сан-Франциско, где получил серебряную медаль.

Георг Базелиц (настоящее имя Ханс-Георг Керн)Немецкий художник-неоэкспрессионист и авангардный скульптор, один из основателей группы «Новые дикие». Настоящая фамилия художника – Керн, а псевдоним он взял от названия своего родного городка Дойчбазелиц, расположенного недалеко от Дрездена.Визитная карточка художника, которая делает его картины мгновенно узнаваемыми – это человеческие фигуры, расположенные на полотне вверх ногами. Изображать людей таким образом Георг Базелиц начал примерно в 1969 году.Бескомпромиссность и бунтарский дух будущего известного художника привели к тому, что Георг Базелиц был исключен из художественного училища, а его работы «Какая ночь сорвалась» и «Голый человек» были запрещены как непристойные, и изъяты полицией во время его первой выставки.Вынужденный работать в официальном стиле соцреализма во время проживания в Восточном Берлине, художник перешел к абстрактному искусству после переезда в Западную часть города. Постепенно Базелиц отклонил оба направления и стал возрождать немецкий экспрессионизм, который процветал до войны, но был неугоден нацистскому правительству. Человеческая фигура заняла центральное место в творчестве Базелица, а картины приобрели скандальное и вызывающее звучание.Георг Базелиц сыграл ключевую роль в становлении немецкого искусства после Второй мировой войны, выражая национальную идентичность с помощью символичных и экспрессивных образов.Произведения художника часто подвергались критике из-за их отталкивающего и неэстетичного содержания, но вместе с тем, они вдохновили очень многих европейских и американских художников, способствуя возрождению фигуративного искусства.Сегодня Георг Базелиц – всемирно признанный художник, работы которого являются одними из самых дорогих произведений современных живописцев и ваятелей. Он продолжает неутомимо работать, создавая своеобразные «ремейки» своих композиций прошлых лет.

Знаменитый британский скульптор индийского происхождения, участник группы «Новая британская скульптура», автор модернистских произведений, расположенных во многих крупных городах по всему миру.Переосмыслив рациональный подход минимализма и провокационное звучание концептуального искусства, художник добавил в него собственные яркие эмоции, необычное мировосприятие и очарование первобытного искусства.Скульптуры Аниша Капура – это своеобразная игра формы, цвета и фактуры. Его творения, выполненные из самых различных материалов, объединяет стремление к свободе, гармонии и равновесию предметов в пространстве. Знаменитая работа художника – «Облачные врата» в Чикаго, прозванная в народе «фасолина», - яркий пример изобретательности ее автора. Ее зеркальная поверхность отражает и меняет форму окружающего мира, создавая альтернативную реальность, и вовлекая зрителя в своеобразный «диалог с космосом». Аниш Капур – лауреат всевозможных конкурсов и обладатель нескольких крупных премий в области изобразительного искусства, самая престижная из которых британская премия Тернера. За свою долгую творческую карьеру художник удостоился Ордена Британской империи и создал самую масштабную арт-инсталляцию на территории Соединенного Королевства, а выставка его работ стала наиболее посещаемой за всю историю государства.В настоящее время Аниш Капур не перестает стремиться к новым открытиям и впечатляющим находкам. Его переполняют новые идеи и оригинальные задумки, которые, без сомнения, еще не раз удивят и взволнуют весь мир.

Американский художник и теоретик, центральная фигура авангарда 60-х годов, первооткрыватель хеппенинга – вида искусства, в котором основное внимание уделяется непосредственно процессу творения. Аллан Капроу ценил в живописи момент действия, ставя его выше результата.Недолговечные, часто сиюминутные и спонтанные действа А. Капроу стирают грань между искусством и повседневной жизнью и погружают участников внутрь произведения, вовлекая их в творческий процесс и разрушая пресловутую «четвертую стену» между произведением и зрителем.В своих теоретических трудах Аллан Капроу говорил о том, что после открытий Джексона Поллока и других абстрактных экспрессионистов, живопись больше не может существовать в прежнем виде. Она должна выйти за рамки холста и переместиться в повседневную жизнь.Мастер называл себя «не-художником», а свои произведения «антикартинами». «Жизнь гораздо интереснее искусства,» - говорил Капроу и создавал события за пределами галерей и музеев: во дворах, квартирах, на улицах, площадях и парковках. Иногда доходящие до абсурда действия - такие как строительство домов изо льда под палящим калифорнийским солнцем, - меняют само восприятие искусства и превращают обыденные жизненные процессы в творческие акты.Принципы создания хеппенинга, которые Аллан Капроу изложил в своем труде «How to Make a Happening», были с восторгом приняты многими послевоенными художниками, пытающимися по-новому посмотреть на современные творческие методы. Благодаря находкам американского новатора дальнейшее развитие получили такие направления, как инсталляция, перформанс и концептуальное искусство.

Американский современный скульптор-концептуалист и художник. Практика Брюса Наумана охватывает широкий спектр творческий интересов: перформанс и инсталляция, фотография и арт-видео, работы для средств массовой информации, для печати и промышленного производства. Во всех сферах проявляется увлечение художника природой общения, присущими языку проблемами и ролью художника как манипулятора визуальными символами через средства коммуникации.Науман имеет многочисленные награды в нескольких областях художественной практики, почетную степень доктора искусств в институтах искусств Америки. Работы широко представлены ​​по всему миру как часть экспозиций самых престижных музеев и галерей. Монументальное искусство Брюса Наумана вдохновило многих других художников во второй половине 20-го века и продолжает пользоваться спросом в 21-ом. В 2004 году журнал «Time» назвал его одним из 100 самых влиятельных людей в мире искусства. В 2006 году согласно рейтингу ресурса Artfacts.net Брюс Науман - номер один среди живущих художников.

Выдающийся британский скульптор, одна из ключевых фигур авангардного искусства страны. Сэр Энтони Каро известен своими инновационными решениями, которые во многом опередили свое время и подготовили почву для будущих изменений в трехмерном искусстве. Будучи некоторое время помощником своего знаменитого соотечественника Генри Мура, скульптор стал продолжателем его начинаний в области авангардной скульптуры, расширяющей рамки традиционного представление об этом виде искусства.Наиболее известные работы Каро представляют собой большие абстрактные скульптуры, окрашенные в один яркий цвет и стоящие прямо на земле, без каких-либо пьедесталов, позволяя зрителю принимать непосредственное участие в композиции. Свои произведения скульптор исполнял в соответствии с окружением, в котором предполагалось их устанавливать. Он всегда настаивал на непосредственной связи архитектуры со скульптурой и даже придумал специальный термин для произведений, находящихся на стыке этих двух видов искусства – «Sculpitecture»Большое значение имела также многолетняя преподавательская деятельность Энтони Каро. Его нетрадиционный подход к форме и пространству открыл новые возможности и оказал большое влияние на молодых скульпторов. Среди его учеников в разное время были такие выдающиеся личности как Филип Кинг, Барри Флэнаган и Ричард Лонг, названые «новым поколением» английской скульптуры.

Швейцарский скульптор и литограф, художник и график, коллекционер архаичных и старинных произведений искусства, видный представитель авангарда в своей стране и в Европе. Художник провел не одно десятилетие в Париже, стал членом сюрреалистической группировки, организованной и возглавляемой Андре Бретоном. Последний включил одну из литографий Сержа Бриньони в знаменитую иллюстрированную книгу «Сюрреализм в 1947 году».Художник как представитель Парижской школы был участником Венецианской биеннале, престижных международных выставок сюрреалистического искусства в Англии и Америке. Огромен его вклад в развитие авангардного искусства в Швейцарии.Близкий к сюрреализму на художественном и интеллектуальном уровне, Серж Бриньони в своем искусстве шел к более сложным метаморфозам изображения мира. Вены и ветви, глаза и внутренности, морские сущности и бесконечные космические ландшафты, пространства и фигуры, оживляемые фрагментами растений, показывают его внимание к природе. Широкий спектр используемых методов создания произведений искусства - скульптура, коллаж, гравировка, живопись и рисунок - придает наследию С. Бриньони статус «аналоговой биологии».В 1985 году швейцарский художник безвозмездно передал свою ценнейшую и обширную коллекцию произведений искусства из Океании и Индонезии в Лугано – в этом городе уже через четыре года был открыт Музей неевропейских культур «Villa Heleneum».

Выдающийся французский скульптор, основоположник современной скульптуры. Огюст Роден по праву считается величайшим творцом своего времени, разрушившим стереотипы в творчестве и ставшим образцом для последующих поколений ваятелей во всем мире.Уникальное умение передать пластику и линии человеческого тела, а также сложные переживания души, были главными особенностями манеры скульптора. Творчество Родена разительно отличалось от традиционных канонов академизма. Его работы, выражающие безудержную энергию жизни, яркие эмоции, а также интимные моменты, встретили непонимание и насмешки современников. Лишь только в конце жизни мастера его произведения были оценены по достоинству и снискали огромный успех.На протяжении долгого периода Огюст Роден работал над большим заказом – входом в здание нового музея декоративного искусства в Париже, которое называлось «Врата ада». Мастер настолько сильно углубился в свою работу, что продолжал ее дорабатывать и переделывать на протяжении целых восьми лет. Несмотря на то, что проект музея так и не был осуществлен, элементы ворот, в том числе знаменитый «Мыслитель», стали отдельными произведениями искусства, покорившими сердца миллионов людей естественностью своей пластики и открытостью чувств.

Итальянский художник, скульптор и график еврейско-французского происхождения, живший и работавший в Париже. Один из наиболее известных художников начала 20 столетия, развивший свой характерный стиль с чистотой линии, медитативной атмосферой и с фигурами вытянутой формы.Первоначально Модильяни намеревался быть скульптором. Поощряемый и вдохновляемый К. Бранкузи, он в течении почти пяти лет своей недолгой творческой карьеры начал вырезал головы из камня, однако пыль известняка и песчаника раздражала его легкие, ослабленные туберкулезом, и приступы кашля мешали твердости руки. Кроме того, во время Первой мировой войны мрамора почти не стало и камень подорожал и был недоступен нищему мастеру. Художник перешел на живопись, но не изменил стилю – его портреты столь же узнаваемые, как и скульптуры.Произведения при жизни художника успеха почти не имели – на двух выставках он продал лишь несколько скульптур. Став чрезвычайно популярными после его раннего ухода из жизни, немногочисленные (около 30) каменные изваяния остаются таковыми сейчас. Абсолютным рекордом для скульптуры стала проданная аукционным домом Кристи за 43 с лишним миллиона евро одна из «Голов» Амадео Модильяни. В искусствоведении используется всем понятный термин «стиль Модильяни», довольно условно относимый к экспрессионизму.

Французский каталонского происхождения скульптор, мастер искусства гобелена, живописец, книжный иллюстратор. Был членом группы последователей Поля Гогена «Nabis», хотя и не использовал их методы в жанре ваяния.Майоль выступил во второй и главный период своей творческой карьеры как один из самых оригинальных ваятелей и считается автором, совершившим революционный «возврат» к классической скульптуре в то время, когда искусство имело вектор движения к абстрактному направлению. Он стремился к гармонии, соразмерности, упрощению визуальных форм, тяготевших в конце 19 столетия к грандиозности.Также некоторые каталогизируют его как предшественника таких скульпторов, как Генри Мур (запись в блоге 15 ноября 2009 г.). Но также, если мы углубимся в его биографию, нам представлен разносторонний художник, который доминировал во всех дисциплинах, хотя он наконец нашел путь к его творчеству в скульптуре.Благодаря стараниям друга и музы мастера Дины Верни, на протяжении всей жизни занимавшейся пропагандой творчества Аристида Майоля, был в 1995 году открыт музей скульптора, мастера декоративно-прикладного искусства и художника в Париже. 18 скульптур были ею переданы как дар французскому народу с условием их постоянного экспонирования в садах Тюильри.Гуманистическое по сути и исполнению искусство Аристида Майоля оказало огромное влияние на творчество многих крупнейших скульпторов 20 столетия.

Русский выдающийся скульптор и график, снискавший ещё до революции славу «русского Родена». Сергей Конёнков был мастером монументальных композиций, портретного и сюжетного жанров, виртуозно работал в дереве, используя приёмы народной резьбы. Как портретист оставил целую галерею изображений своих современников ( Ф. Шаляпин, М. Горький, С. Рахманинов, А. Довженко, К. Циолковский, В. Маяковский, С. Есенин), писателей-соотечественников (И. Тургенев, Ф. Достоевский, Л. Толстой, Салтыков-Щедрин). Известны выдающиеся памятники А. С. Пушкину, В. И. Сурикову и др.Сергей Тимофеевич более 20 лет жил и работал в Соединенных Штатах Америки, в основном – в Нью-Йорке. По заказу администрации Принстонского университета выполнил в 1935 году бюст великого учёного Альберта Эйнштейна, с которым был дружен, а позже – его изображение во весь рост.В годы войны скульптор был активным членом американского Комитета помощи России. По распоряжению Сталина в 1945 г. для Конёнкова и его работ был зафрахтован пароход.Скульптор, ставший действительным членом Академии художеств еще в дореволюционном 1916 году, после возвращения на родину стал академиком, Народным художником СССР, Героем Социалистического Труда, почётным гражданином города Смоленска, лауреатом государственных премий.Изваяния и рисунки мастера находятся в главных музеях России, в нескольких музеях и государственных учреждениях США и других стран мира. Постоянно экспонируются работы в мемориальном московском Доме-музее «Творческая мастерская С. Конёнкова», в музее скульптуры Смоленска, открытом по настоянию художника, подарившего родному городу большую коллекцию произведений.

Американский скульптор и дизайнер японского происхождения. Исаму Ногути был одним из самых важных и известных скульпторов двадцатого века в США. На протяжении всей жизни он занимался художественными экспериментами, создавая оригинальные скульптуры, дизайн мебели и керамики, архитектурные и ландшафтные проекты. Его неординарный и смелый стиль объединил традиционные и авангардные элементы, установив новый стандарт современного искусства.Ногути не утратил связи со своей исторической родиной и проводил много времени в Японии, открыв там собственную студию. Художник постоянно путешествовал по миру. В его творчестве нашли свое отражение гармония японских садов и керамики, тонкость и изящество каллиграфии Китая, грациозность итальянских мраморных скульптур, монументальность и гениальная простота искусства индейцев древней Америки.Творчество скульптора получило широкое признание в Соединенных Штатах в 1938 году, после создания крупной скульптуры, символизирующей свободу прессы, для здания Associated Press в Нью-Йорке. Эта работа стала первой из множества общественных объектов, установленных в различных городах по всему миру. Произведения Исаму Ногути, начиная от детских игровых площадок, городских площадей и скверов и заканчивая целыми садовыми комплексами, отражает его веру в социальную значимость скульптуры, которая делает искусство доступным для каждого.

Американский художник, дизайнер, авангардный кинорежиссер. Джозеф Корнелл работал преимущественно в техниках инсталляции и ассамбляжа, используя обыденные вещи в неожиданных сочетаниях. Он не имел художественного образования, работал продавцом тканей и проявил себя в искусстве лишь к тридцати годам, открыв новое и интересное направление в современном творчестве, которое имело много последователей..Воздействие на подсознание и загадочность работ Корнелла роднит его с сюрреалистами и дадаистами, хотя сам художник-самоучка никогда не причислял себя ни к одному из модернистских или авангардных течений. Он вел очень уединенную жизнь на окраине города со своим больным братом и матерью, крайне редко выступал на публике, однако поддерживал дружеские отношения с большинством современных американских художников. Дж. Корнелл был глубоко религиозным человеком и пылким сторонником «Христианской науки», что наложило большой отпечаток на все его творчество.Джозеф Корнелл известен, прежде всего, своими оригинальными инсталляциями, где в небольшом,чаще замкнутом со всех сторон пространстве каждая вещь приобретает совершенно иной смысл и вызывает самые разнообразные ассоциации у зрителей. Самые известные работы художника представляют собой стеклянные коробки, в которые он помещал различные объекты: старые фотографии, обрывки газет, другие мелкие предметы. Эти «теневые коробки», как их называл сам автор, имели большое влияние на развитие инсталляции, ассамбляжа и других современных форм искусства.

Швейцарский скульптор, живописец и график, один из крупнейших мастеров-ваятелей XX столетия, яркий представитель авангарда.Джакометти, изучавший искусство живописи и ваяния в Женеве и Париже, экспериментировал с кубизмом и футуризмом, плотно интересовался техникой примитивной скульптурой. Некоторое время работал с сюрреалистической французской группой и создавал странные объекты, свидетельствующие о жестокости, интересу к эротике и одновременно - о мечтательности и гуманизме их автора.После того, как довольно резко отстранился от сюрреалистов, Джакометти вернулся к работам более фигуративным и жизненным. Уже зрелый мастер создал свои самые известные произведения - серии удлиненных и хрупких фигур, похожих на скелеты и выполненных не путем резьбы, а процессом моделирования в глине или гипсе без тщательной проработки и заглаживания поверхности скульптур и статуэток. Именно эти работы чрезвычайно высоко ценятся на арт-рынке и вызывают неизменно-повышенный интерес зрителей.Джакометти писал статьи для каталогов многих выставок и для периодических изданий, излагая неординарные мысли, а также вел дневники, куда вносил воспоминания, наблюдения и пояснения к своим произведениям. Они являются важным документом авангардистской эпохи в искусстве и культуре.Самый высоко оцениваемый (в прямом и переносном смыслах) выдающийся классик мировой скульптуры был настолько неординарен, что не имел прямых последователей, но повлиял на все мировое изобразительное искусство. Был кумиром Сальвадора Дали, Генри Мура и других известных художников.

Французский живописец, выдающийся рисовальщик и скульптор, один из самобытных и виднейших представителей импрессионизма, хотя данный термин художник отвергал.Жанру скульптуры художник начал уделять больше внимания после того, как к началу 1970-х его зрение ухудшалось. Тематика этих творений повторяла излюбленные темы картин – женщины за туалетом, артистки балета, лошади и скачущие на них жокеи. Дега эти работы делал для себя, заменяя лепкой этюды, поэтому немногие изваяния доводил до конца, а экспонировал в своей жизни единственную - «Четырнадцатилетнюю танцовщицу», которая была раскритикована знатоками.Восковые фигурки (около 70), найденные наследниками в мастерской мэтра, были непрочными, и было решено увековечить их в бронзе, с которой сам Дега не работал никогда. Первые отлитые образцы появились в 1921 году, а оригиналы долгое время считались утраченными. Однако мастеру-литейщику удалось не повредить хрупкий воск, и в 1954 году в подвалах литейного цеха они были обнаружены.Все оригиналы, выставленные наследниками на аукцион, приобрел американский коллекционер Пол Меллон. Он подарил несколько работ Лувру, а самая большая коллекция – 52 статуэтки находится в Вашингтонской национальной галерее.Согласно договору с литейным заводом, каждая из восковых скульптур была воспроизведена примерно 20-25 раз – из почти 1500 копий многие выставляются в крупных музеях мира. К примеру, в Глиптотеке Копенгагена есть их полный набор, хотя спор о том, можно ли копии подписывать именем мастера, все еще продолжается.

Российский еврейского происхождения скульптор, художник, сценограф, теоретик искусства, работавший в разных странах Европы и долгое время – в США.Н. Габо - один из пионеров современной скульптуры. Вместо дерева, камня или бронзы он использовал новые промышленные материалы - акриловое стекло, пластмассы, нейлоновые нити. В его абстрактных пространственных построениях масса и объем – эти «краеугольные камни традиционной скульптуры» - оказались наполовину прозрачными, казались невесомыми даже при значительной массе. По-настоящему уникальной особенностью работы Габо является то, что он был вдохновлен не природой, а концепциями точных наук.Своими идеями о современной скульптуре Наум Габо как никто иной революционизировал общие представления о скульптуре и ее восприятии, заслужив место в каталоге «100 художников, от древней Греции до наших дней, которые сыграли значительную роль в развитии скульптуры, живописи и фотографии», изданном в США.Лидер мирового художественного авангарда, Н. Габо принадлежал и к группе российских конструктивистов (соратник Татлина, Малевича, Родченко), и к представителям немецкого Баухауза, а также был членом парижской группы «Абстракция», амстердамского «Стиля». Габо решительным образом повлиял на английскую новейшую скульптуру и был отмечен званием «Почётный рыцарь-командор ордена Британской империи». Кроме того, художник стал одним из первопроходцев в создании кинетического визуального искусства.

Русский скульптор-монументалист, мастер портретного жанра в мраморе и бронзе, профессор, автор теоретических трудов по монументальному искусству.Характер природного дарования позволил Вучетичу стать одним из самых выдающихся представителей «советского классицизма», чьи работы известны во многих странах мира. Он неоднократно удостаивался Гран-при международных выставок, его заслуги оценены шестью государственными премиями СССР, а также премией имени Дж. Неру.Скульптор награждался медалями и орденами (в том числе как участник Великой Отечественной войны), был Вице-президентом Академии художеств, стал Героем Социалистического Труда и Народным художником СССР. В своих работах Евгений Вучетич запечатлел наиболее значимые события в истории своей страны, образы его произведений символизируют военный и трудовой героизм народа. Такая тематика обусловила драматизм творений, всегда, тем не менее, носивших жизнеутверждающий характер.Наиболее значительными по масштабу являются скульптурные ансамбли в Берлинском Трептов-парке и на Волгоградском Мамаевом кургане. Скульптура «Родина-мать зовет» была вписана как самая высокая нерелигиозная статуя в мире в Книгу Рекордов Гиннеса.

Русский скульптор-монументалист, мастер портретного жанра, а также автор новаторской бытовой пластики - ваз, бокалов, статуэток из стекла.Скульптор, получившая образование и навыки у видных российских и парижских мастеров, тяготела к монументальному жанру и вводила в скульптуры некоторые приемы кубизма и футуризма. Прославилась впечатляющими монументами, главный из которых – «Рабочий и колхозница», за который автор удостоилась Гран-При на Международной выставке в Париже. Побеждала также на Венецианской биеннале.В разные годы художница была член художественных объединений «Монолит», «Четыре искусства», Общества русских скульпторов, «Бригада восьми», стала академиком и Народным художником СССР.В наследии ваятеля насчитываются десятки портретов героев войны, ученых, артистов, в которых реалистично и эмоционально запечатлен облик выдающихся людей. Вера Игнатьевна пять раз удостаивалась Государственной премии СССР за отдельные произведения, награждалась орденами и медалями не только своей страны. Она преподавала на скульптурных факультетах нескольких учебных заведений, была автором теоретических статей по монументальной скульптуре. Музей Веры Мухиной открыт в Феодосии, где она жила долгое время, в её честь назван кратер на Венере.

Румынский выдающийся скульптор мирового масштаба, большую часть своей творческой карьеры составивший во Франции. Является одним из главных художников-основателей стиля абстрактного ваяния и ярчайшим представителем парижской школы.Константин Бранкузи, имеющий в авангардном искусстве XX столетия мировое имя, привел скульптуру к революционному упрощению форм. И это было не простым упражнением в пластическом дизайне, а реальной интерпретацией ритма современной ему жизни. При этом мастер, работавший в камне, бронзе и дереве, демонстрировал высочайшее техническое мастерство. Через подчеркнутую формальность и кажущуюся бедность формы он выявлял внутреннюю красоту используемых материалов, освобождая ее от поверхностных проявлений. Доказательством того, что искусство Бранкузи не являлось пустой абстракцией, а было наполнено высоким содержанием, служит чрезвычайная популярность его работ и при жизни мастера, и в настоящее время. Пионер абстрактной скульптуры был широко известен в Европе, Америке, а также через своего почитателя и последователя И. Ногучи – в Японии, но никогда не забывал свои корни. Скульптор получал крупные заказы из Румынии, в том числе на парковые мемориалы.Наследие художника востребовано и в 21 веке. Несмотря на то, что скульптуры имели немалое количество авторских повторов и последующих отливок, они оцениваются на современном арт-рынке в десятки миллионов евро или долларов.В парижском Центре Жоржа Помпиду с момента его открытия есть отдельная комната со скульптурами Константина Бранкузи – автор завещал свои работы французскому народу.

Немецкий скульптор, гравер, график и писатель-драматург. Художник, работавший в фигуративном искусстве, считается ярким представителем позднего экспрессионизма, тесно связанным с традиционной готикой немецкого средневековья. Творчество Э. Барлаха с 1910-ых годов обрело большой публицистический размах. Он постоянно апеллировал к сознанию человечества, стремясь обнажить в работах остроту и глубину проблем современности. Ему присущи, как и экспрессионизму в целом, высокие духовно-этические идеалы.Бертольт Брехт, причисляя Э. Барлаха к величайшим скульпторам, когда-либо работавшим в стране, оценивал произведения следующей формулой: «Красота без приукрашивания. Величие без морализаторства. Гармония без лоска. Сила жизни без жестокости». В 1930-1931 годах к 60-летию мастера прошли крупные выставки в городах Германии, в Эссене, Венеции, Нью-Йорке, Цюрихе, Париже. Факт такого широкого признания не помешал нацистам устраивать травлю на художника, ставшего «внутренним эмигрантом». Он продолжал творить вещи, вызывавшие ненависть у властей и фундаменталистски настроенной публики.Его пьесы запрещались к показу, скульптуры изымались из общественных коллекций и уничтожались как «вырожденческое искусство». В прессе писалось «надеемся, что все следы его ужасающих произведений будут убраны», самого скульптора называли не иначе как «антинемцем» и «полуидиотом». Однако Барлах, отказавшись от членства в Академии искусств, решил не уезжать из страны, до конца отстаивая право на свободное творчество.В послевоенное время в обоих немецких государствах были созданы музеи Барлаха – в городе Гюстрове ( ГДР) и в Гамбурге ( ФРГ). Вблизи Гюстрова было сооружено отдельное музейное здание, где хранятся около 400 скульптур, около 2 тыс. набросков и рукописей творца. Активно действующим является «Общество Эрнста Барлаха».

Украинский художник и скульптор-новатор и с мировым именем, яркий представитель кубизма и абстракционизма в скульптуре и живописи, работавший во Франции, Германии и большую часть творческой карьеры - в США.Работы А. Архипенко перевернули устоявшиеся представления о скульптуре, показали возможность составлять единое из неэквивалентных различных форм, вводить в одну композицию стекло и дерево, металл, ткани и бумагу. Выраженная конструктивность и одновременно лиричность, необыкновенная пластичность в передаче движения - основные качества творений художника и скульптора.Произведения Архипенко, высоко оцененные его современниками Пикассо и Дюшаном, Леже и Родченко, Делоне и Грисом, пользовались неизменным вниманием, вызывали позитивные отклики в прессе и монографиях. Художник-новатор провел за более полутора сотен персональных выставок, имел и имеет немало и последователей, и исследователей.Художник щедро делился своим неординарным видением на визуальное творчество – его частные студии в Париже, Берлине, разных городах Америки, а также лекции и мастер-классы, с которыми он ездил по городам, посещали тысячи начинающих и маститых ваятелей и живописцев.Никогда не терял связи с соотечественниками – был членом Украинского студенческого клуба в Париже, в Берлине - членом Украинской Громады, в США входил в Ассоциацию украинских художников, в Украинскую академии искусств и наук, работал в Украинском институте США. Он создал четыре бюста Т. Шевченко (один установлен в Парке национальностей в Кливленде), портреты И. Франко, украинских общественных деятелей. В советской Украине имя Архипенко не упоминалось до оттепели 1960-ых, 5 произведений из Львовского музея были уничтожены в 1950-ых, как и 22 творения из музеев Германии в 1930-ые.

Известнейший английский скульптор, одна из наиболее значительных фигур в искусстве Великобритании 20-го столетия. Барбара Хепуорт работала в то время, когда женщины-художницы, а тем более скульпторы, были редкостью. Она, наряду со своими современниками Беном Николсоном и Генри Муром, оказала огромное влияние на развитие современного британского искусства в целом, и абстрактной скульптуры в частности.Любимыми материалами Хепуорт были дерево и камень, из которых с помощью техники вырезания она создавала биоморфные абстрактные композиции. Художница разработала принцип «полой формы» и впервые создала сквозную скульптуру, которая широко применяется многими ваятелями современности. Свои неординарные и загадочные образы Хепуорт согласовывала с окружающим пространством и придавала им сходство с натуральными формами и линиями. Работам скульптора присуща особая ритмичность, заложенная законами самой природы.Вместе со своим супругом Беном Николсоном Барбара Хепуорт была лидером колонии художников Сент-Ивз, где она проживала с начал Второй мировой войны и до самой своей смерти. Она также была одним из основателей арт-движения «Unit One», участниками которого были авангардные художники и скульпторы, и которое смогло объединить сюрреализм и абстракцию в британском искусстве.

Знаменитый американский художник и скульптор, произведения которого украшают площади и скверы городов США, Европы и Латинской Америки. Сын и внук скульптора, Александр Колдер, получил образование инженера и применил свои знания в области скульптуры, что позволило ему создать совершенно оригинальный, новаторский подход к этому виду искусства.Колдер стал известен во всем мире как изобретатель «проволочной скульптуры». Отказавшись от традиционных тяжелых материалов – глины, гипса и бронзы, он создал воздушные конструкции, в которых форма предмета передается очень упрощенно и схематично. Его статуэтки из проволоки напоминают рисунок карандашом в пространстве и поражают лаконичностью и изяществом исполнения.Еще одно изобретение скульптора - так называемые «мобили» - динамичные конструкции, которые приводятся в движение с помощью силы ветра, законов земного притяжения, а в некоторых случаях электрическим двигателем. Эти произведения являются полностью абстрактными и имеют небольшие размеры, в отличие от более устойчивых и монументальных «стабилей» скульптора, которые прекрасно дополняют городской урбанистический пейзаж. Одним из самых известных и масштабных творений Александра Колдера является работа «Человек», расположенная в центре Монреаля.

Выдающаяся польская художница, скульптор, реформатор искусства гобелена. По фамилии художницы получили название текстильные скульптурные формы абаканы. Крупные грубофактурные произведения поражали своим видом, напоминая зрителю органические многократно увеличенные структуры. Новизну техники и сюжетных замыслов М. Абаканович мировое арт-сообщество высоко оценило уже в первой половине 1960-ых, удостоив художницу главных наград международных биеннале.Та значительная свобода, что предоставляла польским художникам возможность поездок в западные страны, способствовала развитию уникального таланта Магдалены Абаканович. Она бывала в Париже и Венеции, Мюнхене и Нью-Йорке, участвуя в художественных событиях за пределами Восточного блока и получая инъекции другого искусства, сильно отличающегося по форме от принятого в Польше соцреализма.Абаканович всегда подчёркивала метафоричность работ названиями, поскольку все ее произведения - результат размышлений «об обстоятельствах, формирующих различные состояния человека», отражение также её личной жизни со своей историей страхов и страданий.Как определила искусствовед Д. Врублевская, «в основе искусства М. Абаканович лежит биология. Но она - творец, поэтому человека исследует через форму и пользуется в своих исследованиях инстинктом». Неослабевающую изобретательность Абаканович определяет ее творческое кредо: «Не люблю принципов и правил. Это враги фантазии».Художница удостаивалась очень многих престижных наград, ее работы украшают города Европы, Японии, США, Израиля, Южной Кореи – во многих из них она выступала с лекциями и мастер-классами.

Самый известный и значимый английский скульптор послевоенного времени, один из основоположников модернистской британской скульптуры. Г. Мур существенно повлиял на постепенное превращение британской скульптуры из провинциальной в авангардную, не только соответствовавшую европейским понятиям о современном искусстве, но и внесшую в нее собственные темы и средства пластического выражения.Мировую известность Муру принесли его скульптуры, предназначенные для открытого пространства, которые установлены во многих крупных городах по всему миру. Эти произведения, изображающие главным образом полуабстрактные человеческие фигуры, впечатляют гармонией форм и музыкальностью плавных, извилистых линий. Они раскрывают извечные темы красоты природы и привлекательности женского тела, духовной близости мужчины и женщины, беззаветной любви матери к своему ребенку – всего того, что делает наш мир прекрасней.Свои произведения скульптор предпочитал вырезать из целого куска дерева или камня, и только в позднем периоде своего творчества стал использовать гипс и бронзовое литье. Помимо скульптуры Г. Мур известен как прекрасный рисовальщик. Наиболее значимыми его работами были впечатляющие изображения граждан Лондона, укрывающихся на станциях метро во время нацистских бомбежек.

Выдающийся французский скульптор, художник, рисовальщик и педагог. Проработав 15 лет в мастерской Огюста Родена, сначала как его помощник и ученик, а потом как равноправный коллега, Антуан Бурдель стал влиятельной фигурой в европейском арт-сообществе.Парижскую мастерскую-студию А. Бурделя посещали такие ученики, как Аристид Майоль, Вера Мухина, Альберто Джакометти, ставшие выдающимися скульпторами, а также художники Анри Матисс, Вадим Меллер и десятки других.О выдающемся таланте скульптора говорит большое количество полученных им крупных заказов на монументальные сооружения национального значения и немалое число работ, выполненных для столиц и городов разных стран мира.Не возражавший против многократного тиражирования своих самых выдающихся работ мастер представлен в музеях мира прижизненными отливками фигур и композиций из бронзы, а также повторами более поздних лет.Художник стал полным кавалером наград Ордена Почетного Легиона Франции, был основателем и вице-президентом «Салона Тюильри» в Париже. Он оставил потомкам портреты таких выдающихся людей, как О. Роден, Г. Эфель и др.Дом с мастерской в Париже, в котором скульптор жил и работал с 1884 года до конца жизни, стал художественным Музеем, где находится множество готовых работ, а также эскизы к ним, выполненные в терракоте, глине и гипсе. К музею прилегает сад, также ставший местом экспонирования скульптур Антуана Бурделя. Второй сад-музей скульптора открыт в Égreville стараниями наследников и экспонирует 56 работ мастера.

Испанский (каталонский) живописец и скульптор, чье творчество оказало огромное влияние на целое поколение художников-модернистов. Произведения Жоана Миро относятся к самым ранним сюрреалистическим работам. Они послужили основой для дальнейшего формирования и развития стиля, пользующегося чрезвычайной популярностью и по сей день.Жоан Миро пробовал себя в различных модернистских и авангардистских течениях европейской живописи, но никогда не останавливался на одном из них окончательно, постоянно совершенствуя и обогащая свой художественный метод, экспериментируя с разными техниками и способами живописи. Результатом этих опытов стал собственный живописный язык мастера, основанный на сюрреальном мироощущении. Именно это позволило художнику переосмыслить основные принципы изобразительного искусства в соответствии с собственным оригинальным видением окружающей действительности.Уникальный мир Жоана Миро полон неповторимых образов и символов. Они представлены в виде чистых пластических знаков, расположенных в пустом пространстве, но не являются полностью абстрактными, а скорее напоминают наивное искусство или рисунки детей. Картины Миро состоят из геометрических, правильных или неправильных фигур, танца извилистых линий и мелких деталей, имеющих мистическое значение и создающих непередаваемую атмосферу каждой работы.

Итальянский художник, выдающийся представитель второй волны футуристического направления в живописи, один из первых сюрреалистов в стране. Энрико Прамполини был необычайно одаренным человеком, проявившим свой талант во многих отраслях искусства. Современникам он был известен как театральный сценограф и дизайнер, а также архитектор, написавший несколько фундаментальных трудов в этом направлении. Вместе с Джерардо Доттори художник работал в стиле аэроживописи, создавая работы, построенные на ощущении полета, особенностях воздушной перспективы и скорости.Прамполини был одним из авторов «Манифеста механического искусства», который провозглашал господство машин в мире будущего и тесную связь новых технологий с живописью. Художник считал, что современное творчество должно основываться на использовании механических элементов из мира промышленности. В своих работах он воспевает слаженность и ритм, присущий работе механизмов.Искусство художника развивалось в тесном контакте с авангардными течениями Европы. Прамполини был близко знаком с парижскими кубистами, а также принимал активное участие в работе немецкого движения Баухаус. Являясь сторонником абстрактно-геометрического построения композиции, что характерно для итальянского футуризма, Прамполини постепенно переходит к полной абстракции, включающей элементы сюрреализма.

Белорусский живописец, график, иллюстратор и сценограф еврейского происхождения, мастер прикладного и монументального искусства 20 столетия. Марк Шагал стал одним из самых узнаваемых на международном уровне творцов. Когда многие из его соратников-сверстников проводили амбициозные эксперименты, часто ведшие к абстракции, он свято верил в силу образного искусства, которое поддерживал своим творчеством.Несмотря на воспринятые авангардистские идеи, он оставался романтиком. Родившись в Белоруссии, Шагал работал в России, во Франции, где сразу стал видной фигурой в «Эколь де Пари», позже - в Соединенных Штатах и на Ближнем Востоке. Путешествия подтверждали его имидж архетипического «странствующего еврея», считавшего, что искусство уничтожает границы и сословия.Влияние Марка Шагала столь же обширно, как и количество стилей, которые он ассимилировал в своем искусстве. Никогда полностью не соглашаясь с каким-либо одним движением, он переплел многие из визуальных элементов кубизма, фовизма, символизма и сюрреализма в свою лирически эмоциональную эстетику с неизменным присутствием еврейского и славянского фольклора.Шагал, как и Пикассо, - яркий пример современного художника, который оставил огромное наследие - живопись (как маслом, так и гуашью, акварелью), фрески, травление, витражи, керамические изделия, театральные декорации и костюмы.

Итальянский художник, архитектор, скульптор, искусствовед. Работал по большей части в Милане и Риме. Творчество Марио Сирони испытало несколько кардинальных изменений на протяжении долгой карьеры. Наибольший вклад художник внес в движение футуризма, обогатив и дополнив его собственными оригинальными находками, а также в метафизическую живопись, став ее ярким и оригинальным представителем. Он был также одним из создателей стиля «новеченто», старавшимся сменить разнообразие модернистских течений более рациональным «возвращением к порядку».Марио Сирони – мастер индустриального пейзажа, тонко чувствующий ритм и атмосферу своей эпохи. Его картины отличаются сумеречным настроением и темными тонами, резко контрастирующим с яркими и восторженными полотнами футуристов. Пользуясь довольно ограниченной палитрой, Сирони, благодаря его чувству цвета и формы, удалось создать уникальную атмосферу отчуждения и пустоты современного мира.Как и многие его коллеги, художник поддерживал фашистский режим и выполнял настенные росписи и мозаики по заказу правительства. С падением режима Муссолини он пережил большое потрясение и разочарование, что негативно отразилось на творчестве, однако он продолжал активно заниматься живописью до конца своих дней.

Итальянский художник и скульптор, представитель второй волны футуризма и выдающийся участник движения аэроживописи. Известен своими реалистичными работами, которые сочетают скорость, воздушную перспективу и механическую эстетику войны.Имя Туллио Крали неразрывно связано с темой самолетов, к которой он многократно обращался в своем творчестве. Совершив первый свой полет в 1928 г., художник навсегда влюбился в небо и мощный рев машин, задался целью донести до зрителя этот впечатляющий опыт с помощью живописи.К движению футуризма Крали примкнул в возрасте 19 лет, и, несмотря на молодость, сыграл значительную роль в его развитии. В начале карьеры художник изображал военные самолеты, воспевая эстетику воздушного боя и романтизируя действия итальянских воздушных сил. После окончания Второй мировой войны Крали остался верен эстетике футуризма. Более поздние его работы сосредоточены на передаче полного погружения в воздушное пространство с точки зрения пилота. Произведения Т. Крали отличает головокружительная перспектива и выразительная динамика. Его вклад в искусство представляет собой не только живопись, но и объемные автобиографические труды, раскрывающие особенности футуристического изобразительного искусства.

Самый знаменитый чилийский художник, скульптор и архитектор, лидер латиноамериканского модернистского искусства. Роберто Матта работал в стиле сюрреализма и был близким другом и сподвижником Сальвадора Дали, с которым их объединяла идея бессознательной живописи и свободного потока творчества без вмешательства интеллекта и какой-либо системы.Искусство художника является поистине международным. Родившись в Чили и поживший чуть ли не во всех столицах Европы, а также в США, Матта объединил в своем творчестве самые различные художественные тенденции. Он никогда не ограничивался одним стилем, манерой и материалами, являясь художником-новатором, не устающим делать эксперименты. Его уникальный стиль оказал существенное влияние на развитие такого популярного направления как абстрактный экспрессионизм.Наиболее известными среди обширного творческого наследия художника являются сюрреалистические картины из цикла «Психологическая морфология», которые демонстрируют искусственную реальность, наполненную метафорами и символическими фигурами. В 1940-х годах Матта отвлекается от изучения собственного подсознания и обращается к социальным темам. В серии работ под названием «Социальные морфологии» он изображает сложные механические объекты и искаженные человеческие формы, символизирующие несправедливость и ужасы войны.

Украинский художник, крупный представитель и один из ведущих теоретиков украинского художественного авангарда начала 20 столетия. Александру Богомазову обычно сопутствует эпитет «украинский Пикассо», но сам он свою работу в статье «Живопись и Элементы» трактовал как кубофутуризм, уделяя большое внимание ритмической составляющей работы.В искусствоведении мастер мирового уровня характеризуется как самый последовательный из кубофутуристов, наиболее гармонично объединивший в своих работах идеи итальянского футуризма со стилистикой французского кубизма и орфизма. К тому же именно он теоретически обосновал синтез этих направлений.Богомазов был видным деятелем культуры, реформировавшим систему художественного образования страны. Как талантливый педагог он много лет преподавал в разных школах искусств, в Институте пластических искусств (переименован в 1924 году в Киевский художественный институт).Имя Александра Богомазова было из истории искусства вычеркнуто на 30 с лишним лет по причине усиленной борьбы с формализмом. Внимание к «арестованному» наследию возобновилось только в 1960-е гг. Картины выдающегося авангардиста экспонируют европейские и американские галереи и музеи.

Румынский живописец и скульптор еврейского происхождения, главный представитель авангарда этой страны в первой половине 20 столетия и в послевоенный период. Значительную часть творческой карьеры художник сделал во Франции. Хотя Виктор Браунер после его ранних постимпрессионистских и экспрессионистских опытов внес вклад в каждое авангардное движение, большая часть его творчества вписывается в концепцию сюрреализма.Активный в культурной жизни своей страны художник пытался развивать авангардистские движения – основал в Бухаресте издание журнала «75 НР», написал «Манифест пиктопоэзии», организовывал выставки дадаистов и сюрреалистов. Однако угроза попасть в застенки нацистов заставила художника поселиться во Франции.Браунер был активным и влиятельным участником объединения сюрреалистов, возглавляемого Андре Бретоном, но его творчество, считают специалисты, стояло особняком благодаря необузданной фантазии и, главное, серьезному увлечению эзотерическими идеями и аутентичным искусством разных народов мира. Это направление стало особенно выделять художника после того, как он потерял глаз – тот самый, который он изобразил выбитым на своем автопортрете за семь лет от самого события. Виктор Браунер был участником крупных сюрреалистических выставок, а в 1966 году (в год его смерти) был выбран для представления Франции на Венецианской биеннале. На Могильной плите кладбища Монмартр он завещал сделать надпись: «Живопись - это жизнь, настоящая жизнь, моя жизнь».

Американский художник и скульптор, значительная фигура современной живописи и ваянии, один из самых коммерчески успешных мастеров изобразительного искусства 20-го века. Джаспер Джонс выразил идею о том, что искусство может быть понятным и близким для каждого человека, а не только для избранных ценителей.Отказавшись от принципов абстрактного экспрессионизма, туманных и далеких от народа, он использовал в своих произведениях общеизвестные вещи, символы определенного явления, идеи или просто каждодневной привычки. Самой яркой работой этого направления является картина «Американский флаг» - узнаваемый и знакомый каждому государственный символ, который художник превратил в живописное полотно.Имя Джаспера Джонса часто упоминается вместе с другим художником, его близким другом и соратником, Робертом Раушенбергом. После того как Джонс познакомился с ним, его стиль претерпел значительные изменения, а идеи реализовались в оригинальные и по-настоящему новаторские работы.Использование художником простых предметов, например, банок из-под пива, которые он сделал произведением искусства, роднит его творчество с концептуальным подходом к изобразительному искусству. Своими произведениями художник сознательно нарушил границы, разделяющие искусство и повседневную жизнь, что и положило начало движению поп-арт, чрезвычайно популярному в США во второй половине 20-го века. По состоянию на 2010-е гг. живет в Коннектикуте, считается самым дорогим из здравствующих художников.

Русский живописец, скульптор, график и сценограф еврейского происхождения, соединивший в своём самобытном творчестве черты русского модерна и авангарда. Один из самых известных и выдающихся художников театра на идише. Почти десятилетие, проведенное во Франции, не сделало его членом Парижской художественной школы, а последние двадцать лет творческой карьеры Роберт Фальк, обвиненный в формализме, практически не выставлялся и на родине. Однако станковой живописью продолжал заниматься «для себя». Он демонстрировал свои работы приватным образом как представитель неофициального искусства, вдохновителем которого он в молодости стал. Поддерживал целую плеяду молодых художников, посещавших его мастерскую.

Украинский художник еврейского происхождения, продолжительное вемя живший и работавший в России. Был мастером портрета, графиком-иллюстратором, скульптором и театральным художником. Крупный художник-авангардист, стоявший у истоков русского кубизма, член таких значимых творческих группировок, как "Мир искусства", "Союз молодежи", один из основателей "Еврейского общества поощрения художеств". Был удостоен в 1968 году звания заслуженного художника России.

Испанский художник, скульптор и поэт, выдающаяся фигура испанского сюрреализма, стоящая в ряду с Сальвадором Дали и Жоаном Миро. Оскар Домингес – неоднозначный и противоречивый художник, чья жизнь закончилась трагически. В детстве он переболел акромегалией, вследствие чего у него начались прогрессирующие деформации костей лица и конечностей. Нестандартная внешность Оскара вызывала глубокие душевные переживания, которые отразились во многих его работах, особенно автопортретах.Картины испанского живописца отображают события его жизни и зачастую носят провокационно-шокирующий характер. Они показывают все то, что обычно прячется глубоко в подсознании и считается общественной моралью грязным и непристойным. Домингес часто использовал метод искажения объектов и прибегал к сопоставлению несовместимых вещей, создавая в своих картинах странную и жутковатую атмосферу.Художник известен также как автор популярного среди сюрреалистов метода декалькомании. Суть этого приема состоит в хаотичном нанесении толстого слоя красок на поверхность с последующим наложением на нее второго листа, вследствие чего получается причудливый отпечаток. Своими непредсказуемыми эффектами декалькомания подавала новые идеи художникам и пробуждала их воображение. Этот метод Андре Бретон включил в свой знаменитый «Справочник сюрреализма», признав таким образом большой вклад Домингеса в общее дело утверждения данного направления.

Немецкий представитель авангардизма – видный художник, скульптор, мастер монументальной росписи, а также хореограф, театральный оформитель и теоретик искусства. Около 10 лет работал в знаменитой художественно-промышленной школе Баухауз (Bauhaus, Веймар), разработав обучающий курс «Der Mensch» (Человек), который построил на синтезе приемов нескольких художественных дисциплин и разных стилей. Оскар Шлеммер внес значительный вклад в искусство сценографии, выполнив оформление и поставив хореографию для нескольких опер и балетов. Искусство художника было отнесено к списку «дегенеративного», ему было запрещено заниматься творчеством и преподавать в художественных школах.

Американский художник и график еврейского происхождения, уроженец Белоруссии. Создавал свои произведения в таких различных стилях, как реализм (мистический и социальный), пуризм, кубизм и сюрреализм.Зрелый период работы Питера Блюма пришлись на время, когда в американском искусстве уже расцвел реализм как последствие изоляционистских и этноцентрических настроений после Первой мировой войны. Особенно это направление утвердилось в эпоху Великой депрессии, начавшейся в 1929 году. Однако форма особого реализма Блюма была не слишком близка к установленным канонам сюрреализма – художник основывался на собственных наблюдениях и был приверженцем живописных приемов Ренессанса и Северного Возрождения. П. Блюм неоднократно выигрывал первые премии на выставках и был награжден стипендией Гуггенхайма, благодаря которой смог более года учиться в Италии.Художник пользовался покровительством семейства Рокфеллеров – в частности, дружил с основателем Нью-Йоркского музея современного искусства Эбби Олдричем Рокфеллером и первым директором заведения Альфредом Барром, а также со знаменитым коллекционером и покровителем авангардистов Эдгаром Дж. Кауфманном, который покупал картины и предоставлял заказы.Многие из написанных во время и после Второй мировой войны произведений художника имеют острое политическое и общественное антифашистское звучание. Яркий пример - сюрреалистическое полотно «The Rock» (закончено в 1948 г.), посвященное мировой трагедии.Картины уроженца Белоруссии входят в коллекции крупнейших музеев США и высоко ценятся на арт-рынке.

Английская художница и писательница-сюрреалист с интересной и сложной судьбой, прожившая в Мексике около семидесяти лет. Дочь богатых английских аристократов, Леонора Каррингтон с детства отличалась строптивым характером и стремлению к независимости. Она была исключена из нескольких школ, пока не начала учиться живописи в художественной школе в Челси, а в возрасте двадцати лет познакомилась с известным художником Максом Эрнстом и сбежала с ним в Париж.Во время войны художница вынуждена была скрываться от нацистских властей. Она пережила заключение в психиатрической лечебнице и фантастический побег из нее при помощи няни, прибывшей на подводной лодке. Настоящее счастье и уверенность в завтрашнем дне Леонора Каррингтон приобрела лишь в Мексике, куда эмигрировала, оформив фиктивный брак.Художница была одной из ярких фигур сюрреализма. Ее живопись отличается очень личностным, индивидуальным художественным языком. Она наполнена фантастическими сюжетами и символичными фигурами, происхождение которых берет свои истоки в кельтской и центрально-американской мифологии, сновидениях и человеческом подсознании. Прекрасно сочетающийся со своеобразным гротескным юмором и смелостью самовыражения, сказочный мир Леоноры Каррингтон раскрывает необычное в обыденных вещах и является подлинным выражением философии сюрреализма.

Выдающийся английский художник и скульптор, знаток и коллекционер произведений искусства, преподаватель, публицист. Роланд Пенроуз является одной из ключевых фигур Британского сюрреалистичного движения, а также основателем Института современного искусства в Лондоне, который являлся центром авангардной культуры страны. Долгое время художник был куратором в знаменитой галерее Тэйт и многое сделал для того, чтоб познакомить соотечественников с передовыми художественными направлениями Европы.Творчество британского художника по большей части представляет собой либо коллажи, либо живописные работы, выполненные в стиле коллажа. В своих произведениях художник часто использовал туристические открытки с изображением известных мест или памятников архитектуры, соединяя их в различных комбинациях, и создавая собственное оригинальное видение известных на весь мир объектов. Неожиданное соединение несовместимых вещей – главная идея искусства Пенроуза, которая находит свое отражение, как в его полотнах, так и в скульптуре.Имя Роланда Пенроуза часто упоминается в связи с его книгой «Пикассо: Жизнь и творчество», которая является одним из наиболее достоверных источников информации о великом художнике, с которым автор был дружен многие годы. Кроме этого труда, Пенроуз издал также монографии о своих современниках, среди которых Жоан Миро, Антони Тапиес и Мэн Рэй.

Иван Васильевич Клюн (настоящая фамилия — Клюнков) - русский художник-авангардист, теоретик искусства, яркий представитель нескольких новейших течений, в том числе супрематизма – особого ответвления русского абстракционизма в первой половине XX столетия.Соратник и друг, а также последователь К. Малевича, остававшийся в его тени и даже несправедливо считавшийся «авангардистом второго ряда», был одним из мастеров, наиболее самобытных как в кубофутуризме, так и в супрематизме. Лучшие его работы, без сомнения, родственные геометрическим абстракциям автора «Черного квадрата», по живописи более свободны, богаты на игру света и тени, прихотливы по иррационализму форм, порой доводимых автором до сверхвыразительного минимума. Эти качества привлекли знатока и коллекционера Георгия Костаки, благодаря которому произведения мастера сохранились и впоследствии стали известны. Костаки, выезжая в Грецию, вынужден был подарить стране часть своего личного собрания – работы Клюна, таким образом, оказались в Третьяковке и других главных коллекция СССР.Иван Клюн был активным участником культурной жизни «футуристических» столиц России, экспонентом всех значимых авангардных выставок, членом-учредителем объединений «Московский салон», «Супремус», автором нескольких теоретических трактатов, участником более поздней группировки «Четыре искусства».

Австрийский еврейского происхождения живописец и рисовальщик, гравер и скульптор, архитектор и сценический дизайнер, мастер монументальной росписи и книжной иллюстрации, а также композитор и поэт. Эрнст Фукс был одним из основателей знаменитой Венской школы фантастического реализма, создателем и активным деятелем венского Арт-клуба и объединения «Hundsgruppe».Мировую славу художник приобрел, работая во Франции, Германии, США, Израиле, Испании. Эрнст Фукс в 1993 году одним из первых западных художников удостоился чести провести большую ретроспективную выставку в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге, позже показ состоялся в Государственной Третьяковской галерее в Москве. Мастер, открывавший свои выставки, отметил, что «одно из самых высоких проявлений искусства – это древнерусская живопись».Художник, восхищавший работами своего друга С. Дали, приобрел и реставрировал Виллу О. Вагнера в Хюттельдорфе, в которой организовал в 1988 году музей Эрнста Фукса. Он является в настоящее время одним из крупных культурных центров Австрии и представляет зрителю самую большую коллекцию картин мастера, взявшего псевдоним Fire-Fox.Живопись Эрнста Фукса — это мистификация и диссонанс, вызов обществу (особенно в жанре ню), но в то же время это непрерывный и творческий диалог со старыми мастерами. Необычайно яркий и плодовитый австрийский художник оставил богатейшее творческое наследие в различных жанрах искусства - от рисунков удивительного мастерства и архитектуры до литературы и музыки.

Вильгельм Фредди (Кристиан Фредерик Вильгельм Карлсен) - датский художник, скульптор, режиссер, считающийся пионером сюрреализма не только в своей стране, но и во всем скандинавском изобразительном искусстве. И это несмотря на то, что художник был практически самоучкой. Первоначально Вильгельм Фредди работал как художник-абстракционист, но затем отошел от нефигуративной живописи и обратился к более реалистичному направлению сюрреализм. В ряде живописных работ художника критиковался нацизм и фашизм (прежде всего его «Медитация» 1936 года), и в результете он был официально лишен возможности посещать Германию, а позже был вынужден в искать убежища в Швеции, где жил до начала 1950-ых годов.Некоторые из произведений В. Фредди были весьма смелыми по сюжету и противоречивыми по смыслу, поэтому в довоенные годы и первые два десятилетия после войны считались порнографическими. Это приводило к закрытию выставок, аресту автора, неоднократной конфискации работ. Их художественные достоинства были впоследствии признаны, и государственные галереи и музеи Дании и других стран стали приобретать работы мастера в свои коллекции.Историки искусства справедливо полагают, что первым среди скандинавских сюрреалистов должен быть назван датчанин Вильгельм Фредди, отмеченный в 1970 году высшей наградой Академии художеств – медалью Торвальдзена. Он был одним из немногих сюрреалистов, чьи работы наполнены не просто фантазиямии, но и глубоким идеологическим и моральным содержанием.

Испанская художница-сюрреалистка и скульптор, которую специалисты относят к очень значительным и незаслуженно малоизвестным живописцам 20 столетия. Соученица Сальвадора Дали, член арт-группы Logicophobiste (Барселона) имела уникальный стиль - безусловно, свой собственный взгляд на моральные аспекты и механику жизни. Ее произведения полны тонкого остроумия и загадочности, а тематика работ мотивирована исследованиями древности и литературных источников, к также физикой и математикой, инженерией и биологией в сочетании с психоанализом.Спасаясь от режима Франко, феминистка и анархистка Варо, имевшая республиканские связи, переехала в Париж, но во время Второй мировой войны эмигрировала в Мексику. Уникальный стиль художницы сочетает в себе фрагменты подсознательного, мистического начала и глубокого понимания человеческой души. Он берет свои истоки в атмосфере средневековья, искусстве Босха, научных теориях и эзотерической литературе. Свои главные произведения Варо выполнила во второй половине жизни, а всемирную славу приобрела уже после своей смерти.Картины художницы аллегоричны и наполнены глубоким смыслом. Они заставляет зрителя задуматься о природе Вселенной и тайнах бытия, скрытых в простых, обыденных вещах. Удивительный мир Ремедиос Варо привлекает своей лиричностью, подчеркнутой женственностью, парадоксами реальности, которые художница без устали создает в каждой своей картине.Магия и мистика работ Ремедиос Варо, во многом перекликаются с произведениями ее близкой подруги, англичанки Леоноры Каррингтон, которая, так же как и Варо, эмигрировала из раздираемой войнами Европы в относительно спокойную Мексику. Вместе женщины организовали кружок сюрреалистов, в творчестве которых присутствуют и влияния местной культуры, в частности настенной росписи «мурализм», которая являет собой смесь авангардных течений с искусством индейцев Южной Америки.

Австрийский художник-сюрреалист, теоретик искусства, скульптор и поэт, автор нескольких философских трудов, работавший в Мексике и США.Вольфганг Паален был выходцем из богатой немецко-австрийской семьи, и его детство прошло в старинном замке, выкупленном и реставрированном его отцом. Царившая там атмосфера Средневековья, древние сказания и легенды местных жителей наложили существенный отпечаток на личность будущего художника.Паален был членом группы художников-абстракционистов «Абстракция-Творение», а позже стал одним из выдающихся деятелей сюрреалистического движения, выступая организатором и дизайнером их выставок, как в Европе, так и в США. По приглашению Фриды Кало он переехал в Мексику, где основал собственный сюрреалистический арт-журнал DYN, имевший большое влияние на авангардное искусство страны.В своем творчестве Вольфганг Паален стремился соединить абстрактное искусство с обращением к подсознанию и символическим элементам. Он разработал свою личную модель сюрреалистического выражения, представленную в виде загадочного, потустороннего пейзажа, пронизанного мистикой и насыщенного таинственными образами космического происхождения.Абстрактные полотна художника и его теоретические статьи оказали большое влияние на развитие абстрактного экспрессионизма, который стал ведущим направлением в США во второй половине 20 столетия.

Польский художник, мастер художественной фотографии, а также компьютерной графики. З. Бекшинский - яркий представитель позднего сюрреализма, первоначально создававший скульптуры и проволочные инсталляции. Сконцентрировавшись на живописи, художник обратился к абстракции, но быстро перешел к фантастическому сюрреализму. К этому стилю относятся его самые известные произведения, тематика которых - сцены смерти, распада, постапокалиптического ужаса.С 1970-ых годов у художника сложилась характерная манера передачи сюрреалистических картин-страшилок с повторяющимся пристрастием к изображению искаженных тел без лиц или конечностей, многоногих и многоруких монстров, часто замотанных в истлевшие тряпки. Если художник писал архитектуру или интерьер – это были руины, окутанные мрачным туманом, покрытые паутиной дома, кресты, надгробия. Таким образом, большинство работ Бекшинского трудно перепутать с творчеством других сюрреалистов. Своим впечатляющим кошмарам художник названий никогда не давал, предоставляя зрителю возможность самому доходить до сути произведения. После варшавской выставки 1964 года, когда все полотна живописца были раскуплены, практически все вернисажи Здзислава на родине проходили с огромным успехом. В начале 1980-х годах произведения польского оригинального мастера стали известны во Франции, затем серьёзный размах популярности достиг Западной Европы, Японии и США.Бекшинский завещал свое художественное наследие Историческому музею города Санока, где он родился. В этом музее сейчас самая большая коллекция произведений художника - несколько тысяч картин, скульптур, рельефов, рисунков, графики, фотографий.

Американская шведского происхождения художница, в течение тридцати лет работавшая со своим супругом М. Эрнстом во Франции. Яркая представительница сюрреализма Доротея Танниг известна в Европе и США не только как живописец, но и как скульптор и график, книжный оформитель и сценограф, а также автор значимых литературных трудов.Все творчество Д. Таннинг - от живописи и скульптуры до поэзии - оказало глубокое влияние на последующие поколения художников. Исследования и образцы т.н. «женской формы искусства» постоянно использовались членами феминистского движения. Наряду с другими женщинами-сюрреалистами, Tanning предоставила необходимую активную модель для женщин, также пытающихся освободиться от ограничительных взглядов и стать независимыми художниками. Примечательно, что ее эксперименты в скульптуре повлияли на творческую карьеру Луизы Буржуа, а затем и Сары Лукас, проявлявших такой же интенсивный интерес к базовым психоделическим идеям сюрреализма.100-летний юбилей художницы отмечался многочисленными выставками по всему миру, в частности, ранние проекты для сцены – в Drawing Center in New York, живопись - в Galerie Bel'Art, Stockholm, Sweden, экспозиция «Happy Birthday Dorothea Tanning» - в музее Макса Эрнста в Сеяне, Франция.Картины и скульптуры Доротеи Таннинг представлены в ведущих музеях и галереях Европы и США, высоко оцениваются на арт-аукционах.

Грузинский художник, график и мастер сценографии, а также историк искусства, изобретатель и педагог. Давид Какабадзе был новатором не только в области изобразительного искусства, но и в кинематографии, запатентовавшим пленочный аппарат для объемной съемки. Его художественное творчество отмечено любовью к различным европейским новейшим течениям и характеризуется как приверженностью к национальным темам и традициям, так и самобытной интерпретацией авангардных живописных тенденций 20 столетия. Художник оставил богатое художественное наследие. Самая большая коллекция картин принадлежит национальным музеям и галереям Грузии.

Американский художник и скульптор итальянского происхождения. Энрико Донати считается последним из сюрреалистов, прожившим долгую и плодотворную жизнь, насыщенную творческими экспериментами и достижениями.Свою карьеру в области изобразительного искусства художник начал довольно поздно. Он пробовал себя в музыке, сочиняя авангардные композиции на Монпарнасе, проявлял интерес к антропологии и участвовал в экспедиции по изучению культуры древних индейцев, занимался коммерческой деятельностью, и лишь в возрасте 30-ти лет всерьез взялся за кисть. Решив посвятить свою жизнь живописи, Донати примкнул к кругу сюрреалистов, движению, которое находилось на пике популярности в Париже.С началом Второй мировой войны, художник, как и многие его коллеги, переехал в США. Здесь он по собственным словам «нашел себя заново», начав экспериментировать с различными материалами и изобретая совершенно новые технологии в живописи. Для того чтоб создавать необходимую фактуру в своих произведениях, Донати использовал такие материалы как песок, пыль, кофейные зерна и самые разнообразные предметы. В некоторых своих произведениях он применял даже содержимое своего пылесоса, доказывая, что настоящим искусством может стать практически любая вещь. Позже, когда сюрреализм потерял актуальность, он ярко проявил себя в таких течениях как конструктивизм и абстрактный экспрессионизм.

Французский живописец, график и скульптор. Эжен Каррьер известен как выдающийся преподаватель, который основал собственную художественную академию, и у которого обучались такие признанные мастера как Андре Дерен, Жан Пюи и Анри Матисс. В 1890 году вместе с Роденом и Пюви де Шаванном Каррьер основывает Национальное общество изящных искусств, а в 1904 году становится первым президентом только что открывшегося Осеннего салона. По его инициативе открывается Салон нового искусства, где выставляются художники совершенно нового стиля модерн. Творчество Э. Каррьера имело большое влияние на художников-символистов и открыло пути для становления фовизма.

Английский живописец-символист и скульптор, мастер аллегорических и мифологических полотен, мастер-монументалист, популярный в свое время портретист. Уоттс считается одним из самых загадочных, плодовитых и исключительных художников в искусстве викторианской эпохи. Был удостоен рыцарского звания и звания академика Королевской Академии искусств. В Комптоне (Гилфорд) силами самого художника и его жены была построена галерея, отреставрированная и расширенная в настоящее время. В поместье Лимнерлиз открыт музей Дж. Уотса и студии-мастерские для художников.

Французский художник-символист, скульптор и график, член группы «Наби». И как пейзажист, и как автор сюжетных картин, и как скульптор, Лакомб исследовал символистские темы, по-своему их интерпретировал. Картины и скульптуры Жоржа Лакомба входят в коллекции многих музеев мира.

Французский художник и скульптор, яркий представитель авангардистских движений в своей стране и США. Андре Массон, близкий друг А. Бретона, Д. Миро, М. Эрнста, был одним из крупнейших ранних французских художников-сюрреалистов. Затем, отказавшись от основных идей этого стиля, сосредоточился на экспрессивном изображении импульсов любви и ненависти, остро реагируя на трагические события в Европе.Несколько лет вынужденно проживая в Америке, художник интересовался античной, афро-американской и индейской мифологией, вкладывая в сюжеты современное звучание. Его стиль повлиял на многих молодых американских художников, разрабатывавших абстрактный экспрессионизм.А. Массон писал, что «болезненные противоречия являются источником величайшего художественного вдохновения», его идентификация как сюрреалиста неоднозначна, хотя именно он был самым ярым сторонником высвобождения подсознательного.На протяжении всей своей жизни Массон имел огромное количество выставок по всей Европе и в США, его работы, в том числе написанные в уникальном стиле с использованием песка, находятся в самых значительных галереях и музеях мира, специализирующихся на современном изобразительном искусстве.

Немецкий художник-новатор, график, гравер и скульптор, соучредитель первого немецкого экспрессионистического объединения «Die Brücke» («Мост», Дрезден-Берлин).Еще в средней школе подружился с будущим художником Карлом Шмидтом и вместе с учениками-единомышленниками организовал сообщество «Вулкан». Это сообщество вело дискуссии по теории искусства и по произведениям любимых авторов (Ницше, Достоевский и др.)Само название группы Die Brucke ясно говорило о желании художников создать мост между прошлым и настоящим искусством. Однако они задекларировали также создание новых способов художественного выражения. Таким образом, заимствуя что-то у старых мастеров немецкого Возрождения (Дюрер, Грюневальд, Кранах Старший и др.), беря что-то у символизма, модерна и особенно у фовизма, опираясь при этом на первобытное искусство, Эрих Хеккель и его коллеги продвинули всю историю европейского (да и мирового) изобразительного искусства к синтезу очень разных стилей.Искусство «Моста» и Э. Хеккеля в очень большой степени возрождало традиции поздней немецкой готики – в частности, гравюры на дереве. Таким образом, движение способствовало процессу, сделавшему гравюру мощным средством самовыражения многих мастеров в 20 столетии.Творчество Э. Хеккеля в 1937 году было отнесено к «дегенеративному», почти 730 произведений конфискованы из немецких галерей и музеев, а в 1944 бомбы уничтожили его студию в Берлине. Работы мастера есть в большинстве крупных музеев Германии, в галереях США и других стран, большая коллекция гравюр Хеккеля (свыше 40) находится в музее Метрополитен, Нью-Йорк.

Украинский художник еврейского происхождения - живописец, рисовальщик и скульптор, а также изобретатель, много лет живший и работавший в Париже. Родился под именем Шулим Вольф Лейб Баранов.Баранов-Россинэ был ярким представителем украино-российского авангарда. Он был признан во всей Европе и в США. Изобрел цветовизуальный клавир и представил «опофонные» концерты в театрах России, Франции, Нидерландов, США. В парижском Центре Ж. Помпиду выставлен сам аппарат и создана Галерея визуальных эффектов опофонного фортепиано.Постоянно экспериментировавший с цвето-световыми эффектами Владимир Давыдович применил их в военном искусстве, разработав в 1939 г. технику камуфляжа. Баранов официально зарегистрирован как изобретатель «фотохромометра», который позволял определить качество драгоценных камней, а также машины «Мультиперко», которая производила, стерилизовала, разливала газированные напитки. Его изобретения получили несколько технических наград, что, к сожалению, не спасло художника-еврея от газовой камеры Освенцима в 1944 г.В 1972 семья художника передала Музею современного искусства в Париже 38 произведений, сын Дмитрий реставрировал цветомузыкальное пианино, которое выставлено в зале Центра Помпиду. Художник был представлен в 1972 г. на выставке «Значительные картины русских художников во французских коллекциях», работы экспонируются по всему миру, в частности, ретроспективы в Третьяковской галерее в 2002, в Русском музее и в ГМИИ им. Пушкина в 2007-ом.

Немецкий художник, график и скульптор, гравёр и архитектор. Работал в стилях исторического романтизма, символизма и раннего модерна.В 1892 году стал одним из фундаторов влиятельного «Общества берлинских художников», организовывал выставки. Был членом мюнхенского Сецессиона, членом новообразованного венского Сецессиона и профессором Академии художеств в Лейпциге (с 1897 года), почетным членом Стокгольмской академии, имел титул Рыцаря Ордена Pour le merite.Настоящей сенсацией были ранние циклы 1878 года на тему деяний Христа и Фантазии о перчатке. Изображенные «циклы» (события с воображаемыми фантастически-символистскими реальностями) М. Клингер называл «опусами», приравнивая их к музыкальным произведениям.В трактате «Живопись и рисование», что вышел в 1891-ом, автор придаёт самостоятельное значение отображению фантастического внешнего мира. Клингер считал при этом, что именно графике свойственно наиболее ярко выражать такие сюжеты. Фантазию (изо-повесть) о найденной одушевленной перчатке специалисты справедливо определяюткак первое сюрреалистическое произведение. Графическим циклом «Драмы», изображающим революцию 1848-го и трагедию городского «дна», намечена линия социально-экспрессионистского рисунка.Самобытным был вклад М. Клингера и в скульптуру: стремясь возродить технику полихромной пластики, он использовал различные мраморы, слоновую кость и золото, бронзу и раскрашенный алебастр.По образному определению искусствоведа, Клингер – «из семьи Дюрера и Гольбейна». Это и скорбная вдумчивость, и драматический пафос, и созерцательная мечта. Его символы всегда воплощают большие чувства и большие мысли.В родном городе художника открыт его Дом-музей.

Итальянский живописец, скульптор, талантливый реставратор и поэт, некоторое время работавший в Америке (Нью-Йорк).Доссена родился в небольшой деревне Лодиджано в итальянской коммуне Кэвенэго д'Адде, Ломбардия. Мальчику было 12, когда умер отец многочисленного и в основном малолетнего семейства. Вместе со старшим 14-летним братом Джузепе содержал братьев и сестер. И только когда все они обзавелись семьями, он смог жениться и заняться изобразительным искусством.Художник внес значительный вклад в развитие таких направлений итальянского искусства, как неоимпрессионизм и экспрессионизм. Имел успех и признание при жизни, состоял членом нескольких академий и творческих ассоциаций, награждался престижными премиями Италии и США как в области изобразительного искусства, так и литературы.

Анри-Роберт-Марсель Дюшан - французский и американский художник, теоретик искусства, один из основателей художественных течений дадаизм и сюрреализм.Родился в состоятельной семье. Его мать, братья и сестра занимались живописью, и Марсель рос в творческой атмосфере, что способствовало раннему проявлению его таланта. Вслед за старшими братьями он начал рисовать в стиле импрессионизм, представляя довольно интересные работы уже в 14 лет.Марсель Дюшан, несмотря на небольшое количество произведений, был одной из наиболее влиятельных фигур изобразительного искусства после Первой мировой войны, гением и бунтарем, который раздвинул рамки живописи за пределы принятого и дозволенного. Художник является автором метода «готовый вещей» (ready-made), впервые использовав идею создания арт-объектов из самых обычных предметов, таких как велосипедное колесо и даже писсуар. Неординарное и порой эпатажное творчество Дюшана открыло широкие возможности для дальнейшего развития авангардного искусства во всем мире.В конце карьеры художник отошел от живописных работ, предпочитая использовать для своих произведений уже готовые предметы, как он их называл «ready-made», или создавая объемные коллажи. Помимо художественного творчества, Марсель Дюшан снимался в кино, писал статьи и занимался шахматами, в которых он был профессионалом. Благодаря своему разностороннему и неординарному таланту он оставил яркий след в искусстве начала ХХ века и заложил фундамент для возникновения совершено новых методов и направлений в живописи.

Бельгийский и французский художник, график и скульптор, иллюстратор.В истории изобразительного искусства считается одним из ярких и талантливых художников, воплотивших в полотнах трагический характер эпохи. Как символист, художник использовал традиции религиозной живописи, по-своему интерпретируя сюжеты и соотнося их с современностью. Очень важными для воссоздания событий эпохи символизма являются обнародованные уже в 21 веке 18 томов дневниковых записей Анри де Гру, которые он и его близкие составляли в течение 30 лет.Де Гру выгравировал серии литографий, проиллюстрировал «Книгу секретов Пеладана».

Австрийский художник, поэт и писатель, лидер Берлинского дадаизма.Родился в семье художников. Первые навыки рисования получил от своего отца. В 1900 году, в возрасте четырнадцати лет, Хаусман переехал со своей семьей в Берлин, где обучался живописи в Ателье Артура Лю-Функа.Рауль Хаусман был ключевой фигурой среди авангардных художников Германии, знаменитый своими фотомонтажами и оригинальными работами в технике коллаж, которые он использовал для сатиры и политического протеста. Художник создавал также объемные композиции, наиболее известной из которых стала «Механическая голова» или «Дух нашего времени». Помимо этого, Хаусман изобрел оптико-поэтическое стихотворение, написал большое количество критических статей, был редактором журнала «Der Dada» и разработал с единомышленниками манифест Берлинского дадаизма. Он по праву считается одним из самых оригинальных художников своего времени, чьи революционные идеи оказали непосредственное воздействие на европейское авангардное искусство.

Испанский художник и скульптор, теоретик искусства, один из основоположников кубизма, стоит в одном ряду с П. Пикассо и Ж. Браком.Хосе Викториано Кармело Карлос (такое имя он получил при рождении) был тринадцатым ребенком в семье богатого торговца Грегорио Гонсалеса. Первое художественное образование мальчик получил в Мадриде в школе изобразительного и прикладного искусства. С 1904 года Грис брал частные уроки живописи у Хосе Морено Карбонеро, который был высокообразованным, но очень традиционным живописцем. Первые свои деньги художник заработал, иллюстрируя юмористические очерки в журналах.Хуан Грис – выдающаяся фигура европейского искусства первой половины ХХ века, своей высокоинтеллектуальной живописью положивший начало сюрреализму, дадаизму и поп-арту. Несмотря на довольно короткую жизнь, художник сумел создать новый поворот в развитие кубизма, став основателем его синтетического направления и первопроходцем в технике коллажа. Член парижской группы художников, известной как «Эколь де Пари», Грис принимал участие в выставках «Салона Независимых» в Париже, галерее Штурма в Берлине, Галерее Далмау в Барселоне и многих других. Кроме картин, художник создавал декорации и костюмы к балетным постановкам Сергея Дягилева, а также иллюстрировал книги своих друзей: Г.Апполинера, П.Реверди, В.Уидобро. Творчество художника, помимо живописи, оказало влияние на развитие скульптуры, архитектуры и дизайна в Европе и Соединенных штатах Америки.

Австралийский художник-авангардист и скульптор, некоторое время работавший в Европе и Америке.Альберт родился в австралийском городе Мельбурн в бедной семье железнодорожного работника. Вынужден был покинуть школу в 14 лет, чтобы помочь семье. Не имея формальной художественной подготовки, получил работу карикатуриста и коммерческого иллюстратора в рекламном агентстве.Был участником «Хайде Круга» - группы прогрессивных художников и писателей, членом Общества современного искусства Австралии, созданного в 1938 году Дж. Беллом как альтернатива Академии искусств. Стал одним из организаторов художественного авангардного движения 1940-х годов «Angry Penguins» («Злые пингвины») и соавтором выпусков одноименного журнала.Таккер много занимался фотографией, используя снимки для написания картин, а также записывал идеи и сцены, которые являлись набросками для его сочинений - непреднамеренно он создал документы очевидца для истории своего времени.Художник удостаивался многих престижных премий в Австралии и США, его картины представлены во всех австралийских государственных галереях, в музеях и галереях Нью-Йорка.Барбара Таккер, жена Альберта, сохранила архивы художника и семейное поместье. Был создан Фонд Альберта и Барбары Таккер, а также музей художника.

Французский художник, скульптор, мастер монументального декоративного искусства, один из грандов изобразительного искусства начала ХХ века.Отец будущего художника занимался скотоводством, и умер, когда Фернану было всего несколько лет. Леже получил начальное образование в церковной школе в Теншебре, а после учился на архитектора в Канне.Фернан Леже сыграл важную роль в формировании и распространении кубизма и заложил основы для таких авангардных течений, как неопластицизм и конструктивизм. Художник активно сотрудничал с группой кубистов «Золотое сечение», участвовал в выставках «Салона Независимых», «Осеннего салона», авангардного объединения «Стиль», основанного Мондрианом в Нидерландах и российского «Бубнового валета». Его интерес к возможности синтеза искусств привел к разработке и реализации нескольких архитектурных и дизайнерских проектов. Художник также ярко проявил себя в сфере прикладного творчества, сценографии, кино, книжной графике. Совместно с Озанфаном основал Свободную художественную школу, а позже и Современную художественную академию. С 1940 г. художник проживал в США, где преподавал в Йельском университете и в колледже Миллса в Калифорнии и многого добился в продвижения современных художественных тенденций в стране.

Фернан-Эдмон-Жан-Мари Кнопф - бельгийский художник, график и скульптор, дизайнер, автор декоративного оформления театра «Де ла Монне» в Брюсселе.Родился в богатой буржуазной семье из Фландрии. Отец предполагал, что сын станет юристом и отправил его в Брюссель обучаться праву. Однако Фернан вскоре бросил учебу, решив посвятить себя живописи.Фернан Кнопф был одним из основателей группы художников «Объединение XX» в 1883 году и является самым ярким представителем бельгийского символизма в живописи. Художник выставлялся в основном в Париже, экспонировал свои произведения в первом салоне «Роза и Крест», а также участвовал в выставке Венского сецессиона, объединявшей художников стиля модерн. Кнопф был также выдающимся искусствоведом и фотографом. Он совмещал в своей живописи различные техники и стили и оказал огромное влияние на развитие европейского модерна.Фернан Кнопф был неординарной личностью. Он окружил себя легендами и мифами, при этом отличался замкнуто-скрытным характером. В своем доме-студии, построенному по собственному проекту и напоминающему скорее театр или храм искусства, чем обычное жилье, он принимал только избранных. Единственным близким другом и постоянной моделью художника была его сестра Маргарита, внешностью которой он восхищался, и образ которой запечатлел в нескольких сотнях своих произведений.Несмотря на это, Кнопф был очень популярен при жизни. Ему подражали молодые живописцы, восхищались ценители искусства и критики, он был самым влиятельным среди символистов, а творчество бельгийского художника стало источником вдохновения для такого яркого таланта как Гюстав Климт.

Чешский художник, график и скульптор, один из крупнейших и ярких представителей кубизма в своей стране, педагог, редактор художественных журналов и теоретик искусства. Выжив в концлагерях, после Второй мировой войны стал первым автором, чья персональная выставка была организована официальной Ассоциацией художников Чехии. Э. Филла занимался преподавательской деятельностью, но не мог участвовать в экспозициях, поскольку его произведения не относились к соцреализму.В соавторстве с Отто Гутфрейндом чешский художник создавал кубистские скульптуры, считающиеся самыми первыми в истории изобразительного искусства, а позже применял этот в стиль в декоративно-прикладном искусстве, в частности, в живописи на стекле.Хотя настоящим феноменом в Чехии стала кубистская архитектура, наследие в живописи благодаря творчеству таких мастеров, как Эмиль Филла, стало значительной и важной частью общеевропейского модернистского искусства. Художник оставил значительное творческое наследие, в том числе большое количество теоретических эссе об искусстве. Был посмертно в 1998-м году награжден за заслуги перед страной Орденом T. G. Masaryka (Т. Г. Масарика) 3-й степени.

Выдающийся немецкий художник, скульптор, дизайнер и поэт.Его отец - немец из Киля, мать родом из Эльзаса. Беспокойный характер, склонность к переездам, по словам Арпа, была предопределена – он называл себя Жаном, когда говорил по-французски, и Хансом, когда переходил на немецкий.Был членом-учредителем и участником многих авангардистских группировок в Цюрихе, Мюнхене, Берлине, Кёльне, Париже. Кавалер главных Орденов Франции в области культуры, лауреат многих престижных премий. Крупная коллекция произведений представлена в Музее нового и современного искусства в Страсбурге, стоящем на площади им. Х. Арпа. Имя художника носит культурный центр в Кламаре, улица в Париже. Фонд Арпа в Бонне в 2004 г. получил статус национального музея.

Артур Меррик Блумфилд Бойд - один из самых значительных художников Австралии ХХ столетия, живописец, керамист, скульптор, гравер, больше 10 лет работавший в Англии.Родился в пригороде Мельбурна Муррамбине в семье художников. Отец был скульптором и керамистом, мать – живописцем, оба старших брата стали художниками: Дэвид – живописцем, Гаем - скульптором. Артур оставил школу в 14 лет, чтобы посвятить себя живописи.Творчество А. Бойда, основанное на выдающемся таланте и мощном, хотя несколько мрачном воображении, сыграло большую роль в развитии новейшего искусства его страны. Одним из первых художник стал поднимать в живописи важные социальные темы. Был признан при жизни, награжден многими премиями, орденами. Огромную территорию своей усадьбы, большинство картин он передал в дар австралийскому народу.Серии картин, созданные Бойдом и сама его жизнь - неотъемлемая часть всей истории Австралии, а не только ее культуры.

Видный немецкий художник, график и портретист, мастер монументальной росписи.Наряду с Арнольдом Бёклином, историческим живописцем Ансельмом Фейербахом и более молодым художником, декоратором и скульптором Францем фон Штуком является ярким представителем немецкого символизма и предтечей модерна в локальном значении термина.

Бельгийский художник и скульптор, один из лидеров школы фламандского экспрессионизма.Родился в семье художника-пейзажиста Анри Пермеке. Свое первое образование Констант получил от отца.Констант Пермеке был среди основателей новаторской волны в колонии художников в Синт-Мартенс-Латем неподалеку от Гента и возглавлял Антверпенскую Академию художеств после окончания Второй мировой войны. Художник пользовался большой славой и популярностью при жизни. Он организовал несколько персональных выставок, в том числе в Париже и Брюсселе, а также был участником Венецианского биеннале в 1934 году, что сделало его знаменитым на весь мир. Самой узнаваемой работой автора является скульптура «Ниобе», копии которой украшают каналы Брюгге и являются символом города. Именем Константа Пермеке названы улицы в нескольких городах Бельгии, в том числе Брюсселе, Антверпене и Остенде. В бельгийском селении Яббеке открыт региональный музей художника.

Швейцарский художник, скульптор, иллюстратор и график, исполнявший к тому же многочисленные настенные росписи. Подписывал картины псевдонимом Эмиль Синклер.Куно Амье родился в семье чиновника (государственного архивариуса) в кантоне Золотурне, где начал брать уроки живописи.Художник работал в жанрах пейзажа, портрета. Принадлежит к постимпрессионистскому направлению в изобразительном искусстве, был участником Школы Понт-Авена, группы Наби (Les Nabis) и Венского сецессиона. Он был почётным доктором искусств Бернского университета, а также почётным членом Союза художников Золотурна, с 1906 года активно участвовал в художественном объединении "Мост" (Германия).

Немецкий живописец, скульптор, график и декоратор, один из лидеров направления «символизм» в изобразительном искусстве Европы в целом и Германии в частности.Работал в жанровой картине, портретном жанре, активно используя мифологические сюжеты. Стал организатором «Мюнхенского Сецессиона», имевшего наибольший, после парижских Салонов, успех в Европе. Основал журнал «Jugeng», от которого пошло общеизвестное для немецкого стиля модерн название «Югендстиль» («Jugendstil»). За заслуги и достижения сын крестьянина-мельника получил дворянский титул, стал почетным доктором Мюнхенского технического университета. На вилле, построенной и обустроенной фон Штуком, размещается художественный музей.

Французский скульптор, живописец и график, работавший в США. Признанная одним из великих скульпторов 20-го века, Луиза Буржуа прожила невероятно долгую творческую жизнь. Ее карьера охватывает почти целое столетие, а работы отражают практически все крупные течения искусства этого периода: кубизм, футуризм, сюрреализм, конструктивизм и абстрактное творчество.Несмотря на влияние самых различных художественных течений и стилей, работы Буржуа всегда оставались уникальными творениями современной скульптуры. Основанные на ранних, преимущественно травматических воспоминаниях из детства, они затрагивают самые глубокие человеческие чувства, всегда попадая прямо в цель. Огромные стальные пауки, странные объекты в клетках, пристальное внимание к взаимоотношениям полов, вызывают сильные эмоции и неподдельный интерес публики к неординарному творчеству художницы.Луиза Буржуа была одной из первых, кто использовал в своем искусстве прием Environmental art, который предполагает присутствие скульптурных композиций в повседневной среде человека. В отличие от стоящих на высоких постаментах традиционных изваяний, эти статуи размещались в непосредственной близости от человека, становясь частью их жизни. Кроме этого, Буржуа сыграла важную роль в становлении феминистского движения и оказала сильное влияние на развитие искусства инсталляции и перфоманса.

Немецкий скульптор, рисовальщик, один из главных теоретиков постмодернизма, профессор Академии искусств в Дюссельдорфе, общественный деятель. Джозеф Бойс активно занимался вопросами гуманизма, социальной философии и антропософии, что привело к его к расширенной концепции изобразительного искусства, созданию социальной скульптуры. Творец считается одним из основоположников такой разновидности искусства перформанса, как флюксус, ставшего популярным именно в Германии. В этой связи Бойса называют «идеальным партнером» Энди Уорхола.

Самый знаменитый бельгийский художник ХХ века, известный своими загадочными и необъяснимыми полотнами, выполненными в оригинальном сюрреалистичном стиле. В возрасте четырнадцати лет Рене Магритт перенес тяжелейшую душевную травму – самоубийство матери, которое наложило отпечаток на все его творчество. Большое значение имела для художника его дружба с европейскими сюрреалистами, в частности с Андре Бретоном и поэтом Эдвардом Джеймсом, который был близким другом и покровителем Магритта.Художник отличался спокойным и нетребовательным характером. В то время как его коллеги сюрреалисты выставляли напоказ свою жизнь, эпатируя публику и привлекая ее внимание, Магритт жил уединенно, зарабатывая себе на жизнь созданием рекламы и иллюстраций для газет и журналов. Эта работа отразилась на его творчестве, в котором заметно влияние рекламы и плакатного искусства.В каждой картине живописца, кажущейся на первый взгляд бессмысленным набором предметов, скрыт глубокий смысл и тайный подтекст, обращенный к подсознанию человека. Центральным персонажем работ часто становился загадочный человек в котелке, прототипом которого многие считают самого Магритта. Художник никогда не объяснял смысл своих полотен, оставляя у зрителя много вопросов и догадок об истинном значении вещей, изображенных на его картинах.

Немецкий художник и скульптор, один из представителей нео-экспрессионизма и один из самых известных художников послевоенной Германии. Он известен тем, что использовал в своих работах такие необычные материалы, как солома, ясень, глина, свинец, дерево, стекло и шеллак. Кроме того, Кифер создает изображения для театров и книг.Стиль художника развился под влиянием философии Каббалы, мистики и произведений разных спиритуалистов, таких как Роберт Фладд. Его работы включают символические элементы, связанные с национальной идентичностью, теологией и мистикой.

Китайский художник-диссидент, скульптор, архитектор, мастер инсталляции, социальный и политический активист. Ай Вэйвэй известен во всем мире как один из создателей проекта олимпийского стадиона «Птичье гнездо» в Пекине и автор ярких, чаще всего провокационных композиций, в которых он обращает внимание на важные общественные проблемы.Многие работы художника критикует коммунистический режим Китая, за что он неоднократно подвергался гонениям со стороны правительства. В 2011 году Ай Вэйвея арестовали в Пекинском аэропорту, подвергли обыску, заблокировали интернет-ресурсы, связанные с его именем, и запретили выезд из Китая. Эти события вызвали большой резонанс в мире искусства. Многие художники и арт-деятели высказались в поддержку Вэйвэя и организовали акции протеста в крупных городах Европы и Америки.Произведения китайского художника – это арт-объекты из самых различных предметов, начиная от огромной люстры и заканчивая детскими рюкзаками и семенами подсолнечника. Каждая из его работ несет сильную эмоциональную и смысловую нагрузку, она призвана привлечь внимание общества к нерешенным проблемам и несправедливости в устройстве общества в его стране. Остросоциальная тематика, смелость и упорство Вэйвэя в борьбе за справедливость вместе с оригинальным художественным видением делают его одной из самых ярких фигур в современном изобразительном искусстве.

Лазарь Маркович Лисицкий - российский художник еврейского происхождения, яркий представитель авангарда первой трети 20 ст. Эль Лисицкого справедливо относят к «пионерам» в экспозиционном дизайне. Его знаменитые проуны (сокращение от «проекты утверждения нового») покоряли Европу - в Берлине была создана «Комната Проунов», а принципы, разработанные Лисицким, использовали для оформления выставок такие художники, как В. Татлин, П. Мондриан и др.Чрезвычайно значительна роль Лисицкого в наведении в 1920-ых годах действенных мостов между западным авангардом и русским постреволюционным искусством. Сотрудничая со многими художественными журналами, издававшимися в Берлине и Амстердаме, Лисицкий повлиял на развитие международного графического дизайна XX ст. и на целое поколение европейских художников. Лисицкий считал, что художник - агент социальных перемен, который ищет и внедряет новый выразительный язык через плакаты с ярким визуальным эффектом, легко понимаемый всеми социальными слоями во всех странах мира. Пропагандистская сторона многих работ не затмевает того, что художник привнес в использование форм, сплошных цветов, в их организацию в пространстве произведения. Его творческая концепция развивала направление, когда совокупностью работы является уникальный стиль, вмещающий живопись, архитектуру, скульптуру.Художник был активным деятелем еврейского национального культурного возрождения, организатором и участником выставок, иллюстратором еврейской литературы. Ценным вкладом стало опубликованное в 1923 году в Берлине эссе «Воспоминания о могилевской синагоге» — единственная теоретическая работа Лисицкого, посвящённая еврейскому декоративному искусству.

Произведение входит в сборник «Архитектурные фантазии. 101 композиция», который является одним из самых известных творений Якова Чернихова. С этой композицией связана неприятная история, так как она оказалась среди 29 работ этого цикла, которые были украдены из центрального архива и заменены подделками.

Рисунок демонстрирует основные особенности архитектурных композиций Якова Чернихова: асимметрию, динамичность и тщательную проработку каждой детали. Многие рисунки архитектора служили иллюстрациями для его теоретических трудов, и не предназначались для воплощения в реальные условия.

Оригинальная архитектурная стилистка Якова Чернихова основывалась на его фундаментальных знаниях орнамента и ритма. В своем раннем цикле с необычным названием «Аристография» он много экспериментировал с формой и пространством, вращая в разных направлениях графические элементы конструкций и создавая причудливые, но безукоризненно точные орнаменты, отличающиеся притягательной ритмической пульсацией.

Как и в более ранних своих работах художник много внимания уделяет цвету, тщательно подбирая необходимые оттенки и их сочетания. В произведении «Красная диагональ» цвета создают динамичную композицию, благодаря контрасту между нейтральным белым и вызывающим огненно-красным оттенком.

Скульптурные работы Эльсуорта Келли перекликаются с идеями его живописного творчества. Они представляют собой абстрактные плоские фигуры, динамичные и самодостаточные, основанные на природных формах.

Несмотря на строгую форму «Желтая кривая» не является правильной геометрической фигурой. Эта окрашенная в интенсивный канареечный цвет картина имеет полностью неправильную форму, так как в ней нет ни ровных линий, ни прямых углов.

Вскоре после возвращения из Парижа, Келли вместо картин из нескольких цветных панелей стал создавать произведения нестандартной формы.  «Черный над синим» - одно из самых известных полотен художника этой серии.

В данном произведении Эльсуорт Келли пытается передать напряжение, которое существует между фигурой и фоном, на котором она расположена. Несмотря на плоские формы, композиция очень динамична.

Основой для абстрактных произведений Элсуорта Келли служили природные формы. В 1960-х годах он сделал серию литографий в стиле минимализма, в которых изобразил листья деревьев и плоды в виде упрощенных плоских фигур.

Произведение представляет собой абстракцию из ярких чистых цветов. Картина состоит из 7-ми равных панелей и имеет горизонтальную направленность – излюбленный формат. В период ее создания Эльсуорт Келли активно экспериментировал в духе неопластицизма с различными цветовыми соотношениями, изучая их воздействие друг на друга и на восприятие человека.

В этом произведении парижского периода художник сопоставляет различные цвета в случайном порядке, доказывая таким образом, что их сочетания создают определенную атмосферу и настроение в зависимости от своего расположения. Вдохновение для создания произведений Эльсуорт Келли черпал в окружающем мире.

В своих минималистических произведениях Эльсуорт Келли старался уменьшить значение субъективных факторов и личных пристрастий исполнителя. Для этого он использовал элемент случайности, который начал применять под влиянием Ханса Арпа и Джона Кейджа еще во время своего пребывания в Париже после участия в войне.

Произведение состоит из 64 одинаковых по размеру квадратов, соединенных между собой в одну большую панель. Каждый элемент картины имеет свой цвет и определенное местоположение в композиции, которое художник чаще всего определял интуитивно.

Большая бронзовая скульптура украшает один из парков столицы Великобритании. Она состоит из абстрактных и фигуративных частей, а также узнаваемых механических деталей промышленного производства, которые объединены в единую композицию на невысоком каменном постаменте.

Своего скульптурного Исаака Ньютона Эдуардо Паолоцци выполнил для установки перед зданием новой Британской библиотеки. Фигуру ученого скульптор позаимствовал из цветной литографии художника-символиста Уильяма Блейка, на которой Ньютон изображен с измерительным прибором в руке.

Гипсовую голову Давида Микеланджело художник однажды заметил в витрине магазина, где она стояла на деревянном комоде. Это странное сочетание вдохновило Эдуардо Паолоцци, и он создал копию этого слепка, разрезал его на несколько частей, между которыми поместил деревянные вставки.

Один из известнейших и крупнейших проектов Эдуардо Паолоцци – мозаика на одной из станций Лондонского метро. Получив заказ на оформление помещения размером тысячу квадратных метров, художник долго размышлял над тем, как сделать изображение понятным для людей, которые смотрят на него во время движения.

Технология трафаретной печати, которую активно использовали американские художники поп-арта, заинтересовала в 1960-ых годах и Эдуардо Паолоцци. В этой технике он выполнил серию произведений, одно из которых под названием «Шелковый мир Микеланджело», повествует о взаимоотношениях истории и современности, а также высокого искусства и современной рекламы.

Мифологического персонажа Циклопа, который был огромного роста и имел один глаз посреди лба, Эдуардо Паолоцци сделал из частей различных механизмов. Соединение человекоподобной фигуры и механических элементов – частое явление в творчестве художника, который таким образом передавал свое отношение к техническому прогрессу.

Свои ранние коллажи Эдуардо Паолоцци начал создавать под влиянием работ кубистов и дадаистов, которые первыми применяли этот метод в своих произведениях еще в первой трети 20 столетия. Художник составил «Настоящее золото» и еще несколько подобных работ из частей американских газет и журналов, которые оставили ему солдаты, временно пребывающие в Париже.

Во время своего двухлетнего пребывания в Париже, Эдуардо Паолоцци увлекался сюрреализмом. Особое влияние оказало на него знакомство с известным скульптором-авангардистом Альберто Джакометти, который использовал в своих работах формы, одновременно напоминающие живые тела и механические конструкции.

Произведение Эдуардо Паолоцци в технике коллажа, имеющее размеры чуть меньше листа для печатной машинки, стало первой работой в стиле еще не родившегося поп-арта. Художник с детства увлекался американской культурой, и в своих коллажах попытался передать всю привлекательность спокойной и сытой жизни за океаном, которая так отличалась от разрушенной и бедной послевоенной Европы.

Следом за живописными рельефами, детали которых выступали за поверхность полотна довольно далеко, Фрэнк Стелла начал создавать и отдельно стоящие скульптурные композиции. Одной из первых стала «Prinz Friedrich», которая была названа в честь пьесы немецкого драматурга 18-го века Генриха фон Клейста, повествующей о любви и войне.

В серии «Индийские птицы», к которой относится данное произведение, художник экспериментировал с живописным пространством как внутри картины, так и визуальным видом снаружи нее. Для создания работы он применил металлические завитки-спирали, которые выступают далеко вперед от поверхности полотна.

«Императрица Индии» - одна из первых фигурных и нефигуративных картин Стелла, которая имеет нестандартную для живописной работы форму. Произведение состоит из четырех последовательно соединенных между собой треугольников, каждый из которых отличается от соседнего цветовым решением.

Монохромные черно-белые произведения Фрэнка Стеллы довольно скоро сменились яркими и красочными композициями. Картины по-прежнему состояли исключительно из полос почти одинаковой ширины, которые равномерно покрывали всю поверхность полотна.

Композиция произведения имеет вид простых симметричных узоров на черном фоне, сходящихся к центру картины в форме креста. Человеческий глаз воспринимает изображение как белые полосы на черном фоне, хотя на самом деле художник наносил на полотно черную краску, а белые части – это просто неокрашенные фрагменты холста.

Работа входит в знаменитую серию Фрэнка Стеллы под названием «Черные картины». Цикл перевернул представление об изобразительном искусстве своей простотой и отсутствием каких-либо значений.

На улице Морнингтон-Кресент художник написал не менее десятка работ, изображая это место с различных ракурсов и при различном освещении. В данном произведении зритель как будто находится у подножия высокой кирпичной трубы, на которую смотрит снизу вверх.

 J.Y.M – это инициалы Джульетты Ярдли Миллс, которая была профессиональной моделью и позировала художнику два раза в неделю на протяжении многих лет. Среди всех изображений Джулии, этот портрет, запечатлевший молодую женщину сидящей с откинутой назад головой, является наиболее выразительным и ярким.

Для произведения позировала Джульетта Ярдли Миллс (J.Y.M.) - основная модель Франка Ауэрбаха с 1963 года. Это первое ее изображение из трех портретов, написанных в 1981 году, которое было закончено за 20 сеансов.

Художник выезжал из Лондона кране редко, только в случае крайней необходимости, поэтому свои пейзажи он писал в основном в черте города. Примроуз-Хилл – сквер, который находился недалеко от студии мастера, и он изображал его многократно, с разных ракурсов, в разное время суток и, следовательно, при разном освещении.

Несмотря на новаторский и полуабстрактный стиль живописи, Франк Ауэрбах опирался в своем творчестве на классическое искусство и на знаменитые работы старых мастеров. Картина «Бахус и Ариадна» создана по сюжету одноименного произведения Тициана, но переосмыслена художником совершенно по-новому.

В портретной живописи Франк Ауэрбаха не ставит целью правдоподобно изобразить человека или выявить и показать его чувства. Художник больше интересуется формой и структурой объекта, его внутренней сущностью, которую выражает при помощи мощных и энергичных мазков.

Картина изображает гостиную в доме постоянной модели художника актрисы Стеллы Уэст, куда Ауэрбах приходил, чтоб рисовать хозяйку порой по три раза в неделю на протяжении многих лет. Центральную часть полотна занимает лампа на высокой ножке, которая является главным источником  света на картине, а по обеим сторонам от нее можно рассмотреть Стеллу и ее дочь Джулию в креслах.

Написанная акварелью и углем работа изображает постоянную натурщицу художника актрису Эстеллу Уэст. К моменту написания произведения Ауэрбах уже создал около 80-ти картин с изображением этой женщины, но художник никогда не уставал от своих натурщиков, без устали изображая их в разных позах и замечая малейшие изменения, которые происходят с человеком каждый день.

На своих ранних полотнах художник часто изображал своего товарища, художника, с которым он делил лондонскую студию, - Леона Коссофа. Лицо своей модели Ауэрбах пишет очень схематично, грубыми и резкими мазками передавая его черты.

Окончив школу, Франк Ауэрбах собирался быть актером. Он получил роль в одном из лондонских любительском театров, где познакомился с актрисой Эстеллой Олив Уэст, которая настояла на том, чтобы молодой человек занимался живописью, и стала его постоянной натурщицей.

Одна из последних работ Э. Уорхола, когда мастер переключился от пристального «рассматривания» и тиражирования знаменитостей своего времени, на всемирно известных политиков.

Многие искусствоведы и критики сходятся во мнении, что наиболее удачными художественными произведениями Уорхола были автопортреты. В этой конкретной поздней работе основное внимание автор уделяет голове и парику (известно, что рано ставший лысеть Энди носил парики на протяжении многих лет).

Данная работа в технике шелкографии вошла в цикл «Вымирающие виды» (встречается название для цикла «Животные в гриме»). Серия - 10 видов редких животных, существование которых находится под угрозой, - была заказана владельцами галереи, известными защитниками животных Р. и Ф. Фельдманами. Зебра Греви, исчезнувшая из  некоторых ареалов обитания, - самый редкий подвид семейства зебр.

Серия создавалась как прямая реакция на визит президента Р. Никсона в Китай. Уорхол взял черно-белое изображение Мао из знаменитого коммунистического издания и выполнил сотни портретов тоталитарного правителя разных размеров.

В портфолио работ Энди Уорхола, который  редко выходил за пределы контекста американской культуры, есть четыре красочных портрета королевы Елизаветы II. Они были выполнены на основе официальных фотографий, сделанных во время празднования серебряного юбилея августейшей особы Соединённого королевства.

Уорхол взял изображение для этого произведения из фильма «Flaming Star» 1960 года. Это одно из полотен с образом Элвиса, впервые было выставлено на втором персональном показе Э. Уорхола в галерее Ferus в Лос-Анджелесе в 1963 году.

Работа из серии «Death and Disaster», в которой Уорхол использует изображения, взятые из ежедневных газет. Автор применил метод фото-silkscreening, чтобы дублировать сюжет на холсте. Повторение изображения, его фрагментация, искажение важны для создания сильного эффекта – художник хочет оставить  зрителя потрясенным.

Внезапная смерть суперзвезды Монро от передозировки снотворных взволновала многих. Уорхол, в целом увлеченный поп-культурой, использовал для работы фотографию актрисы из фильма «Ниагара» (1953).

К 1960-ым годам нью-йоркский арт-мир был наполнен произведениями в стиле абстрактного экспрессионизма. Уорхол стал одним из художников, которые чувствовали необходимость вернуть образы в изобразительное искусство. Идею изображения предметов, которые люди используют каждый день, предложил ему дизайнер интерьеров и владелец галереи  М. Латоу.

Ранним работам художника свойственен прием сочетания неопримитивизма, экспрессионизма, неодадаизма. В данном произведении условные и разномасштабные фигуры (их шесть) размещены в пространстве произвольно.

Выполненное в ярких тонах и в характерной для художника упрощенной манере с крупными цветовыми плоскостями, композиция изображает двух обнаженных женщин.  В этой работе Том Вессельманн отдает дань наследию великого Анри Матисса, цитируя одно из его произведений и добавляя в него узнаваемые черты собственной творческой манеры.

В конце 1980-ых и начале 1990-ых годов Том Вессельманн создал серию картин, в которых изобразил обнаженную натурщицу на фоне известных произведений искусства. Помимо Пита Мондриана, который был одним из кумиров художника, он использовал картины Р. Лихтенштейна, Э. Уорхола и А. Матисса, отдавая дань уважения этим мастерам.

Несмотря на то, что Том Вессельманн настаивал на полной бессодержательности своих работ, картина из серии «Спальни», изображающая лицо девушки на фоне домашнего интерьера, вызывает определенные чувства. Яркий макияж и обнаженная грудь женщины выглядят заманчиво, а закрытые глаза говорят о расслабленности и наслаждении.

В работах Тома Вессельманна 1980-ых годов часто можно встретить интересные композиции, которые состоят из нескольких отдельных холстов необычной формы. Обычно это были все те же любимые автором предметы: дымящиеся сигареты, женские губы и грудь, продукты питания и мелкие бытовые вещи, наподобие помады или солнцезащитных очков.

Произведение относится к серии работ «Drop Out», которую Том Вессельманн создал под впечатлением от своего отдыха на морском побережье. Особая атмосфера залитого солнцем пляжа и расслабленность загорающих тел достоверно переданы в этой картине.

За свою карьеру Том Вессельманн создал много изображений огромного рта с ярко-красными пухлыми губами. Это изображение стало узнаваемой визитной карточкой художника, своеобразным символом, который стал неотъемлемой частью массовой культуры и периодически появляется в различных интерпретациях.

Произведение из знаменитой серии «Great American Nude» демонстрирует все основные черты живописи Тома Вессельманна. В ней зритель может видеть привлекательную лежащую девушку, чьи яркие губы - единственная видимая часть ее лица, соблазнительные соски на обнаженной груди и ярко-желтые волосы.

Несмотря на то, что Том Вессельманн отрицал свою принадлежность к направлению поп-арт, эта картина является прекрасным примером этого стиля в изобразительном искусстве. Натюрморт изображает товары, типичные для Америки середины 20 века: белый хлеб, бутылка с колой, банка консервированного рагу, лимоны и пачка сигарет.

Произведение представляет собой коллаж из реальных предметов и двухмерных живописных изображений. В левой части работы художник поместил кухонный шкаф, который можно открывать и закрывать, а также часть настоящей раковины, над которой зажигается электрический свет.

Самая крупная и известная серия работ Тома Вессельманна. На этой картине он изобразил обнаженного человека, лежащего на кровати в комнате, где на стене висит портрет президента и рисунок американского флага.

Произведение позднего периода, написанное в цветовых решениях по канонам неопластицизма (использованы красный, желтый, белый, черный), является данью также и кубистическим принципам. Геометрически выполненные фигуры людей вписаны в пространство, также состоящее из прямоугольников, квадратов, ромбов и треугольников.

Начиная с 1930-ых годов картины художника отражают особую ортогональную (прямую, одновекторную) структуру, в которую автор вставляет объекты. В данном произведении это разновеликие корабли, дома, ряд узнаваемых пиктографических изображений (солнце, луна, рыба).

Вернувшись в Монтевидео (Уругвай) Торрес-Гарсия основал Южную школу, в которой продолжил применение на практике своей творческой концепции. Он пересматривает современные теории искусства и вписывает примитивизм в сердце новой художественной программы.

Серию портретов Торреса, созданную в конце тридцатых и в ранних сороковых годах, некоторые искусствоведы называют странной. Эти произведения явно нарушали и игнорировали догмы, разработанные художником.

Одна из символических работ великого эстетического проекта Торреса обладает манифестной ценностью. Монументальное произведение высотой 3 и длиной 5,6 метров воспроизводит ряды выгравированных пиктографических рисунков.

Композиция организована в соответствии с основами неопластицизма – всю живописную поверхность структурирует ортогональная сетка. В отличие от работ П. Мондриана,  рисунок Торреса демонстрирует несовершенство линий, сделанных «от руки», а размер отдельных квадратов продиктован масштабом вписанных знаков и надписей.

Когда Торрес-Гарсия работал учителем рисования в школе Мон-д'Ор в Барселоне, то пришел к выводу, что игра важна как образовательный инструмент. В 1918 году он начал работать с производителем деревянных игрушек.

Живя в Париже, Торрес-Гарсия встретился с художниками-неопластилистами (Питом Мондрианом и др.), которые были сторонниками геометрической абстракции в противовес модному сюрреализму. В соответствии с этой художественной тенденцией Торрес-Гарсия стал использовать в композициях строгую геометрическую сетку как средство сохранения двухмерности картины.

Основываясь на принципах кубизма и отчасти экспрессионизма, Торрес в середине 1920-ых годов, вернувшись из Америки в Европу, работал в разных жанрах. Немногочисленные натюрморты тяготеют к философской тенденции.

Работа относится к периоду недолгого пребывания художника в Америке, где он налаживал выпуск авторских деревянных игрушек. К этому времени Торрес Гарсия уже имел опыт работы с художником-авангардистом Р. Баррадасом и литератором-футуристом Дж. Сальват-Папассейтом.

Спустя несколько десятилетий после первых опытов в цветной ритмической живописи, в работах С. Делоне появилось новое развитие геометрической формы. Прямоугольники уменьшают текучесть округлых форм, и это существенное изменение указывает, что автор продолжала исследовать тему на протяжении всей своей карьеры. 

Начиная с 1930-х годов Делоне начала изучать мотивы «ритмов», была захвачена созданием композиций с размещением рядом цветов, то дополняющих, то противоречащих друг другу. Данное произведение имеет особое значение - оно создавалось для 15-ой ежегодной выставки Салона Тюильри в Париже.

Роспись во Дворце авиации в Париже входит в серию, которую Делоне с командой художников сделала для Международной выставки, посвященной искусству и технике. Заказ ознаменовал возвращение художницы к живописи, привлек к ней большое внимание, а также обеспечил финансово.

Карьера Делоне вышла далеко за рамки визуального искусства и включала дизайн интерьера, одежды, тканей, аксессуаров. Эта работа напрямую относится к ее деятельности в качестве дизайнера женского платья - ее текстиль под авторской маркой «Casa Sonia» стал популярен и продавался по всему миру, не утратив актуальности и поныне.

Делоне писала, что тому, «кто умеет ценить цветовые отношения, влияние одного цвета на другой, их контрасты и диссонансы, обещают бесконечно разнообразные образы». Полотно в стиле орфизма предлагает зрителю именно такие образы.

Длинноформатную иллюстрацию к поэме Блеза Сандрара считают «одновременной книгой». Двухметровая полоса, складывающаяся, как гармошка, демонстрирует технику манипулирования цветом для максимального выражения.

Внимание Сони Терк-Делоне  к тому, как дополнительные цвета реагируют друг на друга, не ограничивалась живописью. Художница смело применила эту выразительную технику к областям, где такие приемы ранее не были известны – в дизайне одежды и аксессуаров, в мире предметов домашнего декора. 

Произведение демонстрирует фирменные концентрические круги Сони Терк-Делоне в их лучших проявлениях. Композиция, интерпретируемая названием как ода современности, преломляет огни и суету бульвара Сен-Мишель в почти полную абстракцию.

Поток цвета и ритма изображает несколько пар (или одну, вращающуюся в танце) под разноцветными электрическими фонарями - новейшей парижской сенсацией. Картина была панорамной и самой большой из 4-х версий – 3,9 м в длину и стала первой работой, где применялись такие контрастные цвета, как синий и оранжевый, расположенные рядом для максимальной интенсивности.

Одно из ранних фигуративных произведений демонстрирует увлечение автора постимпрессионизмом – в частности, фовизмом. Художница противопоставляет теплую желтую кожу модели штрихам цвета холодного изумруда.

Роспись под номером 1136 – яркая, жизнерадостная картина, выполненная в абстрактной манере. Произведение представляет собой спонтанно изогнутую кривую, состоящую из полос разных цветов, что придает ей вид ленты.

На протяжении своей творческой карьеры Сол Левитт экспериментировал с различными направлениями в искусстве, включая живопись, скульптуру и перформанс. Данная концептуальная работа представляет собой инсталляцию, предназначенную для размещения на стене.

В данной работе Сол Левитт использовал два белых куба, которые он соединил между собой, немного сместив их относительно друг друга. Самой интересной характеристикой куба художник считал то, что он практически не представляет никакого интереса сам по себе, и поэтому служит прекрасным материалом для его бессодержательных концептуальных композиций.

Рисунок на стене выполнен обычным графитным карандашом Н6. Композиция разделена на пятнадцать равных вертикальных секций, каждая из которых полностью заполнена тонкими линиями, нарисованными помощниками Сол Левитта под линейку.

В 1968 году Сол Левитт в присутствии нескольких свидетелей зарыл в землю один из своих кубов, содержащий внутри, по его словам, что-то важное, но совершенно не ценное. Захоронение куба, которое  было выполнено художником собственноручно, символизирует его расставание с минимализмом.

Работа стала переходным этапом от минимализма, который сосредоточен на форме предмета, к концептуальному искусству, предполагающему наличие определенной идеи, вокруг которой строится вся композиция.

Одна из известных модульных структур Сол Левитта состоит из горизонтально соединенных между собой пяти кубов. Куб стал основной формой произведений художника в средине 1960-ых, и из этих геометрических элементов, с разными размерами и цветом, состояли все его скульптуры этого периода.

С этой скульптуры, которую Сол Левитт назвал «структура», начался отход художника от монолитных композиций. Теперь он использует прозрачные, открытые формы, позволяющие полностью увидеть конструкцию произведения.

Одна из немногих живописных работ художника выполнена в контрастной красно-белой гамме. Все полотно картины разделено на 9 равных квадратов, в нескольких из которых Сол Левитт поместил надписи.

Для создания этого раннего произведения Сол Левитт использовал традиционные материалы: холст, масло и окрашенное дерево. Картина представляет собой квадратное полотно насыщенного синего цвета, однотонно покрытое плотной текстурой, а точно посредине расположен ярко-красный деревянный квадрат.

Созданные в 1990-х работы с обнаженной натурой автор объединил в серию «Late Nudes». В этих картинах Лихтенштейн возвращается к фигурам из комиксов, и работает в похожей, но несколько видоизмененной технике.

Спустя несколько десятилетий после вызвавшей бурю негодования «комиксной» живописи, Рой Лихтенштейн смог снова шокировать публику, создав серию работ, повторяющих картины великих художников модернизма.

Создавая свои работы, Лихтенштейн хотел, чтоб они выглядели будто напечатанные. Для этого он использовал методы растровой печати, в котором крупные площади заполняются не сплошной заливкой цветом, а с помощью мелких точек.

Имея в своем распоряжении довольно ограниченные художественные средства, Рой Лихтенштейн мог донести до зрителя эмоции и атмосферу момента. Лица мужчины и женщины, изображенные крупным планом, напоминают фотографию, раскрашенную яркими красками, или плакат.

Очередная сцена из комикса изображена автором в его фирменной манере с использованием жирных черных контуров и всего лишь трех цветов: желтого, синего и красного. Скорость, с которой едет автомобиль, Лихтенштейн передал при помощи отрывистых линий, параллельных плоскости полотна.

Одно из самых знаменитых полотен Лихтенштейна представляет собой диптих, изображающий воздушный бой. Во время Второй мировой войны художник служил в Европе, и увиденное им во время военных действий легло в основу сюжета картины.

Для создания композиции художник использовал сцену из комикса, как он это делал и в других своих произведениях. Но Лихтенштейн не полностью перерисовал сюжет из журнала, а наполовину обрезал изображение.

Иногда вместо красавиц и влюбленных пар из комиксов, в качестве центрального персонажа в картинах Роя Лихтенштейна выступают неодушевленные предметы. Чаще всего это различные «умные» машины – помощники по хозяйству, иметь которые у себя дома не только удобно, но и престижно.

Произведение было создано под впечатлением знаменитого «Черного квадрата» Малевича. Написанное в технике комикса, которую Лихтенштейн уже активно использовал к этому времени, полотно изображает мужчину, заглядывающего в темную комнату через глазок.

Первая работа Роя Лихтенштейна из серии картин по мотивам комиксов. Идея написать произведение в таком стиле пришла к художнику спонтанно, когда его маленький сын попросил изобразить для него картинку из его любимого комикса про Микки-Мауса.

Тема космических полетов, которая была чрезвычайно популярна в 1960-х годах, часто появляется в произведениях Роберта Раушенберга. В июле 1969 года руководство НАСА пригласило художника на свою базу, для того чтоб он заснял запуск корабля «Апполон-11».

Литография в натуральную величину состоит из шести рентгеновских снимков на фоне более тусклых изображений нескольких случайных предметов и  чертежей. Это снимки самого Роберта Раушенберга, поэтому художник считал картину автопортретом или «автопортретом внутреннего человека».

С техникой шелкографии, в которой выполнена данная работа, Роберта Раушенберга познакомил Энди Уорхолл. Этот метод создания картин очень понравился художнику, и он выполнил целую серию работ этим способом печати.

Фигура Джона Кеннеди часто появляется в работах Роберта Раушенберга относящихся к 1960-ым годам. Художник был  большим поклонником этого политика, и убийство президента очень потрясло его, заставляя снова и снова возвращаться к этому образу.

«Каньон» - одна из самых ярких работ Раушенберга, выполненная в смешанной технике. Внимание зрителя сразу же привлекает впечатляющая фигура орла, который расположен по центру композиции с распростертыми крыльями.

В своих произведениях из серии «Комбинации» Роберт Раушенберг прибегал к объемным предметам, которые крепил к плоскому основанию. Но в работе «Монограмма» он пошел еще дальше, сделав этот объект полностью объемным.

Первая инсталляция Роберта Раушенберга из серии «Сombines», созданная из различных бытовых предметов, объединенных с традиционными материалами.  Работа находится на грани коллажа, живописи и скульптуры и имеет форму обычной кровати.

Это произведение Роберт Раушенберг выполнил совместно со своим другом и творческим партнером  Джоном Кейджем. Для того чтоб создать его, Раушенберг попросил друга проехать на его машине по 23 листам бумаги для принтера, склеенным в одну длинную полосу.

Изначально «Белые картины» Роберта Раушенберга воспринимались многими как откровенное издевательство. Отсутствие следа какого-либо вмешательства художника в почти чисто белую поверхность ставят зрителя в недоумение и наталкивают на мысль, что это, возможно, какой-то розыгрыш. Но на самом деле художник очень многое сумел выразить с помощью своих белых холстов.

Для композиции использована забавная фантазия автора о встрече популярной поп-группы «Spice Girls» и «короля рок-н-рола» Элвиса Пресли – идолов разных поколений и разных стран. Знаменитый музыкант позирует перед камерами, наслаждаясь обществом симпатичных полуобнаженных девушек.

Произведение изображает встречу трех знаменитых британских художников: Дэвида Хокни, Говарда Ходжкина и самого Питера Блейка. Оно было написано после того, как эти трое авангардных живописцев действительно встретились в 1979 году в Лос-Анджелесе.

Герои произведения - сова и кошка, путешествующие на игрушечном кораблике, - напоминают мягкие плюшевые игрушки, с которыми любят спать дети. Эти персонажи в картине Питера Блейка символизируют детство, которое быстро заканчивается и оставляет о себе то яркие, то тревжные воспоминания.

Самое известное произведение Питера Блейка, отражающее настроение и психоделическую культуру 1960-х годов. Блейк работал над коллажем вместе с американской художницей Дженн Хаворт, на которой незадолго до этого женился.

Портрет своего давнего друга и коллеги Дэвида Хокни, который к тому времени был популярной фигурой в арт-мире, художник выполнил по фотографии. Снимок сделал известный фотограф Майкл Купер, - он запечатлел светловолосого художника в его узнаваемых очках в массивной роговой оправе.

Данный коллаж исполнен в ярком декоративном стиле. Все полотно разделено на одинаковые квадраты, в каждый из которых художник поместил различные изображения.

В этой композиции художник изобразил себя стоящим в саду в полный рост, в джинсовой одежде и с большим количеством значков на пиджаке. Произведение содержит несколько деталей, указывающих на увлечение Питера Блейка американской культурой.

Суть перформанса, который происходил в нью-йоркском музее современного искусства, состоял в том, что каждый желающий мог сесть напротив Марины Абрамович и в течение нескольких минут молча смотреть ей в глаза.

«Дом с видом на океан» представляет собой три маленькие комнаты, без потолка и передней стены, установленные в выставочном павильоне. В этих комнатах Марина Абрамович провела 12 дней без еды, общения и какой-либо связи с внешним миром.

Произведение было представлено на Венецианской биеннале и получило на конкурсе приз «Золотой лев». В течении 4-х дней Марина Абрамович перемывала гору окровавленных коровьих костей, которые символизировали жертв войны в Югославии.

Перформанс, который был задуман как радостное, торжественное событие, оказался в конечном итоге грустным.

Основной темой этого перформанса стали отношения между мужчиной и женщиной и важность доверия в паре. Марина и Улай использовали для своего эксперимента настоящий лук и острую стрелу, которая была направлена прямо в грудь Абрамович.

В этом перформансе Абрамович со своим партнером Улаем проверяли свою выдержку. Они сели друг к другу спиной, связали свои волосы в один общий узел и сидели неподвижно на протяжении 16-17 часов каждый день, пока продолжалась выставка.

Ранние перформансы Марины Абрамович часто включали в себя элементы самоистязания и даже мазохизма. Во время одного из них, который носил название «Губы Томаса», художница изобразила звезду на своем животе с помощью острого лезвия. После этого деяния она исхлестала себя плетью и легла на полчаса на крест изо льда.

В перформансе, который сделал ее знаменитой, Марина Абрамович отвела себе пассивную роль. Обнаженная художница просто находилась в комнате, где на столе были разложены несколько десятков различных предметов, таких как духи, роза, ножницы, мед, соль и заряженный пистолет.

Один из первых известных перформансов Марины Абрамович, который стал одним из самых опасных. На полу помещения молодая художница выложила пятиконечную звезду из дерева, облила ее нефтью и подожгла.

Поздняя работа Фонтана, выполненная в последний год его жизни, представляет собой полностью белое полотно, покрытое гутой пастозной краской. Посредине холста художник сделал отверстие, которое имеет рваные края, также густо покрытые белым пигментом и вывернутые наружу.

Произведение имеет большие размеры и большое количество полос-прорезей на своей поверхности. Симметричные разрезы на белом холсте расположены в два ряда – такая композиция редко встречается в творчестве Лучо Фонтана.

Первые свои картины с разрезами Лучо Фонтана выполнял на абстрактных полотнах с цветными фигурами, но через некоторое время перешел на полностью монохромные холсты. Этот переход, возможно, произошел под влиянием творчества современного художника Ива Кляйна, который использовал для создания своих произведений чистые яркие оттенки, особенно синий, как в этой работе.

Картины в форме яйца художник стал создавать в позднем периоде своего творчества. Он использовал в этих произведениях свои фирменные «дыры», проткнутые ножом, а также различные материалы с необычной структурой, создающей интересные эффекты на поверхности холста.

Произведение относится к циклу картин «Венеция», который состоит из 22 полотен, выполненных в абстрактном стиле перекликающимся с барокко. В нем художник использовал темный фон, закрашенный густым слоем краски в технике импасто.

В отличие от других работ из серии «разрезы», в этом произведении Фонтана использовал неокрашенный холст небольшого размера. Диагональный разрез он сделал с помощью острого лезвия, а сзади натянул черную ткань, которая создает иллюзию бездонной пропасти и бесконечности.

Талант Лучо Фонтана как скульптора ярко проявляется в серии его работ под общим названием «Природа». В них, так же как и в живописных картинах  «Пространственные концепции», художник применил свой знаменитый прием разреза, разделив аморфную шаровидную фигуру напополам при помощи хирургически точной и ровной линии.

Параллельно со своими экспериментами в области живописи, Лучо Фонтана создавал концептуальные вещи, такие как «Неоновая структура». Она представляет собой извилистую композицию из светящейся неоновой трубки.

Одна из первых работ Фонтана, в которой он нарушает плоскую и ровную поверхность полотна, прокалывая ее при помощи ножа. Вместо того, чтобы создавать иллюзию изображения, накладывая на холст краски, художник дает зрителям возможность заглянуть в пространство позади полотна, которое оказывается неожиданно глубоким и таинственным, как будто картина – это портал в совершенное иное измерение.

Лучо Фонтана начинал свою творческую карьеру как скульптор и продолжал, параллельно с живописью, заниматься скульптурой до конца своей карьеры. Серия его керамических работ 1946-1948 послевоенных годов посвящена битвам и воинам, что очевидно является реакцией на только что закончившуюся Вторую Мировую войну.

Отражающие и прозрачные качества оргстекла служили желанию художника модулировать и активировать свет - его любимую среду. Он стремился создавать впечатление движения часто неожиданными способами и достигал в этом необыкновенных эффектов, используя листы с дефектами, как в данной работе.

Мохоли-Надь сделал серию фотографий Берлинской радиовышки, построенной в 1926 г. Данная знаменитая фотография выполнена с «целенаправленно дезориентирующей точки зрения», отчего больше похожа на сложное взаимодействие отвлеченных геометрических форм, чем на городскую сцену.

Если первые абстрактные работы Мохой-Надя имели непрозрачные геометрические фигуры и напоминали творения Эль Лисицкого, то эта показывает, что автор развивает уникальную идиому.

Мохоли-Надь сделал эту фотографию во время поездки с художником и коллегой по Баухаузу О. Шлеммером в швейцарскую Аскону. Это мрачное (что не характерно для автора) изображение показывает двух младенцев-кукол лежащими на белой пеленке в некой клетке на бетонном полу.

Работа из серии «Фотограммы», которые автор создавал путем экспонирования предметов на светочувствительную бумагу. Объект изображения – в данном случае это рука художника - помещались над «холстом», чтобы оставить белые фигуры. По сути это фотография без использования камеры.

В коллажной работе автомобиль мчится по извилистой дороге, выстроенной из слова «Pneumatik», отсылающего к новому типу шины. Автор рассматривал произведение как ключевой пример жанра, в котором выражается «новый темп визуальной культуры».

Автор отождествил это произведение с конструктивизмом, который появился в России в 1910-ых годах, а в 1920-ых охватывал и запад, отчасти благодаря деятельности Баухауза, который считается наиболее значительным форпостом конструктивизма в Европе.

Абстрактная геометрическая композиция передает ощущение минимализма архитектурного порядка. Фон делит черная вертикальная полоса, пересекаемая в нижней части маленьким желтым горизонтальным прямоугольником.

Эта работа Ф. Купки носит более абстрактный характер по сравнению с другими полотнами из «Машинного цикла. Резкие контрасты между черными, белыми стержнеобразными элементами и сегментированными дисками в ярких красных, оранжевых и синих тонах имеют изобразительную непосредственность.