Графика

Американский художник, скульптор и дизайнер Кит Харинг прежде всего известен своими картинами-граффити, привлекающими ритмичностью, искренним и актуальным звучанием.

Дэвид Хокни – современный английский и американский художник, автор знаменитых полотен в стиле поп-арт с изображениями ярко-голубых бассейнов, манящих своей прохладой посреди жаркого полудня. Его картины, гладкие и блестящие как страницы журнала, завораживают простотой, ясностью и обилием солнечного света.После переезда из Англии в Калифорнию, художник увлекся фотографией. Оригинальная техника съемки с последующим наложением кадров позволяет Хокни создавать необычные коллажи, каких еще никто не делал до него - это полукартины-полуфотографии.Неизменный поклонник кубизма, художник создает произведения с двойной перспективой, объединяя несколько изображений в единое целое. Новаторский подход к методу коллажа сделал художника признанным мастером фотографии конца 20-го века.Будучи одним из самых влиятельных и дорогих художников современности, Дэвид Хокни постоянно изобретает новые техники и экспериментирует с различными стилями. Начиная с 2009 год, художник удивляет публику компьютерными картинами, созданными с помощью приложения на обычном планшете. Работы Хокни, как и его яркая личность, вызывают неизменный интерес в обществе, которое ждет от нестареющего художника новых открытий и смелых вызовов.

Гай Орландо Роуз был ярким представителем калифорнийского импрессионизма (другое название: калифорнийская школа пленэра).Будущий художник родился в состоятельной семье сенатора Леонарда Дж. Роуза. Его творческий путь начался довольно рано, когда, получив ранение на охоте, юный Ги Роуз начал интересоваться живописью.Поклонник художественного таланта Клода Моне, Ги Роуз работал в основном жанрах пейзажа, в том числе городского, и портрета, был хорошим рисовальщиком. В полотнах Ги Роуза присутствует свойственная импрессионизму живость, природность, игра света. Художник использовал насыщенную цветовую гамму, писал пейзажи, женские портреты. Несколько раз выставлялся в Парижском Салоне, принимал участие в выставках на родине, в том числе на Всемирной выставке в Сан-Франциско, где получил серебряную медаль.

Георг Базелиц (настоящее имя Ханс-Георг Керн)Немецкий художник-неоэкспрессионист и авангардный скульптор, один из основателей группы «Новые дикие». Настоящая фамилия художника – Керн, а псевдоним он взял от названия своего родного городка Дойчбазелиц, расположенного недалеко от Дрездена.Визитная карточка художника, которая делает его картины мгновенно узнаваемыми – это человеческие фигуры, расположенные на полотне вверх ногами. Изображать людей таким образом Георг Базелиц начал примерно в 1969 году.Бескомпромиссность и бунтарский дух будущего известного художника привели к тому, что Георг Базелиц был исключен из художественного училища, а его работы «Какая ночь сорвалась» и «Голый человек» были запрещены как непристойные, и изъяты полицией во время его первой выставки.Вынужденный работать в официальном стиле соцреализма во время проживания в Восточном Берлине, художник перешел к абстрактному искусству после переезда в Западную часть города. Постепенно Базелиц отклонил оба направления и стал возрождать немецкий экспрессионизм, который процветал до войны, но был неугоден нацистскому правительству. Человеческая фигура заняла центральное место в творчестве Базелица, а картины приобрели скандальное и вызывающее звучание.Георг Базелиц сыграл ключевую роль в становлении немецкого искусства после Второй мировой войны, выражая национальную идентичность с помощью символичных и экспрессивных образов.Произведения художника часто подвергались критике из-за их отталкивающего и неэстетичного содержания, но вместе с тем, они вдохновили очень многих европейских и американских художников, способствуя возрождению фигуративного искусства.Сегодня Георг Базелиц – всемирно признанный художник, работы которого являются одними из самых дорогих произведений современных живописцев и ваятелей. Он продолжает неутомимо работать, создавая своеобразные «ремейки» своих композиций прошлых лет.

Американский современный скульптор-концептуалист и художник. Практика Брюса Наумана охватывает широкий спектр творческий интересов: перформанс и инсталляция, фотография и арт-видео, работы для средств массовой информации, для печати и промышленного производства. Во всех сферах проявляется увлечение художника природой общения, присущими языку проблемами и ролью художника как манипулятора визуальными символами через средства коммуникации.Науман имеет многочисленные награды в нескольких областях художественной практики, почетную степень доктора искусств в институтах искусств Америки. Работы широко представлены ​​по всему миру как часть экспозиций самых престижных музеев и галерей. Монументальное искусство Брюса Наумана вдохновило многих других художников во второй половине 20-го века и продолжает пользоваться спросом в 21-ом. В 2004 году журнал «Time» назвал его одним из 100 самых влиятельных людей в мире искусства. В 2006 году согласно рейтингу ресурса Artfacts.net Брюс Науман - номер один среди живущих художников.

Швейцарский скульптор и литограф, художник и график, коллекционер архаичных и старинных произведений искусства, видный представитель авангарда в своей стране и в Европе. Художник провел не одно десятилетие в Париже, стал членом сюрреалистической группировки, организованной и возглавляемой Андре Бретоном. Последний включил одну из литографий Сержа Бриньони в знаменитую иллюстрированную книгу «Сюрреализм в 1947 году».Художник как представитель Парижской школы был участником Венецианской биеннале, престижных международных выставок сюрреалистического искусства в Англии и Америке. Огромен его вклад в развитие авангардного искусства в Швейцарии.Близкий к сюрреализму на художественном и интеллектуальном уровне, Серж Бриньони в своем искусстве шел к более сложным метаморфозам изображения мира. Вены и ветви, глаза и внутренности, морские сущности и бесконечные космические ландшафты, пространства и фигуры, оживляемые фрагментами растений, показывают его внимание к природе. Широкий спектр используемых методов создания произведений искусства - скульптура, коллаж, гравировка, живопись и рисунок - придает наследию С. Бриньони статус «аналоговой биологии».В 1985 году швейцарский художник безвозмездно передал свою ценнейшую и обширную коллекцию произведений искусства из Океании и Индонезии в Лугано – в этом городе уже через четыре года был открыт Музей неевропейских культур «Villa Heleneum».

Выдающийся французский скульптор, основоположник современной скульптуры. Огюст Роден по праву считается величайшим творцом своего времени, разрушившим стереотипы в творчестве и ставшим образцом для последующих поколений ваятелей во всем мире.Уникальное умение передать пластику и линии человеческого тела, а также сложные переживания души, были главными особенностями манеры скульптора. Творчество Родена разительно отличалось от традиционных канонов академизма. Его работы, выражающие безудержную энергию жизни, яркие эмоции, а также интимные моменты, встретили непонимание и насмешки современников. Лишь только в конце жизни мастера его произведения были оценены по достоинству и снискали огромный успех.На протяжении долгого периода Огюст Роден работал над большим заказом – входом в здание нового музея декоративного искусства в Париже, которое называлось «Врата ада». Мастер настолько сильно углубился в свою работу, что продолжал ее дорабатывать и переделывать на протяжении целых восьми лет. Несмотря на то, что проект музея так и не был осуществлен, элементы ворот, в том числе знаменитый «Мыслитель», стали отдельными произведениями искусства, покорившими сердца миллионов людей естественностью своей пластики и открытостью чувств.

Французский каталонского происхождения скульптор, мастер искусства гобелена, живописец, книжный иллюстратор. Был членом группы последователей Поля Гогена «Nabis», хотя и не использовал их методы в жанре ваяния.Майоль выступил во второй и главный период своей творческой карьеры как один из самых оригинальных ваятелей и считается автором, совершившим революционный «возврат» к классической скульптуре в то время, когда искусство имело вектор движения к абстрактному направлению. Он стремился к гармонии, соразмерности, упрощению визуальных форм, тяготевших в конце 19 столетия к грандиозности.Также некоторые каталогизируют его как предшественника таких скульпторов, как Генри Мур (запись в блоге 15 ноября 2009 г.). Но также, если мы углубимся в его биографию, нам представлен разносторонний художник, который доминировал во всех дисциплинах, хотя он наконец нашел путь к его творчеству в скульптуре.Благодаря стараниям друга и музы мастера Дины Верни, на протяжении всей жизни занимавшейся пропагандой творчества Аристида Майоля, был в 1995 году открыт музей скульптора, мастера декоративно-прикладного искусства и художника в Париже. 18 скульптур были ею переданы как дар французскому народу с условием их постоянного экспонирования в садах Тюильри.Гуманистическое по сути и исполнению искусство Аристида Майоля оказало огромное влияние на творчество многих крупнейших скульпторов 20 столетия.

Русский выдающийся скульптор и график, снискавший ещё до революции славу «русского Родена». Сергей Конёнков был мастером монументальных композиций, портретного и сюжетного жанров, виртуозно работал в дереве, используя приёмы народной резьбы. Как портретист оставил целую галерею изображений своих современников ( Ф. Шаляпин, М. Горький, С. Рахманинов, А. Довженко, К. Циолковский, В. Маяковский, С. Есенин), писателей-соотечественников (И. Тургенев, Ф. Достоевский, Л. Толстой, Салтыков-Щедрин). Известны выдающиеся памятники А. С. Пушкину, В. И. Сурикову и др.Сергей Тимофеевич более 20 лет жил и работал в Соединенных Штатах Америки, в основном – в Нью-Йорке. По заказу администрации Принстонского университета выполнил в 1935 году бюст великого учёного Альберта Эйнштейна, с которым был дружен, а позже – его изображение во весь рост.В годы войны скульптор был активным членом американского Комитета помощи России. По распоряжению Сталина в 1945 г. для Конёнкова и его работ был зафрахтован пароход.Скульптор, ставший действительным членом Академии художеств еще в дореволюционном 1916 году, после возвращения на родину стал академиком, Народным художником СССР, Героем Социалистического Труда, почётным гражданином города Смоленска, лауреатом государственных премий.Изваяния и рисунки мастера находятся в главных музеях России, в нескольких музеях и государственных учреждениях США и других стран мира. Постоянно экспонируются работы в мемориальном московском Доме-музее «Творческая мастерская С. Конёнкова», в музее скульптуры Смоленска, открытом по настоянию художника, подарившего родному городу большую коллекцию произведений.

Американский скульптор и дизайнер японского происхождения. Исаму Ногути был одним из самых важных и известных скульпторов двадцатого века в США. На протяжении всей жизни он занимался художественными экспериментами, создавая оригинальные скульптуры, дизайн мебели и керамики, архитектурные и ландшафтные проекты. Его неординарный и смелый стиль объединил традиционные и авангардные элементы, установив новый стандарт современного искусства.Ногути не утратил связи со своей исторической родиной и проводил много времени в Японии, открыв там собственную студию. Художник постоянно путешествовал по миру. В его творчестве нашли свое отражение гармония японских садов и керамики, тонкость и изящество каллиграфии Китая, грациозность итальянских мраморных скульптур, монументальность и гениальная простота искусства индейцев древней Америки.Творчество скульптора получило широкое признание в Соединенных Штатах в 1938 году, после создания крупной скульптуры, символизирующей свободу прессы, для здания Associated Press в Нью-Йорке. Эта работа стала первой из множества общественных объектов, установленных в различных городах по всему миру. Произведения Исаму Ногути, начиная от детских игровых площадок, городских площадей и скверов и заканчивая целыми садовыми комплексами, отражает его веру в социальную значимость скульптуры, которая делает искусство доступным для каждого.

Американский художник, дизайнер, авангардный кинорежиссер. Джозеф Корнелл работал преимущественно в техниках инсталляции и ассамбляжа, используя обыденные вещи в неожиданных сочетаниях. Он не имел художественного образования, работал продавцом тканей и проявил себя в искусстве лишь к тридцати годам, открыв новое и интересное направление в современном творчестве, которое имело много последователей..Воздействие на подсознание и загадочность работ Корнелла роднит его с сюрреалистами и дадаистами, хотя сам художник-самоучка никогда не причислял себя ни к одному из модернистских или авангардных течений. Он вел очень уединенную жизнь на окраине города со своим больным братом и матерью, крайне редко выступал на публике, однако поддерживал дружеские отношения с большинством современных американских художников. Дж. Корнелл был глубоко религиозным человеком и пылким сторонником «Христианской науки», что наложило большой отпечаток на все его творчество.Джозеф Корнелл известен, прежде всего, своими оригинальными инсталляциями, где в небольшом,чаще замкнутом со всех сторон пространстве каждая вещь приобретает совершенно иной смысл и вызывает самые разнообразные ассоциации у зрителей. Самые известные работы художника представляют собой стеклянные коробки, в которые он помещал различные объекты: старые фотографии, обрывки газет, другие мелкие предметы. Эти «теневые коробки», как их называл сам автор, имели большое влияние на развитие инсталляции, ассамбляжа и других современных форм искусства.

Швейцарский скульптор, живописец и график, один из крупнейших мастеров-ваятелей XX столетия, яркий представитель авангарда.Джакометти, изучавший искусство живописи и ваяния в Женеве и Париже, экспериментировал с кубизмом и футуризмом, плотно интересовался техникой примитивной скульптурой. Некоторое время работал с сюрреалистической французской группой и создавал странные объекты, свидетельствующие о жестокости, интересу к эротике и одновременно - о мечтательности и гуманизме их автора.После того, как довольно резко отстранился от сюрреалистов, Джакометти вернулся к работам более фигуративным и жизненным. Уже зрелый мастер создал свои самые известные произведения - серии удлиненных и хрупких фигур, похожих на скелеты и выполненных не путем резьбы, а процессом моделирования в глине или гипсе без тщательной проработки и заглаживания поверхности скульптур и статуэток. Именно эти работы чрезвычайно высоко ценятся на арт-рынке и вызывают неизменно-повышенный интерес зрителей.Джакометти писал статьи для каталогов многих выставок и для периодических изданий, излагая неординарные мысли, а также вел дневники, куда вносил воспоминания, наблюдения и пояснения к своим произведениям. Они являются важным документом авангардистской эпохи в искусстве и культуре.Самый высоко оцениваемый (в прямом и переносном смыслах) выдающийся классик мировой скульптуры был настолько неординарен, что не имел прямых последователей, но повлиял на все мировое изобразительное искусство. Был кумиром Сальвадора Дали, Генри Мура и других известных художников.

Русский скульптор-монументалист, мастер портретного жанра в мраморе и бронзе, профессор, автор теоретических трудов по монументальному искусству.Характер природного дарования позволил Вучетичу стать одним из самых выдающихся представителей «советского классицизма», чьи работы известны во многих странах мира. Он неоднократно удостаивался Гран-при международных выставок, его заслуги оценены шестью государственными премиями СССР, а также премией имени Дж. Неру.Скульптор награждался медалями и орденами (в том числе как участник Великой Отечественной войны), был Вице-президентом Академии художеств, стал Героем Социалистического Труда и Народным художником СССР. В своих работах Евгений Вучетич запечатлел наиболее значимые события в истории своей страны, образы его произведений символизируют военный и трудовой героизм народа. Такая тематика обусловила драматизм творений, всегда, тем не менее, носивших жизнеутверждающий характер.Наиболее значительными по масштабу являются скульптурные ансамбли в Берлинском Трептов-парке и на Волгоградском Мамаевом кургане. Скульптура «Родина-мать зовет» была вписана как самая высокая нерелигиозная статуя в мире в Книгу Рекордов Гиннеса.

Русский скульптор-монументалист, мастер портретного жанра, а также автор новаторской бытовой пластики - ваз, бокалов, статуэток из стекла.Скульптор, получившая образование и навыки у видных российских и парижских мастеров, тяготела к монументальному жанру и вводила в скульптуры некоторые приемы кубизма и футуризма. Прославилась впечатляющими монументами, главный из которых – «Рабочий и колхозница», за который автор удостоилась Гран-При на Международной выставке в Париже. Побеждала также на Венецианской биеннале.В разные годы художница была член художественных объединений «Монолит», «Четыре искусства», Общества русских скульпторов, «Бригада восьми», стала академиком и Народным художником СССР.В наследии ваятеля насчитываются десятки портретов героев войны, ученых, артистов, в которых реалистично и эмоционально запечатлен облик выдающихся людей. Вера Игнатьевна пять раз удостаивалась Государственной премии СССР за отдельные произведения, награждалась орденами и медалями не только своей страны. Она преподавала на скульптурных факультетах нескольких учебных заведений, была автором теоретических статей по монументальной скульптуре. Музей Веры Мухиной открыт в Феодосии, где она жила долгое время, в её честь назван кратер на Венере.

Румынский выдающийся скульптор мирового масштаба, большую часть своей творческой карьеры составивший во Франции. Является одним из главных художников-основателей стиля абстрактного ваяния и ярчайшим представителем парижской школы.Константин Бранкузи, имеющий в авангардном искусстве XX столетия мировое имя, привел скульптуру к революционному упрощению форм. И это было не простым упражнением в пластическом дизайне, а реальной интерпретацией ритма современной ему жизни. При этом мастер, работавший в камне, бронзе и дереве, демонстрировал высочайшее техническое мастерство. Через подчеркнутую формальность и кажущуюся бедность формы он выявлял внутреннюю красоту используемых материалов, освобождая ее от поверхностных проявлений. Доказательством того, что искусство Бранкузи не являлось пустой абстракцией, а было наполнено высоким содержанием, служит чрезвычайная популярность его работ и при жизни мастера, и в настоящее время. Пионер абстрактной скульптуры был широко известен в Европе, Америке, а также через своего почитателя и последователя И. Ногучи – в Японии, но никогда не забывал свои корни. Скульптор получал крупные заказы из Румынии, в том числе на парковые мемориалы.Наследие художника востребовано и в 21 веке. Несмотря на то, что скульптуры имели немалое количество авторских повторов и последующих отливок, они оцениваются на современном арт-рынке в десятки миллионов евро или долларов.В парижском Центре Жоржа Помпиду с момента его открытия есть отдельная комната со скульптурами Константина Бранкузи – автор завещал свои работы французскому народу.

Немецкий скульптор, гравер, график и писатель-драматург. Художник, работавший в фигуративном искусстве, считается ярким представителем позднего экспрессионизма, тесно связанным с традиционной готикой немецкого средневековья. Творчество Э. Барлаха с 1910-ых годов обрело большой публицистический размах. Он постоянно апеллировал к сознанию человечества, стремясь обнажить в работах остроту и глубину проблем современности. Ему присущи, как и экспрессионизму в целом, высокие духовно-этические идеалы.Бертольт Брехт, причисляя Э. Барлаха к величайшим скульпторам, когда-либо работавшим в стране, оценивал произведения следующей формулой: «Красота без приукрашивания. Величие без морализаторства. Гармония без лоска. Сила жизни без жестокости». В 1930-1931 годах к 60-летию мастера прошли крупные выставки в городах Германии, в Эссене, Венеции, Нью-Йорке, Цюрихе, Париже. Факт такого широкого признания не помешал нацистам устраивать травлю на художника, ставшего «внутренним эмигрантом». Он продолжал творить вещи, вызывавшие ненависть у властей и фундаменталистски настроенной публики.Его пьесы запрещались к показу, скульптуры изымались из общественных коллекций и уничтожались как «вырожденческое искусство». В прессе писалось «надеемся, что все следы его ужасающих произведений будут убраны», самого скульптора называли не иначе как «антинемцем» и «полуидиотом». Однако Барлах, отказавшись от членства в Академии искусств, решил не уезжать из страны, до конца отстаивая право на свободное творчество.В послевоенное время в обоих немецких государствах были созданы музеи Барлаха – в городе Гюстрове ( ГДР) и в Гамбурге ( ФРГ). Вблизи Гюстрова было сооружено отдельное музейное здание, где хранятся около 400 скульптур, около 2 тыс. набросков и рукописей творца. Активно действующим является «Общество Эрнста Барлаха».

Известнейший английский скульптор, одна из наиболее значительных фигур в искусстве Великобритании 20-го столетия. Барбара Хепуорт работала в то время, когда женщины-художницы, а тем более скульпторы, были редкостью. Она, наряду со своими современниками Беном Николсоном и Генри Муром, оказала огромное влияние на развитие современного британского искусства в целом, и абстрактной скульптуры в частности.Любимыми материалами Хепуорт были дерево и камень, из которых с помощью техники вырезания она создавала биоморфные абстрактные композиции. Художница разработала принцип «полой формы» и впервые создала сквозную скульптуру, которая широко применяется многими ваятелями современности. Свои неординарные и загадочные образы Хепуорт согласовывала с окружающим пространством и придавала им сходство с натуральными формами и линиями. Работам скульптора присуща особая ритмичность, заложенная законами самой природы.Вместе со своим супругом Беном Николсоном Барбара Хепуорт была лидером колонии художников Сент-Ивз, где она проживала с начал Второй мировой войны и до самой своей смерти. Она также была одним из основателей арт-движения «Unit One», участниками которого были авангардные художники и скульпторы, и которое смогло объединить сюрреализм и абстракцию в британском искусстве.

Выдающаяся польская художница, скульптор, реформатор искусства гобелена. По фамилии художницы получили название текстильные скульптурные формы абаканы. Крупные грубофактурные произведения поражали своим видом, напоминая зрителю органические многократно увеличенные структуры. Новизну техники и сюжетных замыслов М. Абаканович мировое арт-сообщество высоко оценило уже в первой половине 1960-ых, удостоив художницу главных наград международных биеннале.Та значительная свобода, что предоставляла польским художникам возможность поездок в западные страны, способствовала развитию уникального таланта Магдалены Абаканович. Она бывала в Париже и Венеции, Мюнхене и Нью-Йорке, участвуя в художественных событиях за пределами Восточного блока и получая инъекции другого искусства, сильно отличающегося по форме от принятого в Польше соцреализма.Абаканович всегда подчёркивала метафоричность работ названиями, поскольку все ее произведения - результат размышлений «об обстоятельствах, формирующих различные состояния человека», отражение также её личной жизни со своей историей страхов и страданий.Как определила искусствовед Д. Врублевская, «в основе искусства М. Абаканович лежит биология. Но она - творец, поэтому человека исследует через форму и пользуется в своих исследованиях инстинктом». Неослабевающую изобретательность Абаканович определяет ее творческое кредо: «Не люблю принципов и правил. Это враги фантазии».Художница удостаивалась очень многих престижных наград, ее работы украшают города Европы, Японии, США, Израиля, Южной Кореи – во многих из них она выступала с лекциями и мастер-классами.

Самый известный и значимый английский скульптор послевоенного времени, один из основоположников модернистской британской скульптуры. Г. Мур существенно повлиял на постепенное превращение британской скульптуры из провинциальной в авангардную, не только соответствовавшую европейским понятиям о современном искусстве, но и внесшую в нее собственные темы и средства пластического выражения.Мировую известность Муру принесли его скульптуры, предназначенные для открытого пространства, которые установлены во многих крупных городах по всему миру. Эти произведения, изображающие главным образом полуабстрактные человеческие фигуры, впечатляют гармонией форм и музыкальностью плавных, извилистых линий. Они раскрывают извечные темы красоты природы и привлекательности женского тела, духовной близости мужчины и женщины, беззаветной любви матери к своему ребенку – всего того, что делает наш мир прекрасней.Свои произведения скульптор предпочитал вырезать из целого куска дерева или камня, и только в позднем периоде своего творчества стал использовать гипс и бронзовое литье. Помимо скульптуры Г. Мур известен как прекрасный рисовальщик. Наиболее значимыми его работами были впечатляющие изображения граждан Лондона, укрывающихся на станциях метро во время нацистских бомбежек.

Выдающийся французский скульптор, художник, рисовальщик и педагог. Проработав 15 лет в мастерской Огюста Родена, сначала как его помощник и ученик, а потом как равноправный коллега, Антуан Бурдель стал влиятельной фигурой в европейском арт-сообществе.Парижскую мастерскую-студию А. Бурделя посещали такие ученики, как Аристид Майоль, Вера Мухина, Альберто Джакометти, ставшие выдающимися скульпторами, а также художники Анри Матисс, Вадим Меллер и десятки других.О выдающемся таланте скульптора говорит большое количество полученных им крупных заказов на монументальные сооружения национального значения и немалое число работ, выполненных для столиц и городов разных стран мира.Не возражавший против многократного тиражирования своих самых выдающихся работ мастер представлен в музеях мира прижизненными отливками фигур и композиций из бронзы, а также повторами более поздних лет.Художник стал полным кавалером наград Ордена Почетного Легиона Франции, был основателем и вице-президентом «Салона Тюильри» в Париже. Он оставил потомкам портреты таких выдающихся людей, как О. Роден, Г. Эфель и др.Дом с мастерской в Париже, в котором скульптор жил и работал с 1884 года до конца жизни, стал художественным Музеем, где находится множество готовых работ, а также эскизы к ним, выполненные в терракоте, глине и гипсе. К музею прилегает сад, также ставший местом экспонирования скульптур Антуана Бурделя. Второй сад-музей скульптора открыт в Égreville стараниями наследников и экспонирует 56 работ мастера.

Филиппинский художник, яркий представитель кубизма. Получив образование в США, Канаде и Европе, художник находился в первых рядах модернистского движения в стране и сыграл одну из ключевых ролей в становлении современного искусства на Филиппинах. Манансала известен как автор «прозрачного кубизма», в котором изображения накладываются друг на друга, создавая ощущение легкости и невесомости. Его картины сочетают в себе самые современные мировые художественные тенденции с местным колоритом и глубоким пониманием психологии народа. Многие произведение В. Манансала раскрывают тему человеческих лишений и крайней бедности в послевоенной Маниле. Цветовая палитра художника отличается преимущественно яркими, солнечными оттенками, свойственными природе его родной страны. Картины Манансала наполнены душевным светом и искренним сочувствием к изображаемым пермсонажам. Художник считал, что истинная красота искусства зарождается в процессе его создания, а главной темой каждой картины является любовь.

Бельгийский художник-новатор, яркий представитель сюрреализма. Картины Поля Дельво навеяны тайными желаниями, подсознательными страхами и яркими впечатлениями из детства. Наследие живописца знаменито, прежде всего, своими обнаженными женщинами, молчаливыми и неподвижными, словно статуи, пребывающими в атмосфере загадочности и пустоты.Большая часть творческой карьеры Поля Дельво проходила в период Второй мировой войны и оккупации его родной страны. Это стало одной из причин появления в картинах художника тревожного настроения и беспокойных мотивов, хоть выражалось это не прямым способом, а через обращение к психике человека и его подсознанию.Несмотря на то, что Дельво никогда официально не состоял в сюрреалистических группах и даже не причислял сам себя к этому движению, он был близок со многими из сюрреалистов. Особенно тесно художник общался с Рене Магриттом, который оказал на него заметное влияние, и Андре Бретоном – основоположником сюрреализма.В своем творчестве художник не использовал абстрактные предметы, как это делали его коллеги. Наоборот, картины мастера поражают своей реалистичностью и правильностью форм. Потрясающей атмосферы таинственности в своих произведениях Поль Дельво создавал собственными методами, совмещая неординарные образы с символичностью и непостижимостью сюжета.

Выдающийся художник (живописец и график), теоретик искусства, талантливый педагог, видный деятель культурного процесса первой четверти 20 столетия. Уроженец России Виктор Пальмов справедливо считается классиком украинского авангарда. Художник разработал собственную теорию «цветистости» и был автором ряда статей по проблемам теории новой живописи, печатавшихся в журнале "Новая генерация". Работы мастера попали в число «арестованных» и были в одном ряду с полотнами А. Богомазова, Д. Бурлюка, А. Экстер, «бойчукистов» запрещены к показу в галереях и музеях.

Испанский (каталонский) живописец и скульптор, чье творчество оказало огромное влияние на целое поколение художников-модернистов. Произведения Жоана Миро относятся к самым ранним сюрреалистическим работам. Они послужили основой для дальнейшего формирования и развития стиля, пользующегося чрезвычайной популярностью и по сей день.Жоан Миро пробовал себя в различных модернистских и авангардистских течениях европейской живописи, но никогда не останавливался на одном из них окончательно, постоянно совершенствуя и обогащая свой художественный метод, экспериментируя с разными техниками и способами живописи. Результатом этих опытов стал собственный живописный язык мастера, основанный на сюрреальном мироощущении. Именно это позволило художнику переосмыслить основные принципы изобразительного искусства в соответствии с собственным оригинальным видением окружающей действительности.Уникальный мир Жоана Миро полон неповторимых образов и символов. Они представлены в виде чистых пластических знаков, расположенных в пустом пространстве, но не являются полностью абстрактными, а скорее напоминают наивное искусство или рисунки детей. Картины Миро состоят из геометрических, правильных или неправильных фигур, танца извилистых линий и мелких деталей, имеющих мистическое значение и создающих непередаваемую атмосферу каждой работы.

Английская художница-авангардист, график-иллюстратор, тесно связанная с британским движением вортицизма. Вместе с Джессикой Дисморр составила «женскую» часть группы из 11 художников, поставивших подписи под Манифестом Vorticist. Хелен Сондерс публиковала свои художественные работы, а также поэзию и прозу в журнале «BLAST». Как представитель раннего британского абстракционизма она стала одной из первых в стране авторов, работающих в стиле, очень близком к нефигуративному, и достигла в этом определенных вершин, развивая персональный язык в русле идей сначала постимпрессионизма, а затем - «вихризма».Немаловажным вкладом художницы в социальную жизнь страны стала ее активная поддержка борьбы за предоставление женщинам избирательного права.Недолговечное вортицистское движение, первоначально часто рассматриваемое как «мускулистое» мужское дело, было поддержано двумя женщинами в столь инновационной и неотразимой манере, что до настоящего времени ни одна из ретроспективных выставок, посвященных этому англо-американскому движению, не обходится без их картин. Одна из самых крупных «Вортицисты: художники-повстанцы в Лондоне и Нью-Йорке, 1914-1918» (2011) экспонировалась не только в Соединенных Штатах и Великобритании, но и в Италии.По словам Хелены Сондерс, движение представляло «очень разрозненную группу художников, каждый из которых разрабатывал свои собственные идеи под эгидой вихря».

Английский художник-авангардист, активный участник недолгого по времени, но радикального движения «вортицизм», которое появилось в Лондоне непосредственно перед Первой мировой войной.Эдвард Уодсворт не только подписал Манифест нового объединения, но и создавал графические композиции для журнала «Blast», тесно сотрудничая с его главным редактором Уиндемом Льюисом. Вложив журнал «Взрыв» в своем полотне «Вортицисты в ресторане de la Tour Eiffel: весна, 1915» именно в руку Удсворта коллега У. Робертс подчеркнул его значительную роль в группе. Это было принципиально важно в 1960-е годы, когда интерес к движению стал более пристальным.Много путешествовавший художник способствовал дальнейшему развитию британского авангарда, привнося в него идеи сюрреализма. Он был членом таких значительных творческих объединений, как парижская группа «Abstraction-Création».

Итальянский художник, выдающийся представитель второй волны футуристического направления в живописи, один из первых сюрреалистов в стране. Энрико Прамполини был необычайно одаренным человеком, проявившим свой талант во многих отраслях искусства. Современникам он был известен как театральный сценограф и дизайнер, а также архитектор, написавший несколько фундаментальных трудов в этом направлении. Вместе с Джерардо Доттори художник работал в стиле аэроживописи, создавая работы, построенные на ощущении полета, особенностях воздушной перспективы и скорости.Прамполини был одним из авторов «Манифеста механического искусства», который провозглашал господство машин в мире будущего и тесную связь новых технологий с живописью. Художник считал, что современное творчество должно основываться на использовании механических элементов из мира промышленности. В своих работах он воспевает слаженность и ритм, присущий работе механизмов.Искусство художника развивалось в тесном контакте с авангардными течениями Европы. Прамполини был близко знаком с парижскими кубистами, а также принимал активное участие в работе немецкого движения Баухаус. Являясь сторонником абстрактно-геометрического построения композиции, что характерно для итальянского футуризма, Прамполини постепенно переходит к полной абстракции, включающей элементы сюрреализма.

Белорусский живописец, график, иллюстратор и сценограф еврейского происхождения, мастер прикладного и монументального искусства 20 столетия. Марк Шагал стал одним из самых узнаваемых на международном уровне творцов. Когда многие из его соратников-сверстников проводили амбициозные эксперименты, часто ведшие к абстракции, он свято верил в силу образного искусства, которое поддерживал своим творчеством.Несмотря на воспринятые авангардистские идеи, он оставался романтиком. Родившись в Белоруссии, Шагал работал в России, во Франции, где сразу стал видной фигурой в «Эколь де Пари», позже - в Соединенных Штатах и на Ближнем Востоке. Путешествия подтверждали его имидж архетипического «странствующего еврея», считавшего, что искусство уничтожает границы и сословия.Влияние Марка Шагала столь же обширно, как и количество стилей, которые он ассимилировал в своем искусстве. Никогда полностью не соглашаясь с каким-либо одним движением, он переплел многие из визуальных элементов кубизма, фовизма, символизма и сюрреализма в свою лирически эмоциональную эстетику с неизменным присутствием еврейского и славянского фольклора.Шагал, как и Пикассо, - яркий пример современного художника, который оставил огромное наследие - живопись (как маслом, так и гуашью, акварелью), фрески, травление, витражи, керамические изделия, театральные декорации и костюмы.

Итальянский художник, архитектор, скульптор, искусствовед. Работал по большей части в Милане и Риме. Творчество Марио Сирони испытало несколько кардинальных изменений на протяжении долгой карьеры. Наибольший вклад художник внес в движение футуризма, обогатив и дополнив его собственными оригинальными находками, а также в метафизическую живопись, став ее ярким и оригинальным представителем. Он был также одним из создателей стиля «новеченто», старавшимся сменить разнообразие модернистских течений более рациональным «возвращением к порядку».Марио Сирони – мастер индустриального пейзажа, тонко чувствующий ритм и атмосферу своей эпохи. Его картины отличаются сумеречным настроением и темными тонами, резко контрастирующим с яркими и восторженными полотнами футуристов. Пользуясь довольно ограниченной палитрой, Сирони, благодаря его чувству цвета и формы, удалось создать уникальную атмосферу отчуждения и пустоты современного мира.Как и многие его коллеги, художник поддерживал фашистский режим и выполнял настенные росписи и мозаики по заказу правительства. С падением режима Муссолини он пережил большое потрясение и разочарование, что негативно отразилось на творчестве, однако он продолжал активно заниматься живописью до конца своих дней.

Джесси (Джессика) Дисморр - английская художница-новатор, живописец и график, мастер книжной иллюстрации. Джессика Дисморр была одной из двух женщин, ставших активными членами движения вортицистов и подписавших в 1914 году соответствующий Манифест. Известность Дисморр основывается на ее статусе художника - яркого представителя раннего британского авангарда.Начинавшая как фовистка, Джессика много работала как соредактор агрессивно настроенного к академизму журнала «Взрыв» (Blast), в котором печатала и художественные работы, и свою прозу и стихи. Позже она создала свою узнаваемую форму геометрической абстракции, для чего требовались не только талант, но и смелость. Искусствовед Х. Виленски прокомментировал ее роль как «мужество преодоления дискриминации относительно женщин-художниц в Англии» и подчеркивал значение ее творчества как «наиболее типичного для художественных экспериментов того времени». На фоне утверждений У. Льюиса («это то, что я лично сделал и сказал в определенный период») неудивительно, что Дисморр была довольно долгое время почти невидимой в истории модернизма. Однако проведенные в 1960-х годах и проводимые ныне исследования и крупные выставки отдают должное этой художнице, как и второй вортицистке – Хелене Сондерс.

Итальянский художник-футурист, декоратор, мастер настенной росписи. Имя Джерардо Доттори неразрывно связано с историческим регионом Умбрия, где он родился и прожил большую часть своей жизни и где хранится большинство его картин. В родном городе Перуджа он основал авангардный художественный журнал «Griffa», который выполнял задачу распространения идей футуристического движения в регионе.Художник подписал «Манифест Аэроживописи» в 1929 году, и стал одним из лидеров этого движения, воспевающего скорость, высоту и ощущение полета. Его самые известные работы представляют собой оригинальные по своей технике изображения итальянских ландшафтов, часто рассматриваемых с большой высоты. Яркие, насыщенные оттенки изумрудного и синего, которые художник использовал в своих работах, а также фантастические пейзажи стали визитной карточкой мастераСам Доттори называл себя «сельским футуристом». Ему чуждо было восхищение ревом машин. Городской суете и шуму художник предпочитал спокойствие и созерцательность глубинки, где время имеет совершенно другую скорость, а природа и люди не меняются столетиями. Творчество художника долгое время относилось к числу малоизвестных за пределами своей родины, но в последние десятилетия интерес ценителей модернистской живописи к ярким и оригинальным работам Джерардо Доттори значительно возрос.

Русский живописец, мастер пейзажа, теоретик искусства и художественный критик, театральный художник. Творческая карьера, как и личная жизнь художника были счастливыми. Он был успешен с ученических лет, его ценили и после революции, удостаивали разных почестей (премий, орденов, званий), он избежал всех гонений, накатывавших на страну волнами. Однако приспособленцем никогда не был – писал в своей манере и в основном на «свои» темы - пейзажи, архитектура, гораздо меньше уделяя внимания сюжетной и портретной живописи.Стиль Константина Юона, близкий к реализму и умеренному импрессионизму, приобретал некий окрас то символизма, то примитивизма, но всегда оставался живым и неподдельным.Огромное наследие мастера составляет коллекции главных российских музеев и галерей, присутствует в собраниях почти всех областных и бывших республиканских музеях пост-советской территории.

Российский украинского происхождения живописец-авангардист, график, теоретик искусства. Имя Александра Шевченко встречается в каталогах всех значительных выставок прогрессивных объединений и групп - «Мира искусства» и «Союза молодёжи», «Бубнового валета» и «Ослиного Хвоста». Несомненен вклад Шевченко в теоретическое обоснование ценности примитивного искусства, дальнейшего использования приемов кубизма и футуризма, а также совместная с А. Грищенко разработка теории «цветодинамоса», базировавшегося на соединении новейших и архаических форм живописного искусства.А. Шевченко стал организатором и председателем «Цеха живописцев», ратовавшего за станковое изобразительное искусство. Как педагог привлек к этому движению целую плеяду своих талантливых студентов. Несмотря на отход от радикального авангарда, не раз подвергался критике как «формалист».Творчество мастера представлено в самых крупных собраниях - ГМИИ им. А. С. Пушкина и в Государственной Третьяковской галерее, в Государственном Русском музее и многих областных галереях и музеях стран постсоветского круга.

Итальянский художник и композитор, поэт, теоретик искусства, один из лидеров футуристического движения. Луиджи Руссоло был чрезвычайно разносторонним человеком, его талант охватывал живопись, музыку, литературу и науку.Он был одной из самых оригинальных личностей футуризма, его основателем и теоретиком. Музыкальное творчество Л. Руссоло было признано и уважаемо великим русским композитором Игорем Стравинским и основателем знаменитых парижских балетов Сергеем Дягилевым. Знаменитый манифест Руссоло под названием «Искусство шумов» стал основой для возникновения целого ряда музыкальных направлений, возникших через много лет после смерти его автора.Современникам художник запомнился как смелый экспериментатор, который не боялся представить обществу свои живописные и музыкальные изобретения. Вместе с Умберто Боччони, Джакомо Балла и другими художниками он стал автором «Технического манифеста футуристической живописи», который вышел в 1910 году.Руссоло предлагал активно вводить в искусство звуковые краски индустриального мира: гудки автомобилей и поездов, шумы колес, звуки заводов и фабрик, гул оживленной толпы. Его живопись отличает тесная связь с музыкой, а также необычайная изысканность стилистики и гармоничность цветовых решений.

Итальянский живописец и график, представитель футуризма и метафизической живописи. Творчески активный художник и теоретик живописи, Карло Карра был одним из самых известных деятелей искусства в Италии в первые десятилетия XX столетия и влиятельным членом футуристического движения.Стиль художника несколько раз кардинально менялся за его продолжительную карьеру. Он пережил несколько последовательных периодов: раннего неоимпрессионизма и символизма, футуризма, кубизма, метафизики и неоклассической живописи.Наиболее значительный вклад художник внес в движение футуризма. В своих работах он талантливо сочетал оригинальные приемы кубизма с динамизмом и смелым новаторством футуристической идеологии. Полотна Карра футуристического периода заполняют безудержно яркие и энергичные образы, хаотичное движение и бурные эмоции.Во время войны он встретился с Джорджо де Кирико, с которым основал стиль, известный как метафизическая живопись. С этого времени он писал натюрморты и интерьеры, наполненные зловещей пустотой и таинственной тишиной. В конце 1920-х годов художник полностью отказался от авангардного искусства и отстаивал консервативную эстетику движения Новеченто.

Русская художница-авангардист, живописец и график, сценограф, много лет работавшая в Париже. В истории русского искусства имя Н.С. Гончаровой теснейшим образом связывают с именем М. Ларионова - они проработали вместе 60 лет сначала в России, потом в Париже. Необыкновенно талантливые творцы, сотрудничая, помогали один другому утверждать индивидуальность. Называемая «амазонкой авангарда» художница, участница группировок «Бубновый валет» и «Синий всадник», а значит, футуристка и кубистка, была смелым новатором в живописи, блестящим декоратором и до сих пор восхищает ценителей искусства редчайшим многообразием мощного художественного дарования.То, что называют «русским стилем» в профессиональном изобразительном искусстве никогда не существовало до гончаровского «Петушка». Она, безусловно, наследуя традиции лубка, используя народные представления о религии, фольклор Египта, обожаемой ею Скифии, соединила все в единую гармоничную стилистику.

Русский театральный художник и сценограф, живописец и график, Народный артист России. Сотрудничавший с В. Мейерхольдом и С. Дягилевым Головин был не только крупнейшим мастером театрально-декорационного искусства, но и одним из его реформаторов. Он обладал острым чувством стиля, неисчерпаемой фантазией и редкой сценической интуицией, что позволяло ему всегда находить единое художественное решение постановки, влиявшее на работу режиссера. С именем Головина связан почти 20-летний период в развитии русской театральной культуры.Как станковый художник Александр Головин тяготел к импрессионизму и модерну, однако некоторые портреты (к примеру, изображение друга Николая Рериха) написаны в целиком реалистичной манере.Особенность Головина-портретиста состоит в том, что он создал великолепные портреты артистов (балерин, актеров) в тех ролях, которые они исполняли. Самыми значительными являются изображения Шаляпина – Головин писал его в образах Мефистофеля и Олоферна, Бориса Годунова, Фарлафа и др.Станковая живопись Александра Головина находится в самых знаменитых коллекциях России, а его эскизы для костюмов и для сцены стали самостоятельными картинами, имеющими немалую ценность.

Талантливая и оригинальная украинская художница, яркий и влиятельный представитель авангардной живописи и сценографии. Ее творческий путь отмечен постоянными новаторскими поисками, в результате которых она внесла существенный вклад в становление как украинского, так и русского живописного авангарда, декоративно-прикладного искусства и сценографии.Школа-студия, открытая Александрой Александровной в Киеве, заложила основы новых методов преподавания изобразительного искусства. Экстер участвовала в большинстве выставок, проходивших до 1925 года в столицах России, и Украины, экспонировалась в Германии, Франции. США.Была одной из первых художниц, получивших прижизненное признание, о чем свидетельствуют многочисленные статьи в периодических издания разных стран, в частности вышла на четырех языках иллюстрированная монография, написанная известным искусствоведом, влиятельным ценителем нового французского искусства Я. Тугендхольдом (1922 г., Берлин).

Русский художник-авангардист, график-иллюстратор, выдающийся деятель театра и кино, литератор. Стиль творца в изобразительном искусстве раскрылся в гармоничном соединении модерна, кубизма и футуризма с приемами традиционной живописи.Из острохарактерных портретов художников и писателей, политических деятелей и артистов сложилась значительная галерея – уже в 1922 году в альбом «Портреты» было включено 80 картин, передающих облик ключевых фигур того времени: Ахматова и Мейерхольд, Пастернак и Маяковский, Ремизов и Горький, Замятин и Хлебников, Троцкий, Луначарский, Зиновьев и др. За портрет Ленина в 1924 г. удостоился первой премии – он воспроизводился на купюрах и марках.Невозможно переоценить новаторский вклад в сценографию как русских, так и французских театров. Анненков, работая со Станиславским, Мейерхольдом, Комиссаржевским, Балиевым, впервые выдвинул и воплощал идею беспредметных кинетически изменяющихся декораций. Как художник кино был отмечен «Оскаром».Под литературным псевдонимом Борис Темирязев создал драматические и прозаические произведения, публицистику и мемуары «Дневник моих встреч». Написав яркие и не всегда комплиментарные воспоминания о Блоке, Горьком, Маяковском, Замятине, Ахматовой, Пастернаке стал автором, запрещенным к публикации в СССР.

Крупный украинский живописец и график, один из основных представителей авангардного изобразительного искусства первой половины 20 столетия. Работал в жанрах пейзажа, портрета, натюрморта и сюжетной картины. Давид Штеренберг был талантливым педагогом, среди его многочисленных учеников и последователей такие видные мастера, как А. А. Дейнека и др. Разносторонне одаренная личность и творец, он был художником книги, мастером театральной декорации.Художник, опережая развитие новых стилей, разработал собственную теорию минимализма в натюрморте, в которой гармонично сочетались элементы примитивизма и кубизма. Он разработал и опубликовал программный трактат «Задачи современного искусства». Был удостоен звания заслуженного деятеля искусств СССР.Заслуга мастера перед мировым искусством в том, что при полной солидарности с авангардным искусством, он отстаивал основополагающее значение станковой живописи в общем формировании новой эстетики 20 столетия.

Русский художник, незаконнорожденный сын знаменитого пейзажиста-передвижника Алексея Саврасова. Алексей Моргунов находился в центре творческих событий и художественных идей русского авангарда в первые два с половиной десятилетия 20 века, но впоследствии от него полностью отошёл. Художник был активным членом-экспонентом «Московского товарищества художников», «Союза молодежи», «Бубнового валета», становился участником таких знаковых выставок, как «Трамвай В», «Магазин» (Петроград), «Московский салон», «Мир искусства», Пятая государственная выставка картин в Москве и др.Моргунов тесно дружил с Малевичем. Вместе они придумывали разного рода эпатажные акции футуристов. Он был завсегдатаем салона интеллектуалов у К. Крахта; увлекался теориями М. Ларионова и Н. Гончаровой, работая как в неопримитивистской, так и в кубофутуристической манерах. По стилистике раннего и позднего периодов ближе всего был к французскому фовизму. Как профессор живописи преподавал в Государственных свободных мастерских, входил в группу "Объективного анализа" в Институте художественной культуры. В последнее десятилетие творческой карьеры, отойдя от авангарда, создавал тематические картины, близкие к стилю и отвечающие духу соцреализма.

Итальянский живописец, график, теоретик искусства и критик. Один из первых и самых влиятельных футуристов в стране. Джино Северини долгое время работал в стиле кубизма, поддерживая отношения с Пабло Пикассо и Жоржем Браком в Париже.Под воздействием своего учителя Джакомо Балла художник изучал способы выражения движения и скорости в живописи, что привело его к переходу в футуризм. Вместе с несколькими соратниками он подписал первый Манифест футуризма в 1910 году.Произведения художника отличает динамизм, подвижность, стремительность. Вместе с тем, работам Северини присуща удивительная уравновешенность композиции, свойственная кубистам. Эта особенность позволяет частично разрешить противоречия между футуризмом и кубизмом, объединить их попытки создать невозможное: изобразить предмет одновременно с нескольких точек времени, углов зрения и положений в пространстве. В своем творчестве художник максимально приблизился к этой цели, сумев отобразить реально подвижную, звучащую и живую картину. Художник считается непревзойденным мастером в изображении оживленной ночной жизни города.

Украинский художник и поэт, издатель, критик, работавший в России, Японии, Америке. Один из основоположников русско-украинского авангарда, традиционно именуемый «отцом русского футуризма». Был инициатором революционных идей, объединявших многие знаковые фигуры (Лентулов и Экстер, Богомазов и Пальмов, поэты Маяковский и Каменский, Кручёных и Хлебников, Асеев и Гуро), а также создателем группы «Гилея» - первого литературно-художественного союза футуристов. Он состоял в членах-организаторах новаторских групп «Венок Стефанос», «Бубновый валет», был членом московского «Союза молодёжи», мюнхенского «Синего всадника».Художник стал первым в Башкортостане мастером, который создал образы коренного населения, первым перенес авангард на землю Японии.Музей художника создан в Бруклине (Нью-Йорк, США), американская Международная Академия Зауми вручает ежегодно премию «Международная отметина им. Д. Бурлюка».

Узбекский художник русского происхождения, один из главных основоположников современного искусства Средней Азии, организатор нескольких художественных объединений Узбекистана - страны, уроженцем которой он был и в которой плодотворно работал. Феномен русско-азиатского мастера заключается в том, что его лучшие произведения важны не только для формирования туркестано-узбекской школы живописи, но и для истории искусства в целом.Наследие художника заняло особое место в общем развитии среднеазиатского искусства 20 столетия, поскольку имело свои истоки как в искусстве Востока, так и Запада. Волков активно использовал традиционные национальные мотивы декоративно-прикладного искусства и достиг монументализма в создании образов простых людей-тружеников, не теряя связей с кубистической манерой исполнения.Несмотря на присвоение в 1946 году звания Народного художника, Александр Волков в этом же году был осужден за формализм; ему была запрещена выставочная деятельность и его отстранили от преподавания в Ташкентском художественном училище, где трудился почти 20 лет.

Бельгийский живописец и рисовальщик, литограф и иллюстратор. Фриц ван ден Берге был одним из самых интересных бельгийских художников-экспрессионистов первой половины двадцатого века и видным сюрреалистом. Начав свою карьеру под влиянием художников-символистов и лумистов, сгруппировавшихся в Laethem-Saint-Martin, он написал манифест вместе со своим другом художником Густавом Де Сметом, выступив против импрессионизма. Как член второй волны школы Laethem-Saint-Martin, Берге проповедовал новейшие тенденции в изобразительном искусстве своей страны.Время Первой мировой войны - период экзистенциальных сомнений, когда художник жил в Нидерландах, ознаменовался увлечением кубистической живописью французского художника Анри Ле Фоконье, а также интересом к футуристскому движению и немецкому экспрессионизму.В конце 1920-х годов, побывав на выставке, где экспонировалось, в частности, искусство М. Эрнста и Ж. Миро, художник отошел от других направлений и посвящал работы попыткам преодолеть барьеры между реальными и иррациональным явлениями, между жизнью и смертью. Свою новую сюрреалистическую концепцию Берге раскрывал, в частности, в оригинальной для стиля тематике – цветочных натюрмортах.Хотя живописные произведения Берге нередко напоминают работы М. Эрнста и Дж. Энсора, его творчество – это несомненно оригинальный фламандский вариант сюрреализма, с присущим ему большой живописностью и экспрессией. Работы Берге (а список произведений, составленный в 1966 году, состоит из 430 пунктов) представлены в большинстве бельгийских музеев и в галереях Европы.

Украинский художник, крупный представитель и один из ведущих теоретиков украинского художественного авангарда начала 20 столетия. Александру Богомазову обычно сопутствует эпитет «украинский Пикассо», но сам он свою работу в статье «Живопись и Элементы» трактовал как кубофутуризм, уделяя большое внимание ритмической составляющей работы.В искусствоведении мастер мирового уровня характеризуется как самый последовательный из кубофутуристов, наиболее гармонично объединивший в своих работах идеи итальянского футуризма со стилистикой французского кубизма и орфизма. К тому же именно он теоретически обосновал синтез этих направлений.Богомазов был видным деятелем культуры, реформировавшим систему художественного образования страны. Как талантливый педагог он много лет преподавал в разных школах искусств, в Институте пластических искусств (переименован в 1924 году в Киевский художественный институт).Имя Александра Богомазова было из истории искусства вычеркнуто на 30 с лишним лет по причине усиленной борьбы с формализмом. Внимание к «арестованному» наследию возобновилось только в 1960-е гг. Картины выдающегося авангардиста экспонируют европейские и американские галереи и музеи.

Румынский живописец и скульптор еврейского происхождения, главный представитель авангарда этой страны в первой половине 20 столетия и в послевоенный период. Значительную часть творческой карьеры художник сделал во Франции. Хотя Виктор Браунер после его ранних постимпрессионистских и экспрессионистских опытов внес вклад в каждое авангардное движение, большая часть его творчества вписывается в концепцию сюрреализма.Активный в культурной жизни своей страны художник пытался развивать авангардистские движения – основал в Бухаресте издание журнала «75 НР», написал «Манифест пиктопоэзии», организовывал выставки дадаистов и сюрреалистов. Однако угроза попасть в застенки нацистов заставила художника поселиться во Франции.Браунер был активным и влиятельным участником объединения сюрреалистов, возглавляемого Андре Бретоном, но его творчество, считают специалисты, стояло особняком благодаря необузданной фантазии и, главное, серьезному увлечению эзотерическими идеями и аутентичным искусством разных народов мира. Это направление стало особенно выделять художника после того, как он потерял глаз – тот самый, который он изобразил выбитым на своем автопортрете за семь лет от самого события. Виктор Браунер был участником крупных сюрреалистических выставок, а в 1966 году (в год его смерти) был выбран для представления Франции на Венецианской биеннале. На Могильной плите кладбища Монмартр он завещал сделать надпись: «Живопись - это жизнь, настоящая жизнь, моя жизнь».

Чешский художник-новатор, фотограф, график и театральный декоратор, поэт и теоретик искусства, ярчайшая фигура европейского сюрреализма 20 столетия. Йиндржих Штырский также считается представителем парижской школы живописи, так как значительное время жил и работал во Франции. Воспитанник Пражской Академии художеств был частью чешской художественной богемы и входил в период ее развития между двумя мировыми войнами в национальные авангардные объединения – сначала в группу «Devestil», затем в «Манес», а позже - в сообщество сюрреалистов, одним из основателей которого Й. Штырский стал в 1934 году. Кроме того художник стоял у истоков становления авангардного фотографического искусства и новой сценографии в Праге - руководил Свободным театром столицы Чехии.В 1930-ые годы Й. Штырский выступил редактором частного подписного издания «The Erotic Revue» с иллюстрациями от широкого круга известных чешских художников. Каждый выпуск художник дополнял собственными коллажами. К числу самых важных сюрреалистических произведений относится «Emily Comes to Me in a Dream», вышедшее в сопровождении эротических фотомонтажей автора и психоаналитической интерпретации Б. Брука. Оно значительно ускорило преодоление табу и цензуры буржуазной культуры того времени.Йиндржих Штырский - весьма своеобразный, а потому не просто читаемый художник чешского межвоенного искусства. Его произведения признаны современной европейской классикой авангарда и представлены в главных музеях и галереях Чехии.

Русский живописец, скульптор, график и сценограф еврейского происхождения, соединивший в своём самобытном творчестве черты русского модерна и авангарда. Один из самых известных и выдающихся художников театра на идише. Почти десятилетие, проведенное во Франции, не сделало его членом Парижской художественной школы, а последние двадцать лет творческой карьеры Роберт Фальк, обвиненный в формализме, практически не выставлялся и на родине. Однако станковой живописью продолжал заниматься «для себя». Он демонстрировал свои работы приватным образом как представитель неофициального искусства, вдохновителем которого он в молодости стал. Поддерживал целую плеяду молодых художников, посещавших его мастерскую.

Выдающийся венгерский живописец и график, публицист и теоретик искусства. Янош Кметти был первым кубистом в стране и влиятельным педагогом, воспитавшим целое поколение молодых художников. Обучаясь во всемирно известной академии Джулиана в Париже, он перенял самые передовые художественные традиции Европы и обогатил искусство Венгрии новыми авангардными направлениями и методами живописи. Карьера художника тесно связана с литературно-художественным объединением «Тэтт» (Действие), возглавляемым Лайошем Кашшаком. Вместе с несколькими соратниками он в 1924 году был одним из основателей «Нового общества художников» и его вице-председателем. Кметти также принимал активное участие в жизни художественной колонии Надьбаньи и Сентендре и выставлял свои работы в коллективных выставках венгерских авангардистов как у себя на родине, так и за рубежом. В 1949 году художник был удостоен Национальной премии имени Кошута – почетной государственной награды Венгрии, а его автобиографические и теоретические труды являются важными источниками информации для искусствоведов.

Украинский художник еврейского происхождения, продолжительное вемя живший и работавший в России. Был мастером портрета, графиком-иллюстратором, скульптором и театральным художником. Крупный художник-авангардист, стоявший у истоков русского кубизма, член таких значимых творческих группировок, как "Мир искусства", "Союз молодежи", один из основателей "Еврейского общества поощрения художеств". Был удостоен в 1968 году звания заслуженного художника России.

Немецкий представитель авангардизма – видный художник, скульптор, мастер монументальной росписи, а также хореограф, театральный оформитель и теоретик искусства. Около 10 лет работал в знаменитой художественно-промышленной школе Баухауз (Bauhaus, Веймар), разработав обучающий курс «Der Mensch» (Человек), который построил на синтезе приемов нескольких художественных дисциплин и разных стилей. Оскар Шлеммер внес значительный вклад в искусство сценографии, выполнив оформление и поставив хореографию для нескольких опер и балетов. Искусство художника было отнесено к списку «дегенеративного», ему было запрещено заниматься творчеством и преподавать в художественных школах.

Английский художник-пейзажист (жанр марина) и график Филипп Уилсон Стэр является одним из лидеров английских импрессионистов и одним из основателей в 1886 году Ново-английского клуба художников, противостоящего методам официальной Королевской художественной академии. Кроме работы в основном избранном жанре пейзажа - марине, создавал агитационные рисунки и полотна во время Первой мировой войны, служа в британском Министерстве информации. Художник был удостоен почетного звания Кавалера британского Ордена Заслуг.

Американский художник и график еврейского происхождения, уроженец Белоруссии. Создавал свои произведения в таких различных стилях, как реализм (мистический и социальный), пуризм, кубизм и сюрреализм.Зрелый период работы Питера Блюма пришлись на время, когда в американском искусстве уже расцвел реализм как последствие изоляционистских и этноцентрических настроений после Первой мировой войны. Особенно это направление утвердилось в эпоху Великой депрессии, начавшейся в 1929 году. Однако форма особого реализма Блюма была не слишком близка к установленным канонам сюрреализма – художник основывался на собственных наблюдениях и был приверженцем живописных приемов Ренессанса и Северного Возрождения. П. Блюм неоднократно выигрывал первые премии на выставках и был награжден стипендией Гуггенхайма, благодаря которой смог более года учиться в Италии.Художник пользовался покровительством семейства Рокфеллеров – в частности, дружил с основателем Нью-Йоркского музея современного искусства Эбби Олдричем Рокфеллером и первым директором заведения Альфредом Барром, а также со знаменитым коллекционером и покровителем авангардистов Эдгаром Дж. Кауфманном, который покупал картины и предоставлял заказы.Многие из написанных во время и после Второй мировой войны произведений художника имеют острое политическое и общественное антифашистское звучание. Яркий пример - сюрреалистическое полотно «The Rock» (закончено в 1948 г.), посвященное мировой трагедии.Картины уроженца Белоруссии входят в коллекции крупнейших музеев США и высоко ценятся на арт-рынке.

Русский живописец и график, мастер сценографии, педагог, участник художественных объединений символистов «Голубая роза», «Венок», группы «Маковец». Был членом Союза русских художников. Удостоен звания Народного художника России, член-корреспондент Академии Художеств СССР.

Российский живописец и график, книжный иллюстратор, художник кино. Михаил Цыбасов был среди последователей Павла Филонова, составляющих ядро группы «Мастера аналитического искусства» и оставался верным своему учителю до конца, несмотря на гонения, которым он подвергался со стороны советской власти.В своем творчестве художник неукоснительно следовал основным принципам системы аналитического искусства. Трудолюбивый и целеустремленный Цыбасов мастерски исполнял все, за что ни брался. Его упорная работа и профессионализм позволили ему блестяще освоить «принцип сделанности», основополагающий для художников аналитического искусства.Михаил Цыбасов принимал активное участие в коллективном труде учеников Филонова по оформлению костюмов и декораций к постановке «Ревизора», благодаря которой творчество группы приобрело широкую известность. В 1931 году он стал одним из главных разработчиков иллюстраций финского этнического эпоса «Калевала», вложив в это издание немало сил и энергии. Восемь больших иллюстраций к поэме стали одними из лучших графических работ художника и во многом сформировали его графический стиль, определив тематику и манеру его последующего творчества.В последние годы жизни художник сосредоточился в основном на портретах, где в полной мере выразил свое светлое и позитивное отношение к людям и жизни.

Русский живописец и график, один из первых учеников Павла Филонова и талантливый последователь метода аналитического искусства. Павел Кондратьев входил в круг молодых художников, музыкантов и литераторов, формировавшихся вокруг Исайи Браудо, Марии Юдиной, и Татьяны Глебовой. Он был близким другом Алисы Порет и некоторое время проживал в ее доме, где царила творческая атмосфера и проходили встречи людей искусства. Художник также стал постоянным персонажем нескольких стихов знаменитого поэта Даниила Хармса и поддерживал с ним постоянные дружеские отношения.Кроме обширного живописного и графического наследия, художник запомнился как теоретик искусства и талантливый преподаватель. В послевоенное время вокруг него сформировался своеобразный «кружок Кондратьева», поддерживающий его творческие идеи. Живописец сотрудничал с Владимиром Стерлиговым и вместе с ним использовал в живописи так называемый «прибавочный элемент» - изогнутую кривую, которая легла в основу известной «чаше-купольной» системы.Творчество Кондратьева – своеобразный синтез нескольких направлений русского авангарда. Он обладал особым даром чувствовать пульс своей эпохи и объединять казалось бы несовместимые стили и направления в своих произведениях. Работы Павла Кондратьева являют собой уникальный сплав научных теорий и глубокой духовности, присущей настоящему Художнику.

Российский живописец и график немецко-еврейского происхождения, мастер монументального жанра (в частности, мозаичного), художник кино, теоретик искусства, талантливый преподаватель истории искусства, поэт и писатель. Павла Зальцмана сложно назвать последовательным продолжателем идей аналитического искусства, но как ученик П. Н. Филонова он донес его идеи в художественную среду Казахстана, где прожил более 40 лет и стал Заслуженным деятелем искусств этой страны (1962).П. Зальцман, считают специалисты, - фигура парадоксальная: формально художественного образования не имея, стал одним из самых глубоких и виртуозных мастеров 20 столетия. Неоднократно стоя на грани гибели, почти чудом выживал и вновь обращался к созидательной деятельности. Не будучи иллюстратором, но обладая «литературным» типом мышления, оставил наследие, которое воспринимается безупречным материалом для иллюстрирования.Феномен кроется и в семейном воспитании, и в унаследованных талантах, и в общении с 17 лет с П. Филоновым, не только привившим вкус и поставившим руку, но и научившим всегда быть верным призванию. С достоинством перенося трудности выживания в условиях крайней нищеты, голода, блокадной жизни, отсутствии жилья, хронического безденежья несмотря на относительное признание в 1970-х годах, художник оставался мыслителем и философом. Работы Зальцмана находятся в собраниях Русского музея, его графика представлена в постоянной экспозиции Третьяковской галереи на Крымском Валу, Государственного музея искусств Казахстана, во многих частных коллекциях.

Русский художник и график, открыватель новых путей в изобразительном искусстве 20 ст. Считается основателем мистического сюрреализма на 9 лет ранее появления на арт-арене произведений С. Дали, изобретателем новой анатомической (рентгеновской) живописи, «нового лучизма».Искусствоведы отмечают, что на Челищева, учившегося в Киеве у А. Экстер и рано уехавшего во Францию, оказал влияние Пикассо, усматривают даже периоды «голубой» и «розовый». Клоуны, артисты, а иногда известные личности в этих образах, взирают на зрителя с холстов этого времени. Однако собственно кубистических произведений после самого раннего периода художник не создавал. К парижскому периоду относится «Концерт», проданный на торгах Christie’s в 2016 г. чуть ли не за 2 млн. долларов и превзошедший по цене картины Дали, выставлявшиеся в этом же списке.К 1950-ому году сюрреализм Челищева был несколько преодолен вышедшем на авангардный арт-рынок абстрактным экспрессионизмом. Но даже последняя серия геометрических абстракций у художника имеет мистическую интенсивность, которая предвосхищает психоделический идеализм 1960-х гг. «Внутренние ландшафты» мастера отзывают в эстетике оп-арта.Тонкого и неповторимого живописца ценили его знаменитые современники в Европе и США, и его влияние на развитие искусства трудно переоценить. В то же время на родине имя самобытного мастера почти не было известно до начала 21 века. Первую персональную выставку организовала московская галерея «Наши художники» в 2006-ом, через пять лет показала уже более 70 произведений и повторила вернисаж в 2013-ом с названием «Челищев. Выставка на бис».

Швейцарский художник-авангардист, графический дизайнер и литограф, мастер книжной иллюстрации и монументальной росписи, а также писатель.Отто Цуми органично воспринял каноны сюрреалистических манифестов, требующих умственной независимости, так как это было очень созвучно с его художественной независимостью.Художник участвовал в многочисленных групповых выставках этого движения, в том числе в Америке, но так и не присоединился ни к одной из ассоциаций сюрреалистов. Разработав свой собственный стиль, он совершенствовал и видоизменял его до конца своей долгой творческой карьеры, составившей более 60 лет.Наиболее значительной работой в книжной иллюстрации стали рисунки к роману Германа Мелвилла «Моби Дик» (издание 1942 года, Париж). Как востребованный монументалист, Отто Цуми расписал в послевоенное время несколько общественных зданий в Берне и других городах Швейцарии. Наиболее крупной стала фреска для офисая бернской таможни (1955) Как писатель, получил в 1970 году государственную премию за продвижение бернской литературы.В доме Отто и Беатрис Цуми открыт музей, где, в частности, хранится ценная для истории европейского авангардного искусства переписка с Хансом и Софи Арп, Германом Гессе, Максом Биллом, Мерет Оппенгейм. Картины художника представлены во всех музеях и ряде художественных галерей его страны.Художник-сюрреалист стоит в ряду с Альберто Джакометти, Сержем Бриньони, Максом Селигманом как один из самых важных сюрреалистов Европы, оказавших решающее влияние на изобразительное искусство своей страны в 20-ом столетии.

Выдающаяся латвийская художница – живописец и график, мастер книжной иллюстрации.Окончив поочередно графическое и живописное отделение Латвийской Академии искусств, Майя Табака имела редкую для начинающего советского художника возможность двухлетней стажировки в Западной Германии. Время, проведенное среди художников объединения «Берлинское новое изобразительное искусство», позволило незаурядному таланту Майи Табаки ощутить «ветер под крыльями». Немецкие искусствоведы и по сей день продолжают называть художницу «райской птицей» - настолько большое впечатление она произвела эффектными сюжетами и блестящей живописью. В галереях Германии хранятся портреты Майи Табаки в исполнении Дитера Мазура и Вольфа Фостелля. Последний часто воспроизводится - это лицо, взятое крупным планом с пятнами краски на нем и с фотоаппаратом вместо носа.На родине художницу также признавали – она стала членом Союза художников и Народным художником СССР, была удостоена премий, наград (медаль «Три звезды» и др.), а также звания почетного гражданина Юрмалы. О знаменитой художнице были сняты документальные фильмы.Работы Майи Табаки, кроме главных музеев и галерей, а также частных коллекций Латвии, имеются в Государственной Третьяковской галерее, находятся в коллекциях нескольких галерей Германии. Художница продолжает участвовать в коллективных показах. Ее персональные и ретроспективные выставки за более чем полувековую творческую карьеру проходили во многих городах всей Европы и в десятках городов Америки, пользуясь неизменным успехом.

Чешская художница - живописец, литограф, график, мастер книжной иллюстрации. Самая яркая и значимая представительница поэтизма и сюрреализма в Чехии Мария Черминова уже в раннем возрасте взяла псевдоним Тойен. Его истоки могут быть трактованы как от французского «Citoyen» - гражданин, так и от чешского словосочетания, означающего «это он». В обоих случаях новое имя не давало гендерной идентичность. Мария, пытавшаяся разрушать стереотипы, стала культовой фигурой и в Чехии, и в Париже, где ее поддержал, в частности, Андре Бретон - ведущая фигура в сюрреалистическом движении.Тойен - творец оригинальный и самодостаточный. Она воспринимала сюрреализм как движущую силу воображения, а также социального и политического прогресса. Художница стала одним из организаторов сюрреалистического объединения в Праге. Многие ее картины со второй половины 1930-х годов также имели сильный политический и антивоенный подтекст.Враждебная к буржуазному конформизму, Тойен оспаривала ценности, основанные на тоталитаризме. Художница после нацистской оккупации покинула Прагу, считая неприемлемым для творца навязанный стране коммунистический режим.В Париже она участвовала в деятельности сюрреалистической группы А. Бретона. Хотя жизнь и работы Тойен внесли большой вклад в развитие феминистского искусства, сама она никогда не вступала в дискуссии, не говорила открыто о феминизме или о своей сексуальной ориентации. Тем не менее, эксперты считают ее пионером свободного женского искусства.

Украинская художница-самоучка, график, мастер декоративной живописи. Основываясь на народных традициях, Анна Собачко-Шостак вносила в них современное звучание и элементы сказочной фантастики. Художница стала Мастером народного искусства (звание с 1936 г.) и членом Cоюза художников CСCР с 1939 г. Её работы были высоко оценены за рубежом, в частности, Анри Матиссом.

Выдающийся английский художник и скульптор, знаток и коллекционер произведений искусства, преподаватель, публицист. Роланд Пенроуз является одной из ключевых фигур Британского сюрреалистичного движения, а также основателем Института современного искусства в Лондоне, который являлся центром авангардной культуры страны. Долгое время художник был куратором в знаменитой галерее Тэйт и многое сделал для того, чтоб познакомить соотечественников с передовыми художественными направлениями Европы.Творчество британского художника по большей части представляет собой либо коллажи, либо живописные работы, выполненные в стиле коллажа. В своих произведениях художник часто использовал туристические открытки с изображением известных мест или памятников архитектуры, соединяя их в различных комбинациях, и создавая собственное оригинальное видение известных на весь мир объектов. Неожиданное соединение несовместимых вещей – главная идея искусства Пенроуза, которая находит свое отражение, как в его полотнах, так и в скульптуре.Имя Роланда Пенроуза часто упоминается в связи с его книгой «Пикассо: Жизнь и творчество», которая является одним из наиболее достоверных источников информации о великом художнике, с которым автор был дружен многие годы. Кроме этого труда, Пенроуз издал также монографии о своих современниках, среди которых Жоан Миро, Антони Тапиес и Мэн Рэй.

Живописец, график, иллюстратор, театральный декоратор, создатель школы примитивного искусства в поселке Хлебине. Вместе со своими соратниками Крсто Хегедушич основал независимую художественную группу под названием «Земля» в 1929 году. Эта группа боролась за социальную справедливость и равноправие в обществе, за что подвергалась преследованиям со стороны государства. Художник часто посещал поселок Хлебине, где прошло его детство, а в 1930 году начал преподавать живопись талантливым местным крестьянам Ивану Генераличу и Франьо Мразу. Это стало началом знаменитой Хлебинской школы наивного искусства, которая прославила работы хорватских художников-примитивистов на весь мир.

Швейцарский еврейского происхождения художник, график и писатель, а также сценограф и гравер, долгое время живший и работавший в США. Курт Селигманн известен своими фантастическими образами средневековых трубадуров и рыцарей, которые проводили яркие, а порой жуткие ритуалы и отчасти вдохновили тематику карнавалов, ежегодно проводимых в его родном швейцарском Базеле. Шедевром сюрреалистической гравюры считается серия из шести офортов, иллюстрирующих греческий миф об Эдипе, вышедшая в 1944 г. и много раз переиздававшаяся. Значительным трудом также является его книга «История магии и оккультизма» (первоначально «Зеркало Magic», New York, 1948) В своей личной технике автоматизма Селигманн стремился к достижению образов по чистой случайности, а также к передаче образов природных явлений. К примеру, он следил за узорами и формами, которые создавали циклоны и писал впечатляющие ландшафты Большого Каньона и американского юго-запада, находя в них психологическое сходство с антропоморфными элементами. Мастер говорил: «Это пейзажи, но они не статичны. Я называю их циклоническими».Среди художников второго поколения сюрреалистов Курт Селигманн некоторое время игнорировался искусствоведами, что частично объясняется его эксцентрическими образами и несколько академическим подходом к живописи и графике. Однако в настоящее время это считается отражением его художественной и интеллектуальной независимости. Искусство К. Селигманна никогда не определялось каким-либо конкретным «измом», поскольку он стремился к синтезу абстрактных и образных направлений в рамках общих современных ему живописных проблем.

Мансийский и первый ненецкий художник. Считается создателем «северного изобразительного искусства». Стал известен благодаря его другу и биографу Г. Гору. Признан очень искренним, нежным наивным художником, тонким колористом. За короткую творческую биографию - всего семь лет, включая четыре года студенчества в специально созданных для народных самодеятельных художников мастерских.

Чешский художник, график-иллюстратор, сценограф и писатель. Ян Зрзавый был одним из ведущих представителей художественного национального авангарда 20 столетия, одним из основателей творческого объединения художников «Sursum», членом Ассоциации художников Чехии «Manes», Союза художников-графиков «Голлар». Произведения мастера в 1937 году были причислены нацистами к списку «дегенеративного искусства». В 1965 г. ему было присвоено звание Народный художник Чехословакии. В галерее Яна Зрзавого в Телчи выставлены работы, которые он завещал своему народу.

Австрийский еврейского происхождения живописец и рисовальщик, гравер и скульптор, архитектор и сценический дизайнер, мастер монументальной росписи и книжной иллюстрации, а также композитор и поэт. Эрнст Фукс был одним из основателей знаменитой Венской школы фантастического реализма, создателем и активным деятелем венского Арт-клуба и объединения «Hundsgruppe».Мировую славу художник приобрел, работая во Франции, Германии, США, Израиле, Испании. Эрнст Фукс в 1993 году одним из первых западных художников удостоился чести провести большую ретроспективную выставку в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге, позже показ состоялся в Государственной Третьяковской галерее в Москве. Мастер, открывавший свои выставки, отметил, что «одно из самых высоких проявлений искусства – это древнерусская живопись».Художник, восхищавший работами своего друга С. Дали, приобрел и реставрировал Виллу О. Вагнера в Хюттельдорфе, в которой организовал в 1988 году музей Эрнста Фукса. Он является в настоящее время одним из крупных культурных центров Австрии и представляет зрителю самую большую коллекцию картин мастера, взявшего псевдоним Fire-Fox.Живопись Эрнста Фукса — это мистификация и диссонанс, вызов обществу (особенно в жанре ню), но в то же время это непрерывный и творческий диалог со старыми мастерами. Необычайно яркий и плодовитый австрийский художник оставил богатейшее творческое наследие в различных жанрах искусства - от рисунков удивительного мастерства и архитектуры до литературы и музыки.

Чешский живописец, график, иллюстратор, ставший одним из наиболее ярких, своеобразных и значительных представителей раннего европейского сюрреализма, а позднее, в период после Второй мировой войны, - мастером абстрактной пейзажной живописи.Йзефа Шиму в равной мере относят также к Парижской школе сюрреализма, так как он значительную часть творческой карьеры работал во Франции (около 50 лет). При этом художник никогда не терял творческих контактов с чешским художественным сообществом и был членом художественных группировок на родине.Получив специальное и разностороннее образование в пражской Высшей технической школе и Академии изящных искусств столицы Чехии, Й. Шима становится одним из основателей чешской художественной группы «Devestil», а переехав в Париж принял активное участие в деятельности группы сюрреалистов «Grand Jeu» и стал соучредителем и оформителем одноименного журнала.Художник вошел в историю изобразительного искусства как талантливый иллюстратор часто переиздаваемых сборников чешских и французских поэтов, с которыми тесно общался.Джозеф Сима (французский вариант написания имени) стал важной фигурой в современном европейском искусстве, был удостоен звания Офицера Почетного легиона. Самая большая коллекция его работ (живопись и рисунки) находится в парижском Центре им. Жоржа Помпиду и в галерее чешского города Брно. Работы художника высоко ценятся на арт-аукционах Европы.

Один из крупнейших русских художников-символистов, живописец и график. Создавал картины в жанрах пейзажа, портрета, сюжетных сцен. Принадлежал к саратовской школе живописи, был участником выставок «Алая роза» и «Голубая роза», членом Московского товарищества художников и Союза русских художников, французского Общества изящных искусств. В Саратове открыт Музей-усадьба В. Борисова-Мусатова - филиал художественного музея им. А.Н. Радищева.

Испанская художница-сюрреалистка и скульптор, которую специалисты относят к очень значительным и незаслуженно малоизвестным живописцам 20 столетия. Соученица Сальвадора Дали, член арт-группы Logicophobiste (Барселона) имела уникальный стиль - безусловно, свой собственный взгляд на моральные аспекты и механику жизни. Ее произведения полны тонкого остроумия и загадочности, а тематика работ мотивирована исследованиями древности и литературных источников, к также физикой и математикой, инженерией и биологией в сочетании с психоанализом.Спасаясь от режима Франко, феминистка и анархистка Варо, имевшая республиканские связи, переехала в Париж, но во время Второй мировой войны эмигрировала в Мексику. Уникальный стиль художницы сочетает в себе фрагменты подсознательного, мистического начала и глубокого понимания человеческой души. Он берет свои истоки в атмосфере средневековья, искусстве Босха, научных теориях и эзотерической литературе. Свои главные произведения Варо выполнила во второй половине жизни, а всемирную славу приобрела уже после своей смерти.Картины художницы аллегоричны и наполнены глубоким смыслом. Они заставляет зрителя задуматься о природе Вселенной и тайнах бытия, скрытых в простых, обыденных вещах. Удивительный мир Ремедиос Варо привлекает своей лиричностью, подчеркнутой женственностью, парадоксами реальности, которые художница без устали создает в каждой своей картине.Магия и мистика работ Ремедиос Варо, во многом перекликаются с произведениями ее близкой подруги, англичанки Леоноры Каррингтон, которая, так же как и Варо, эмигрировала из раздираемой войнами Европы в относительно спокойную Мексику. Вместе женщины организовали кружок сюрреалистов, в творчестве которых присутствуют и влияния местной культуры, в частности настенной росписи «мурализм», которая являет собой смесь авангардных течений с искусством индейцев Южной Америки.

Австрийский художник-сюрреалист, теоретик искусства, скульптор и поэт, автор нескольких философских трудов, работавший в Мексике и США.Вольфганг Паален был выходцем из богатой немецко-австрийской семьи, и его детство прошло в старинном замке, выкупленном и реставрированном его отцом. Царившая там атмосфера Средневековья, древние сказания и легенды местных жителей наложили существенный отпечаток на личность будущего художника.Паален был членом группы художников-абстракционистов «Абстракция-Творение», а позже стал одним из выдающихся деятелей сюрреалистического движения, выступая организатором и дизайнером их выставок, как в Европе, так и в США. По приглашению Фриды Кало он переехал в Мексику, где основал собственный сюрреалистический арт-журнал DYN, имевший большое влияние на авангардное искусство страны.В своем творчестве Вольфганг Паален стремился соединить абстрактное искусство с обращением к подсознанию и символическим элементам. Он разработал свою личную модель сюрреалистического выражения, представленную в виде загадочного, потустороннего пейзажа, пронизанного мистикой и насыщенного таинственными образами космического происхождения.Абстрактные полотна художника и его теоретические статьи оказали большое влияние на развитие абстрактного экспрессионизма, который стал ведущим направлением в США во второй половине 20 столетия.

Польский художник, мастер художественной фотографии, а также компьютерной графики. З. Бекшинский - яркий представитель позднего сюрреализма, первоначально создававший скульптуры и проволочные инсталляции. Сконцентрировавшись на живописи, художник обратился к абстракции, но быстро перешел к фантастическому сюрреализму. К этому стилю относятся его самые известные произведения, тематика которых - сцены смерти, распада, постапокалиптического ужаса.С 1970-ых годов у художника сложилась характерная манера передачи сюрреалистических картин-страшилок с повторяющимся пристрастием к изображению искаженных тел без лиц или конечностей, многоногих и многоруких монстров, часто замотанных в истлевшие тряпки. Если художник писал архитектуру или интерьер – это были руины, окутанные мрачным туманом, покрытые паутиной дома, кресты, надгробия. Таким образом, большинство работ Бекшинского трудно перепутать с творчеством других сюрреалистов. Своим впечатляющим кошмарам художник названий никогда не давал, предоставляя зрителю возможность самому доходить до сути произведения. После варшавской выставки 1964 года, когда все полотна живописца были раскуплены, практически все вернисажи Здзислава на родине проходили с огромным успехом. В начале 1980-х годах произведения польского оригинального мастера стали известны во Франции, затем серьёзный размах популярности достиг Западной Европы, Японии и США.Бекшинский завещал свое художественное наследие Историческому музею города Санока, где он родился. В этом музее сейчас самая большая коллекция произведений художника - несколько тысяч картин, скульптур, рельефов, рисунков, графики, фотографий.

Русская художница, театральный декоратор, иллюстратор и график. Ученица Павла Филонова и последовательница аналитического искусства в живописи, Татьяна Глебова была членом «Мастерской Аналитического искусства» и постоянным участником коллективных выставок группы. Несмотря на большой авторитет своего учителя, художница сумела выработать свой собственный яркий стиль живописи, искренний и своеобразный, наполненный глубокими образами, берущими свои истоки в религиозном учении и народной жизни.Дворянское происхождение художницы наложило отпечаток на ее мировоззрение и творчество. Это стало причиной того, что искусство Глебовой находилось в стороне от официальных путей советской живописи, а картины художницы практически не были представлены на крупных выставках.Вместе со своим супругом и единомышленником Владимиром Стерлинговым Глебова стала автором новых принципов живописи, названных «системой чаше-купольного пространства». Согласно этой теории небо и земля представляют собой некую конструкцию; они взаимопроникающие и дополняющие друг друга, создавая единую гармонию мироздания. Этот новый философский взгляд на живопись привлек много последователей. У художников появились ученики, а в совместной мастерской «старопетергофской школы» проходили занятия и выставки современных живописцев.

Русская художница, дизайнер и живописец, модельер и полиграфист, яркий представитель московского авангарда, в частности, конструктивизма, поэт, жена и соратница Александра Родченко. Выставлялась и печаталась под псевдонимом Варст. Как одна из пяти основных «амазонок русского авангарда» активно создавала новый мир через искусство.Будучи поэтом-футуристом, а не только художником, Варвара Степанова черпала вдохновение для своих первых картин в литературе, а свои поэтические тексты выпускала в рукописных вариантах, украшенных собственными коллажами и рисунками в разных современных стилях. Так она стала создателем нового творческого жанра, известного как «визуальная поэзия».Присоединившись к конструктивистскому течению, Степанова не отказалась от фигуративной станковой живописи и вследствие этого заняла особую очень индивидуальную нишу в этом движении.Наиболее известной Варвара Федоровна стала, создав полторы сотни рисунков для тканей, а также особые модели, названные «прозодеждой». В авангардном журнале «Новый ЛЕФ» она опубликовала статью, содержание которой сводилось к убеждению, что взамен декоративности костюмам и платьям надлежит быть удобными и функциональными. В таком же ключе Степанова работала как сценограф, предложив театру Мейерхольда совершенно новый функциональный подход к декорациям на сцене и костюмам актеров. В постановке пьесы А.В.Сухово-Кобылина «Смерть Тарелкина» Степанова была «конструктором», а С. Эйзенштейн - режиссёром-лаборантом (так значилось на афише). Опыт прикладной дизайнерской деятельности Степанова позже применила в работе в области книжного и журнального макетирования, оформила десятки фотоальбомов.Произведения В. Ф. Степановой находятся во многих ведущих музеях мира, среди которых Музей современного искусства в Нью-Йорке, Государственная Третьяковская галерея в Москве, Музей Тиссен-Борнемисса в Мадриде. Наиболее крупное собрание работ художницы хранится в отделе Личных коллекции ГМИИ им. А. С. Пушкина.

Русская художница-самоучка, живописец и график. Одна из самых известных представителей наивного искусства, работающих в Москве. Картины Кати Медведевой вот уже 40 лет ценятся, активно выставляются на выставках, являются предметом коллекционирования, успешно продаются во всем мире. Произведения самодеятельного автора находятся в Государственном музее-заповеднике «Царицыно» и в Государственном Доме народного творчества (Москва), в Колодзей Арт Фаундейшн (Хайланд Парк, США), в десятках галерей современного искусства и в десятках частных коллекций России и Германии, Франции и США, Японии и др. По версии Союза художников России, художественный рейтинг Е.И. Медведевой позволяет ей быть номинированной для интернет-проекта «10000 лучших художников мира 18-21 вв.».

Грузинский художник, график и мастер сценографии, а также историк искусства, изобретатель и педагог. Давид Какабадзе был новатором не только в области изобразительного искусства, но и в кинематографии, запатентовавшим пленочный аппарат для объемной съемки. Его художественное творчество отмечено любовью к различным европейским новейшим течениям и характеризуется как приверженностью к национальным темам и традициям, так и самобытной интерпретацией авангардных живописных тенденций 20 столетия. Художник оставил богатое художественное наследие. Самая большая коллекция картин принадлежит национальным музеям и галереям Грузии.

Французская художница – живописец и график, мастер книжной иллюстрации, театральный и кинематографический сценограф, дизайнер. Творчество Ленор Фини оставило значительный след в культуре Франции. Она экспонировалась на всех крупных выставках представителей авангардных направлений живописи наряду с Эрнстом, Дали, Пикассо, Браунером и др., писала портреты своих знаменитых современников.Л. Фини часто называют Дали в женском обличии, а сам испанский гений сюрреализма ценил полотна художницы чрезвычайно высоко. Не вступавшая в группировки Леонор придерживалась феминистических принципов, была примером того, чего может добиться независимая женщина. О ней и ее творчестве было снято 9 документальных фильмов –один из первых «Жестокая легенда» в 1951 г. Дизайнеры моды, такие как Coco Chanel, специально для нее разрабатывали одежду. Многие поэты, писатели посвящали свои произведения работам Леонор и ей самой, среди них Поль Элюар, Жан Кокто, Альберто Моравиа, Пабло Неруда.Художница проиллюстрировала свыше 50 книг – Шекспир, Бодлер, Нерваль и др. Самыми известными являются работы по эротическому роману Доминика Ори (Полин Реаж) «История О». Она также создавала костюмы и антураж к фильмам Феллини, Кастеллани, стала автором флакона культовых популярных духов «Shocking».Наиболее емко, точно, хотя и очень коротко, охарактеризовал творческую манеру и личность Л. Фини художник и друг Макс Эрнст: «Итальянская агрессивность и скандальная элегантность, фантазия и страсть». Эту характеристику дополняет фраза из монографии Жана Кокто: « Фини суммирует в своем нереалистичном реализме весь последний период, больше реальный, чем сама реальность, которая является его знаком».Художница периодически отвергала прилипшее к ней звание сюрреалистки, хотя все продолжали считать ее таковой до самой смерти. Возможно, поэтому Фини часто меняла стиль, работала в разных техниках, выступала в средствах массовой информации, открещиваясь от «сюра» в своем творчестве. При этом известность художницы становилась все шире, ее работы выставлялись в крупнейших галереях и музеях по всему миру.

Французский сюрреалист – живописец, график, мастер художественной иллюстрации и театрального дизайна, а также постановщик и автор сценариев и других литературных произведений. Феликс Лабисс, родившийся во Франции, первоначально работал в Бельгии с Джеймсом Энсором.Перебравшись в Париж в 1927 году, 22-летний художник сразу сближается с элитой французской культуры, в том числе с представителями театра и литературы. Его друзья Поль Элюар, Филипп Супо, Робер Деснос, Жак Превер, Жан-Луи Барро посвящали художнику стихи, статьи-очерки, монографии.С начала 1940-х годов художник становится одной из крупнейших фигур новой французской живописи и посвящает много творческих сил не только живописи, но и иллюстрированию (самые крупные проекты – 30 рисунков к «Естественной истории», оформление книги стихов Бодлера) и сценографии. Мастер создал костюмы и декорации к 60 постановкам, в частности, именно он работал над декорациями для «Процесса» Кафки, поставленного великим французским режиссером Жаном-Луи Барро.Работы Феликса Лабисса представлены, кроме главных музеев современного искусства Франции, в галереях Бельгии, в Музее П. Гуггенхайма в Нью-Йорке, США. Однако большинство произведений находится в частных коллекциях и пользуется популярностью на международных арт-аукционах.

Французский живописец, график и скульптор. Эжен Каррьер известен как выдающийся преподаватель, который основал собственную художественную академию, и у которого обучались такие признанные мастера как Андре Дерен, Жан Пюи и Анри Матисс. В 1890 году вместе с Роденом и Пюви де Шаванном Каррьер основывает Национальное общество изящных искусств, а в 1904 году становится первым президентом только что открывшегося Осеннего салона. По его инициативе открывается Салон нового искусства, где выставляются художники совершенно нового стиля модерн. Творчество Э. Каррьера имело большое влияние на художников-символистов и открыло пути для становления фовизма.

Норвежский живописец и график, известный своими изысканными пейзажами в стиле символизма. Харальд Сольберг посвятил свою жизнь изображению родной земли, ее природы и городов. Особенно известными являются его виды небольшого городка Рёруса и горные пейзажи Рондане. Несмотря на то, что художник не состоял ни в каких творческих объединениях и держался особняком от художественной элиты Норвегии, он был известен и востребован в период расцвета; несколько его произведений стали обложками для книг известных писателей. Лиричные и несколько загадочные полотна норвежского живописца пользуются большой популярностью во всем мире. Ценители искусства называют работы Сольберга «Пейзажами для души».

Бельгийский художник, иллюстратор и график, яркий представитель символизма конца ХІХ века.Фелисьен Ропс выделяется эксцентричностью и откровенностью своих картин, вызывающих шок у обывателей и по достоинству оцененных такими известными людьми как Альфред де Мюссе, Теофиль Готье и Стефан Малларме. Фелисьен Ропс прославился прежде всего своей графикой, которая составляет большую часть его художественного наследия, а также иллюстрациями к «Цветам зла» Ш. Бодлера. Про художника говорили, что он «родился с карандашом в руке», настолько сильным было стремление Фелисьена Ропса запечатлеть окружающий его мир и выразить свое отношение к нему.В родном городе художника, в здании – архитектурном памятнике 18 века открыт музей бельгийского художника-символиста, в коллекции которого около 1000 произведений Ропса.

Бельгийский художник-символист, график, яркий представитель авангардного искусства Бельгии.Родители будущего мастера держали сувенирную лавку. Поэтому детство художника проходило среди различных старинных предметов, масок и статуэток. Это наложило на его творчество большой отпечаток.Известен своими сатиричными полотнами, изображающими недостатки общества и человеческие пороки. Создание общества художников « Les ХХ», в котором он принимал непосредственное участие, способствовало становлению многих молодых талантов. Выдающийся художник возведен в ранг национального героя и удостоен баронского титула у себя на родине. Джеймс Энсор является самым известным национальным живописцем Бельгии начала ХХ века, заслужившим мировое признание.

Украинский живописец и книжный график, историк искусства и поэт.Как деятель культуры возглавлял Киевское отделение Ассоциации художников Украины, был членом коллегии Всеукраинского отдела искусств, членом совета Киевской художественной академии, главой Комитета памяти Н. Леонтовича. Как педагог вел курс в Киевском высшем институте народного образования имени М. Драгоманова, преподавал в керамическом институте (г. Миргород). Как видный искусствовед писал глубоко содержательные статьи, рецензии, монографии («Т. Шевченко», «Керамика на Украине» и др.), издал книги «Украинская песня в московском лубке», «Гончарная керамика на Украине» (напечатана в Вене).Был арестован 27 марта 1934 г. в Киеве с формулировкой «за подготовку вооруженного восстания» и приговорен к ссылке в Архангельскую область. Там он через год умер и был похоронен на кладбище "Макариха" (могила не сохранилась). Реабилитирован в 1989-ом.

Фанцузский художник-символист, оригинальный график и декоратор, представитель творческой группы «Наби» (франц. Nabis, с древнееврейского переводится на русский как «избранные», «пророки»; предложил название поэт Анри Казалис). Будучи современником многих великих талантов и даже гениев живописи и графики, Руссель сумел создать и сохранять на протяжении долгой творческой жизни собственный стиль и создать свой отдельный художественный мир с большими сериями картин, посвященных одной тематике, в частности, античной.

Французский художник-символист, скульптор и график, член группы «Наби». И как пейзажист, и как автор сюжетных картин, и как скульптор, Лакомб исследовал символистские темы, по-своему их интерпретировал. Картины и скульптуры Жоржа Лакомба входят в коллекции многих музеев мира.

Французский художник и график, один из основателей символизма в живописи. Одилон Редон участвовал в создании Общества Независимых, был известным художественным критиком и оставил после себя личные дневники, которые представляют большой интерес для истории изобразительного искусства. Наиболее ярко проявил себя в графических работах, хотя часто прибегал и к масляной живописи, изображая мистические сюжеты и неясные образы с глубоким символическим и аллегорическим значением.

Русский живописец и график, официально именовавший себя художником−исследователем. Был одним из признанных лидеров авангарда в своей стране, теоретик и основатель, а также практик и учитель «аналитического искусства» -реформирующего уникального течения, которое оказывало заметное влияние на художественные умонастроения многих творцов первой половины XX столетия.Филонов в авангардное движение привнес элементы научного познания и занимался объединением разных способов познания мира, опираясь на интуицию. По сути, художник, имевший феноменальные способности в абстрагированном мышлении, развивал символическое понимание живописи, призванной не только изображать объект, но и размышления о нем и о способе его передачи, то есть к символизму добавил саморефлексию.У Филонова было немало последователей и подражателей, но силы его оригинальной «сделанности» достичь было трудно. «Аналитическое искусство» Филонова, образовавшее символистскую ветвь в русском авангарде, стояло в оппозиции к конструктивизму и супрематизму и более всего приблизилось к сюрреалистическим мотивам европейского модернизма.Произведения мастера чрезвычайно востребованы на арт-рынке и постоянно экспонируются во всем мире. На выставке в парижском центре Ж. Помпиду в 1990 году обнаружились 8 похищенных из Русского музея работ, семь из которых в результате многолетних переговоров удалось вернуть.

Выдающийся русский живописец и театральный художник, график и теоретик искусства, педагог и писатель. Был членом группы «Мир искусства», одним из соучредителей «Вольфила» (Вольной философской ассоциации), участником объединения «Четыре искусства». Участвовал в Парижских Салонах, выставках «Золотое Руно», в международной "Балтийской выставке" (Швеция), общества «Жар-Цвет». Удостоен звания заслуженный деятель искусств России. Немало сил отдал деятельности преподавателя, разработкам по теории живописи и занимался реорганизацией системы художественного образования.

Русский художник, признанный и уникальный мастер «пейзажа настроения», передававший на метафизическом уровне родственность связи судьбы человека, движений его души с родной природой. Меньше чем за 25 лет написал почти тысячу картин, создал множество рисунков, этюдов, эскизов. Имея звание «неклассного художника», а потом академика, вел пейзажный класс в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.

Выдающийся украинский живописец-авангардист и график, выдающийся художник театра, мастер книжной иллюстрации. Время обучения и первых 10 лет творческой карьеры Анатолия Петрицкого совпали с концом эпохи свободы творчества, недолго длившейся после революции. Художник успел впитать эту свободу и поработать в нескольких авангардных направлениях.Творчество А. Петрицкого было очень многогранным: он работал, сочетая европейский модерн, украино-российский кубофутуризм и московский конструктивизм с богатством народной украинской культуры, и как станковист, и как художник-декоратор театра, и как иллюстратор и плакатист.Для художника, оказавшегося создателем немалого количества портретов «врагов народа» (к примеру, расстрелянных Л. Курбаса и М. Семенко) было в буквальном смысле жизненно важным «преодолеть» в себе авангардиста. Обладая успешным и уже немалым к середине 1930-ых годов опытом работы в театре и проявив лояльность к властям, А. Петрицкий сумел сделать карьеру сценографа и работал как художник в лучших театрах Москвы, Киева, Харькова. Его заслуги отмечались высшими государственными премиями и наградами. Он был заслуженным деятелем искусств Украины, в 1944 году стал Народным художником СССР. О значимости искусства Анатолия Петрицкого свидетельствуют международные выставки – такие, как «Перекрёстки: авангард на Украине» (2006, Чикаго)Более 600 театральных работ Анатолия Петрицкого принадлежат собраниям Музеев театрального, музыкального и киноискусства Киева и Москвы. Отдельные сохранившиеся станковые произведения экспонируются в Национальном художественном музее Украины.В честь художника названа улица в Киеве.

Чешский и словацкий художник-импрессионист, график, пейзажист, талантливый педагог и писатель, искусствовед, один из первопроходцев в чешско-словацком импрессионизме, а также символизме и модернизме. Активная гражданская позиция художника отразилась в его деятельности по созданию сначала частных школ живописи, а затем в участии учреждения Ассоциации моравских художников.

Проявивший себя в очень разных сферах творческой и научной деятельности Игорь Эммануилович Грабарь был человеком искусства, уникальным пейзажистом, иллюстратором, специалистом музейного и реставрационного дела. Многие годы занимал должность попечителя и директора Третьяковской галереи, был директором института истории искусств АН СССР. И в каждую из ипостасей вкладывал неимоверный талант трудолюбия.

Шведский художник, график, талантливый иллюстратор, яркий представитель скандинавского символизма.За свою короткую жизнь Ивар Аросениус создал большое количество фантастических и сказочных произведений, вдохновленных народными поверьями и легендами. Он сотрудничал с несколькими печатными издательствами, иллюстрировал детские сказки, и стал особенно популярен благодаря детской книге «Путешествие кота», которую он написал для своей дочери Лиллан. Эта небольшая книга, иллюстрированная автором, является классикой шведской детской литературы. В 1905 году Ивар получает положительные отзывы в Салоне Независимых в Париже, а осенью этого же года в Стокгольме успешно прошла его первая персональная выставка, и если бы не ранняя смерть, Ивар Аросениус, возможно стал бы величайшим художником своего времени.

Немецкий художник-новатор, график, гравер и скульптор, соучредитель первого немецкого экспрессионистического объединения «Die Brücke» («Мост», Дрезден-Берлин).Еще в средней школе подружился с будущим художником Карлом Шмидтом и вместе с учениками-единомышленниками организовал сообщество «Вулкан». Это сообщество вело дискуссии по теории искусства и по произведениям любимых авторов (Ницше, Достоевский и др.)Само название группы Die Brucke ясно говорило о желании художников создать мост между прошлым и настоящим искусством. Однако они задекларировали также создание новых способов художественного выражения. Таким образом, заимствуя что-то у старых мастеров немецкого Возрождения (Дюрер, Грюневальд, Кранах Старший и др.), беря что-то у символизма, модерна и особенно у фовизма, опираясь при этом на первобытное искусство, Эрих Хеккель и его коллеги продвинули всю историю европейского (да и мирового) изобразительного искусства к синтезу очень разных стилей.Искусство «Моста» и Э. Хеккеля в очень большой степени возрождало традиции поздней немецкой готики – в частности, гравюры на дереве. Таким образом, движение способствовало процессу, сделавшему гравюру мощным средством самовыражения многих мастеров в 20 столетии.Творчество Э. Хеккеля в 1937 году было отнесено к «дегенеративному», почти 730 произведений конфискованы из немецких галерей и музеев, а в 1944 бомбы уничтожили его студию в Берлине. Работы мастера есть в большинстве крупных музеев Германии, в галереях США и других стран, большая коллекция гравюр Хеккеля (свыше 40) находится в музее Метрополитен, Нью-Йорк.

Грузинский выдающийся живописец - монументалист, график, иллюстратор, талантливый педагог, профессор Академии художеств Грузии. Работал в стилях постимпрессионизма, модерна, символизма и примитивизма.Родился в довольно обеспеченной семье железнодорожного служащего. Мать мальчика рано стала замечать его большие способности к рисованию. Родители купили Ладо велосипед, и он ездил в Мцхету за 20 км, чтобы рисовать там старинные церкви.Продолжительное время живший в Париже и прославившийся в Европе и Америке художник стал воплощением новаторских тенденций в живописи в своей страны. Первым из профессиональных художников отошел от мрачной палитры, свойственной грузинскому изобразительному искусству. Работал в разных современных стилях, избегая лишь нефигуративных стилей и считается продолжателем идей великого Пиросмани. Ладо Гудиашвили входил в различные творческие сообщества, удостаивался высоких государственных званий и премий (Народный художник, Герой Труда и проч.)Творчество Ладо Гудиашвили отличается невероятным разнообразием жанра и техники исполнения: он писал маслом, акварелью, гуашью, работал в смешанной технике, выполнял настенную роспись, создавал графические произведения-иллюстрации. В наследии художника есть портреты и пейзажи, исторические картины и аллегорические, мифологические и даже политические произведения. По характеру полотна то эпичные, то философские, то лиричные. Вероятно, поэтому сам мастер воздерживался от оценок своего стиля, который, тем не менее, без труда узнается, тем более, что мотивы его творчества, особенно раннего, почти исключительно грузинские.В столице Грузии открыт дом-музей В. Д. Гудиашвили, его именем названа одна из площадей Тбилиси. Картины художника продолжают волновать зрителя и остаются востребованными. К примеру, дом Sotheby’s в 2013 г. продал полотно « Соблазн» за 1,2 млн. долларов.

Известный представитель итальянского модерна, один из его основателей в своей стране.После ранней смерти отца начал работать в мастерской по реставрации предметов искусства своего дяди Дарио. Обучался живописи и декоративному искусству в художественной школе Санта-Кроче во Флоренции. До 1895 года посещал также мастерские Амедео Буонтемпо и Аугусто Бурчи, художников, которые были известны в те годы во Флоренции.Галилео Чини был универсальной личностью – театральным декоратором, дизайнером, художником и керамистом, а также преподавателем живописи в Академии искусств во Флоренции и Риме. Будучи художником европейского уровня, он участвовал в крупных международных выставках в Лондоне, Брюсселе, Генте и Санкт-Петербурге, несколько раз представлял свои работы на Венецианском биеннале. Чини было поручено украсить крупные общественные и частные здания, а в 1911 году он отправился в Сиам, чтобы оформить тронный зал короля Сиама в Бангкоке. Художник создавал декорации и эскизы к костюмам для опер Пуччини. Вместе с друзьями основал компанию «Арте Делла керамика», выпускавшую чрезвычайно качественные и популярные керамические изделия, что позволило художнику завоевать мировую известность в декоративном искусстве модерна.Творчество Галилео Чини было популярно среди современников. Его декоративные разработки оказали глубокое влияние на стиль итальянского модерна.

Австрийский художник-пейзажист и график, выдающийся представитель австрийского символизма. Карл Медиз был один из лидеров художественного объединения «Hagenbund», которое было первым обществом независимых художников Австрии, а после и участником Венского Сецессиона. Большую часть своей жизни он работал вместе со своей женой – художницей Эмилией Медиз-Пеликан, которая была талантливым графиком и пейзажистом. Во время бомбежки Дрездена во Второй мировой войне все имущество художника, в том числе и картины, были утрачены, а его искусство незаслуженно забыто. Лишь в 1986 году состоялась крупная выставка его работ, и о творчестве Карла Метиза заговорили как об одном из самых ярких в истории австрийского искусства рубежа ХІХ-ХХ веков.

Украинский художник, мастер живописи и графики, автор больших панно на темы мифов, портретист, пейзажист и живописец бытового жанра, иллюстриратор.Родился в семье известного жанриста, одного из основателей движения передвижничества Григория Григорьевича Мясоедова и художницы Ксении Ивановой. Мясоедов женился на Ксении, когда она уже носила ребенка, которого своим он долго не признавал. Крестным отцом стал некий Зотов – этой фамилией Иван воспользовался в эмиграции. Отец, не позволяя супруге проявить материнские чувства и внушая мальчику, что он - подкидыш, отдал ребёнка семье своего друга А. Киселёва, талантливого передвижника-пейзажиста.Иван - создатель первых почтовых марок княжества Лихтенштейн, занесенных во все каталоги. В Лихтенштейне в честь 100-летия «профессора Е. Зотова» выпускалась серия марок, ему посвященных, в 1992 г. создано Товарищество искусств им. Е. Зотова (И. Мясоедова), выкупившее у наследников и коллекционеров более 3 тыс. работ художника и построившее для них современный музей.Написал «Манифест наготы», вошедший в сборник «Нагота на сцене». Издание вызвало много протестов ревнителей нравственности, зато портрет И. Мясоедова, помещенный в нем, даёт возможность увидеть «античный» облик самого автора с татуированными веками (грим циркового артиста). В эти же молодые годы художник профессионально увлекся фотографией и создал серии фотокомпозиций на мифологические и исторические темы, снимаясь в нагом виде в роли античного героя, Бахуса или Меркурия.Всего Иван Григорьевич, сын фундатора передвижничества Г. Мясоедова, оставил более 4 тыс. живописных и графических работ.

Мартирос Сергеевич (Саркисович) Сарьян - российский и армянский живописец-пейзажист, график и театральный художник.Родился в армянской патриархальной семье. В 1897-1904 годах прошел курс обучения в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.Активный участник выставок "Голубой розы", Союза русских художников, "Мира искусства", журнала "Золотое руно", объединения "Четыре искусства". Основатель Академии художеств в Армении имел звание академика, Народного художника СССР, Героя Социалистического Труда, награждался государственными премиями. Творчество и деятельность М. С. Сарьяна сыграли ведущую роль в становлении национальной армянской школы живописи. В Ереване был открыт Дом-музей Мартироса Сарьяна.«Природа создаёт человека, чтобы взглянув на себя его глазами, насладиться изумительной своей красотой», - так говорил художник о творчестве.

Украинский живописец-новатор, график и талантливый педагог.Олекса родился в семье лесника, работавшего в поместье аристократического польского рода Бжозовских. Одаренного парня заметил граф Тадеуш Грохольский, родной брат помещицы, и посоветовал сестре выделить Новакивскому стипендию и таким образом обеспечить его обучение.Творчество художника охватывает разные жанры: пейзажи и портреты, натюрморты и сюжетные картины. Новакивский создал первую в Западной Украине Художественную школу нового типа, возглавлял факультет искусства Львовского тайного украинского университета. 1972 год был объявлен ЮНЕСКО годом памяти художника, в этом же году во Львове был открыт художественно-мемориальный музей О. Новакивского в доме, где он жил и работал более 20 лет.

Выдающийся венгерский живописец и график, работавший в переходном стиле от модерна к экспрессионизму.В роду по материнской линии (Роза Вагингер родом была из Вены) было несколько художников, и Вильмош с детства решил посвятить себя изобразительному искусству. Будущий художник тщательно готовился к вступительным экзаменам в Венгерскую королевскую школу рисования, куда поступил в 1912 году. Преподавателем Аба-Новака стал знаменитый живописец Адольф Феньеш.В. Аба-Новак – один из самых оригинальных и противоречивых талантов современной живописи Венгрии, проложивший своим неординарным творчеством дорогу для целого поколения авангардных художников. Помимо живописных полотен, мастер известен своими монументальными работами, украшающими общественные здания и церкви страны. Наиболее масштабными и известными являются фрески в церкви в Яссенрандрасе, на Героевских воротах в Сегеде и в Мавзолее Святого Стефана в Секешфехерваре. Искусство Вильмоша Аба-Новака было замечено и по достоинству оценено при жизни. Художник награждён Гран-При жюри Всемирной выставки в Париже в 1939 году и Большой премией Венецианского биеннале 1940 года. Он был востребованным педагогом, а его яркий индивидуальный стиль имел много поклонников и последователей среди молодых талантов.

Польский художник, рисовальщик, график и книжный иллюстратор. Родился в семье кассира банка, был одним одиннадцати детей, с детства интересовался искусством.Создавал также для журнала «Колючки» (Kolce) сатирические тексты, активно участвовал в деятельности кабаре «Зелёный шарик» (Green Balloon), в издании элитного журнала «Liberum Вето» под псевдонимом «Граф Войтек». Занимался книжной графикой. Создал коллекцию травести- пересказов на произведения наиболее уважаемых художников, среди которых Ольга Бознанская, Ян Станиславский, Леон Вычулковский. Подверженный духу фантазии, Войткевич умел изобразить воображаемый мир как реальный. Он писал навеянные сказочными сюжетами сцены с детьми («Похищение королевны»). Сцены-бурлески в стиле Тулуз-Лотрека чаще всего не лишены лиризма.Не доживший до своего тридцатилетия художник сумел оставить наследие, которое предваряло развитие экспрессионизма и сюрреализма.Большая ретроспективная выставка художника была проведена в 1976 году в польском Национальном музее Кракова.

Французский художник швейцарского происхождения – живописец, иллюстратор, гравер, скульптор.Теофиль-Александр Стейнлен обучался в университете родного города по специальности «промышленный дизайн». В начале своей творческой карьеры художник изображал пейзажи, картины из повседневной жизни и портреты в традиционной манере.Видный представитель стиля ар-нуво Теофиль Стейнлен знаменит как мастер плаката, его афиши для кабаре «Черный кот» на Монмартре сделали художника известным и популярным среди современников. Стейнлен занимался также иллюстрациями для популярных газет, журналов и книг. Он сотрудничал с несколькими юмористическими изданиями, а в 1911 году вместе с друзьями основал газету «Юмористы», где размещал свои карикатуры и сцены из жизни Парижа. Популярность и признание, которым пользовался художник, сделали его значимой фигурой изобразительного искусства начала ХХ столетия. В его графических работах черпали вдохновение многие мастера авангарда, в том числе и знаменитый Пабло Пикассо.

Знаменитый шведский живописец, график и скульптор Цорн был популярным портретистом. Его картины заказывали известные политики, деятели искусства и бизнесмены. Художник много работал с акварелью, увлекался офортом. Творения Цорна - портреты, пейзажи, гравюры - обладают силой и свежестью, отличной передачей воздуха и освещения, простотой и, вместе с тем, особым достоинством и благородством. Художник оказал большое влияние на развитие русского изобразительного искусства.

Немецкий художник, график и скульптор, гравёр и архитектор. Работал в стилях исторического романтизма, символизма и раннего модерна.В 1892 году стал одним из фундаторов влиятельного «Общества берлинских художников», организовывал выставки. Был членом мюнхенского Сецессиона, членом новообразованного венского Сецессиона и профессором Академии художеств в Лейпциге (с 1897 года), почетным членом Стокгольмской академии, имел титул Рыцаря Ордена Pour le merite.Настоящей сенсацией были ранние циклы 1878 года на тему деяний Христа и Фантазии о перчатке. Изображенные «циклы» (события с воображаемыми фантастически-символистскими реальностями) М. Клингер называл «опусами», приравнивая их к музыкальным произведениям.В трактате «Живопись и рисование», что вышел в 1891-ом, автор придаёт самостоятельное значение отображению фантастического внешнего мира. Клингер считал при этом, что именно графике свойственно наиболее ярко выражать такие сюжеты. Фантазию (изо-повесть) о найденной одушевленной перчатке специалисты справедливо определяюткак первое сюрреалистическое произведение. Графическим циклом «Драмы», изображающим революцию 1848-го и трагедию городского «дна», намечена линия социально-экспрессионистского рисунка.Самобытным был вклад М. Клингера и в скульптуру: стремясь возродить технику полихромной пластики, он использовал различные мраморы, слоновую кость и золото, бронзу и раскрашенный алебастр.По образному определению искусствоведа, Клингер – «из семьи Дюрера и Гольбейна». Это и скорбная вдумчивость, и драматический пафос, и созерцательная мечта. Его символы всегда воплощают большие чувства и большие мысли.В родном городе художника открыт его Дом-музей.

Финская художница и график, яркий представитель символизма и одна из первых экспрессионистов в стране.РодиласьЭллен в семье крупного чиновника.Первым учителем для нее стал ее отец, увлекавшийся искусством и прививавший навыки своим шестерым детям. Рассмотрев талант дочери, он поддерживал ее обучение в частных официальных школах живописи. Нескончаемым источником вдохновения для художницы стала Италия и произведения таких выдающихся мастеров как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Ботичелли. Италия была духовной родиной художницы. Здесь она проводила большую часть своего времени, регулярно посещая страну на протяжении 45 лет. Эллен Теслефф говорила, что только в Италии она способна понять истинную природу света, то как он ложится на предметы, как оживляет все вокруг. В Тоскане и Флоренции написаны большинство ее пейзажей, которые со временем становились все более экспрессионистскими.Эллен Теслефф – художник-новатор. За свою продолжительную карьеру она испробовала самые различные художественные методы и стили, но всегда оставалась верна собственной романтической и эмоциональной манере. Большая заслуга художницы состоит в популяризации европейского искусства в Финляндии. Вместе со свои соратником и другом Магнусом Энкелем она стала основателем художественной группы «Septem», которая способствовала развитию авангардной живописи в Скандинавии.

Бельгийский и французский художник, график и скульптор, иллюстратор.В истории изобразительного искусства считается одним из ярких и талантливых художников, воплотивших в полотнах трагический характер эпохи. Как символист, художник использовал традиции религиозной живописи, по-своему интерпретируя сюжеты и соотнося их с современностью. Очень важными для воссоздания событий эпохи символизма являются обнародованные уже в 21 веке 18 томов дневниковых записей Анри де Гру, которые он и его близкие составляли в течение 30 лет.Де Гру выгравировал серии литографий, проиллюстрировал «Книгу секретов Пеладана».

Ирландский художник и литератор, считающийся крупнейшим английским живописцем XX столетия.Джек Батлер Йейтс был младшим сыном художника Джона Батлера Йейтса. Его старший брат Уильям стал поэтом и Нобелевским лауреатом. Детство будущего художника прошло на Западе Ирландии в графстве Слайго. Основы изобразительного искусства он получил от отца.Ещё при жизни Джек Йейтс был признан и известен как мастер пейзажа и сюжетной картины, иллюстратор книг, создатель графики, в том числе карикатуры. Самым удивительным фактом его биографии можно считать победу в 1924 на Олимпийских играх во Франции, когда живопись, как и скульптура и архитектура, была олимпийской категорией. Д. Йейт остается востребованным мастером – в 2011 году картина «Справедливый день. Майо» (1925) была продана за миллион евро.

Немецкий живописец, график, дизайнер, публицист и педагог. Генрих Йоганн Карл Эдуард Фогелер - яркий представитель югендстиля и один из основателей Ворпсведской колонии художников, где работали многие известные немецкие импрессионисты и экспрессионисты.Родился в обеспеченной семье. Несмотря на то, что отец хотел дать сыну коммерческое образование, убедил родителей разрешить ему заниматься живописью. Генрих обучался в Академии художеств Дюссельдорфа, где его учителями были Питер Янссен и Эдуард фон Гебхардт. Одним из источников вдохновения для молодого художника стало творчество Сандро Ботичелли. Фогелер восхищался картинами итальянского мастера и иногда сравнивал его работы со своими.На рубеже веков художник занимался живописью, графикой, декорировал интерьеры, работал с серебром, оформлял символистский журнал «Остров». Его графика к сказкам братьев Гримм в стиле модерн отличается безупречной красотой и изяществом. Г. Фогелер придерживался коммунистических взглядов и выступал против военной агрессии Германии. Наряду с многочисленными статьями в прессе, он написал ряд публицистических брошюр и книг левой направленности. Художник часто посещал Советский Союз, а с 1931 года переехал жить в Москву навсегда.Фогелер создал много иллюстраций к сказкам и произведениям современных художнику поэтов-символистов. Он также занимался прикладным творчеством: чеканкой по серебру, оформлением интерьеров, декорированием различных предметов обихода. В 1895 году Генрих Фогелер разработал дизайн своей усадьбы в Баркенхофе, которая была построена и декорирована по принципам модерна. Художник собственноручно разработал дизайн мебели, посуды и обоев, а также нарядов и украшений для своей жены.

Чешский художник, график и скульптор, один из крупнейших и ярких представителей кубизма в своей стране, педагог, редактор художественных журналов и теоретик искусства. Выжив в концлагерях, после Второй мировой войны стал первым автором, чья персональная выставка была организована официальной Ассоциацией художников Чехии. Э. Филла занимался преподавательской деятельностью, но не мог участвовать в экспозициях, поскольку его произведения не относились к соцреализму.В соавторстве с Отто Гутфрейндом чешский художник создавал кубистские скульптуры, считающиеся самыми первыми в истории изобразительного искусства, а позже применял этот в стиль в декоративно-прикладном искусстве, в частности, в живописи на стекле.Хотя настоящим феноменом в Чехии стала кубистская архитектура, наследие в живописи благодаря творчеству таких мастеров, как Эмиль Филла, стало значительной и важной частью общеевропейского модернистского искусства. Художник оставил значительное творческое наследие, в том числе большое количество теоретических эссе об искусстве. Был посмертно в 1998-м году награжден за заслуги перед страной Орденом T. G. Masaryka (Т. Г. Масарика) 3-й степени.

Немецкий художник, график, автор эмоционально напряженных, экспрессионистских по характеру, шокирующих картин.Родился в семье рабочего Франца Дикса и швеи Полины. Мать привила сыну любовь к музыке и поэзии.Один из основателей дадаизма был наиболее влиятельным творцом в формировании образа Веймарской Республики 1920-х годов, его работы являются ключевыми в движении «Neue Sachlichkeit» («Новая объективность» или «Новая вещественность»). Является одним из фундаторов и участников объединения «Дрезденский сецессион» (1919 г.). В полотнах Отто Дикса явственны пацифистские, социальные, а в поздних работах - библейские мотивы. Художник был участником двух мировых войн.

Выдающийся румынский художник, график и иллюстратор еврейского происхождения.Детство будущего мастера прошло в городе Плоешти. Там же он получил среднее образование. Поскольку с ранних лет Иосиф любил рисовать и имел к этому талант, он устроился работать оформителем витрин и вывесок.Один из самых плодовитых живописцев Румынии 20 столетия, добившийся известности в Европе, работал во всех жанрах, написав множество портретов, в том числе ню, пейзажей своей страны, Франции и Испании, интерьерных и жанровых сцен, натюрмортов. Художник-экспрессионист, ставший членом-учредителем объединения «Arta» («Искусство»), получивший звание «Народного», сыграл большую роль в формировании и продвижении современного изобразительного искусства Румынии.

Английский график, иллюстратор, дизайнер, поэт и публицист, крупнейший представитель английского модерна конца ХІХ века.Родился в богатой аристократической английской семье. Получил всесторонне домашнее образование, в том числе музыкальное и художественное. Однако отец беспорядочно растрачивал состояние, и во взрослой жизни Обри и его сестра испытывали нужду.Основным источником вдохновения было творчество Микеланджело, Боттичелли и других мастеров эпохи Возрождения. Также творческая манера Обри испытала сильное влияние нескольких художественных направлений.Обри Бёрдслей – один из родоначальников стиля, известный благодаря своим гениальным графическим работам, большую часть которых оставляют иллюстрации к произведениям таких известных авторов как О. Уайльд, Т.Мэллори и Э. По. Бёрдслей был художественным редактором знаменитого журнала «Желтая книга» и, несмотря на очень короткую жизнь (всего 25 лет), стал один из самых известных художников своего времени и главной фигурой эстетического движения конца века в Англии.Работы автора тесно связаны с музыкальными произведениями и литературой. Будучи всесторонне одаренным человеком, Бёрдслей сочинял стихи и прозу. Эти произведения, которые он сам же иллюстрировал, отличаются глубиной, изысканностью и утонченным восприятием мира.

Швейцарский художник, скульптор, иллюстратор и график, исполнявший к тому же многочисленные настенные росписи. Подписывал картины псевдонимом Эмиль Синклер.Куно Амье родился в семье чиновника (государственного архивариуса) в кантоне Золотурне, где начал брать уроки живописи.Художник работал в жанрах пейзажа, портрета. Принадлежит к постимпрессионистскому направлению в изобразительном искусстве, был участником Школы Понт-Авена, группы Наби (Les Nabis) и Венского сецессиона. Он был почётным доктором искусств Бернского университета, а также почётным членом Союза художников Золотурна, с 1906 года активно участвовал в художественном объединении "Мост" (Германия).

Швейцарский и французский художник немецкого происхождения, иллюстратор, график-символист.Карлос Швабе признается искусствоведами одним из основных предтеч стиля модерн. Был удостоен высоких наград - золотой медали на Всемирной выставке в Париже (1900 г.), членства во французском ордене Почётного легиона (1901 г). Художник был иллюстратором прижизненных изданий Э. Золя, Ш. Бодлера, М. Матерлинка, А. Самена.

Французский художник и теоретик искусства, один из основателей синтетизма. Луи Анкетен также известен как основатель клуазонизма, нового метода живописи, который он разработал вместе с Эмилем Бернаром в 1887 году. Этот стиль стал основой живописного «синтетического» символизма и принес художнику славу и признание современников.

Французская художница Берта Моризо, хоть и не является ключевой фигурой в становлении импрессионизма, сыграла важную роль в его развитии. Она была женой брата Эдуарда Мане. Ученица самого признанного мэтра Камиля Коро, она относилась в кругу прогрессивных художников и достигла потрясающих высот в своем мастерстве, особенно портретном. Картины Моризо – яркий пример лиричности и женственности и, вместе с тем, решительности и смелости новатора.

Альфред Сислей - яркий представитель французского импрессионизма. Талант художника в первую очередь проявлялся в пейзажах. Вместе с единомышленниками он организовал Сообщество Импрессионистов, участвовал во всех первых выставках и пленэрах. Он не стал таким же успешным, известным и популярным, как Моне и Ренуар. Многие его работы были утрачены во время франко-прусской войны, когда художник был вынужден бежать из Парижа, оставив все свое имущество.

Мэри Стивенсон Кассат была американской импрессионисткой. Основные темы ее работ - социальная и личная жизнь женщин и материнство.Она начала свою творческую карьеру, выполняя работы в классическом стиле, но позже присоединилась к импрессионистам. Главным наставником и близким другом художницы был Эдгар Дега. Работы Кассат отличаются особым лиризмом и естественностью. Несмотря на позитивное настроение всех ее картин, жизнь Мэри Кассат не была такой беззаботной. Не поддерживаемая ее отцом, она была непризнанной в Соединенных Штатах.

Эдгар Дега был французским художником, одним из самых ярких представителей импрессионистского движения. Когда он был молод, его отец предсказал ему карьеру адвоката. Несмотря на это, Дега интересовался искусством и восхищался живописью. Молодой художник родился в богатой аристократической семье и поэтому мог посвятить все свое время искусству, не заботясь о зарабатывании денег.

Камиль Писсарро был французским художником и графиком, одним из четырех первых представителей импрессионизма. Он рисовал пейзажи, натюрморты и портреты. Кроме того, он работал в таких направлениях как дивизионизм (пуантилизм) и пост-импрессионизм.

Винсент ван Гог был голландским художником-импрессионистом, который теперь является одним из самых известных и влиятельных деятелей в истории западного искусства. Он создал около 2100 произведений искусства, включая пейзажи, натюрморты, портреты и автопортреты.

Лазарь Маркович Лисицкий - российский художник еврейского происхождения, яркий представитель авангарда первой трети 20 ст. Эль Лисицкого справедливо относят к «пионерам» в экспозиционном дизайне. Его знаменитые проуны (сокращение от «проекты утверждения нового») покоряли Европу - в Берлине была создана «Комната Проунов», а принципы, разработанные Лисицким, использовали для оформления выставок такие художники, как В. Татлин, П. Мондриан и др.Чрезвычайно значительна роль Лисицкого в наведении в 1920-ых годах действенных мостов между западным авангардом и русским постреволюционным искусством. Сотрудничая со многими художественными журналами, издававшимися в Берлине и Амстердаме, Лисицкий повлиял на развитие международного графического дизайна XX ст. и на целое поколение европейских художников. Лисицкий считал, что художник - агент социальных перемен, который ищет и внедряет новый выразительный язык через плакаты с ярким визуальным эффектом, легко понимаемый всеми социальными слоями во всех странах мира. Пропагандистская сторона многих работ не затмевает того, что художник привнес в использование форм, сплошных цветов, в их организацию в пространстве произведения. Его творческая концепция развивала направление, когда совокупностью работы является уникальный стиль, вмещающий живопись, архитектуру, скульптуру.Художник был активным деятелем еврейского национального культурного возрождения, организатором и участником выставок, иллюстратором еврейской литературы. Ценным вкладом стало опубликованное в 1923 году в Берлине эссе «Воспоминания о могилевской синагоге» — единственная теоретическая работа Лисицкого, посвящённая еврейскому декоративному искусству.

Цикл «Конструкция архитектурных и машинных форм», куда входит данная композиция, отражает увлечение Чернихова промышленной архитектурой после окончания им Академии художеств в 1925 году. Его стремление включить в повседневную реальность самое современное техническое оснащение в полной мере выражало дух раннего советского авангарда, когда различные машины и механизмы уверенно вошли в жизнь каждого человека.

В центре изображен человек с крестом, над которым парят ангелы, а внизу расположились странные существа, напоминающие собак с открытыми пастями, полными острых зубов.

Изображение ползущего ребенка, от которого исходят лучи, впервые появилось в арсенале художника вскоре после его переезда в Нью-Йорк.

 Здесь слова «Run Dog» напоминают детские упражнения на ритм и рифму – художник предлагает новые связи между художественными формами, использует «анонимную агрессию граффити».

Материалы: уголь, карандаш, бумага. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: воск, карандаш, бумага, чернила, акварель. Местонахождение: находится в Фонде Генри Мура (Perry Green, Hertfordshire, United Kingdom).

Материалы: бумага, акварель, пастель. Местонахождение: находится в Музее изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск, Россия).

Материалы: тушь, перо. Местонахождение: находится в Музее изобразительных искусств Республики Карелия (Петрозаводск, Россия).

Местонахождение: Национальная галерея искусств, Вашингтон, США.

Материалы: карандаш, бумага. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: гравировка, акватинт. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: акварель. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: карандаш, бумага. Местонахождение: Национальный художественный музей Украины, Киев.

Материалы: бумага, карандаш. Местонахождение: Львовская галерея искусств, Украина.

Материалы: ручка, чернила, бумага. Местонахождение: Венгерская национальная галерея.

Материалы: масло, холст. Местонахождение: Национальный художественный музей Украины, Киев.

Местонахождение: Финская Национальная галерея, Хельсинки.

Материалы: масло, карандаш. Местонахождение: Музей современного искусства, Труа, Франция.

Материалы: чернила, бумага. Местонахождение: Музей Виктории и Альберта, Лондон, Англия.

Материалы: чернила, бумага. Местонахождение: Музей искусств Фогга, Гарвардский университет, США.

Материалы: чернила, бумага. Местонахождение: Музей искусств Фогга, Гарвардский университет, США.

Материалы: чернила, бумага. Местонахождение: Музей искусств Фогга, Гарвардский университет, США.

Материалы: чернила, бумага. Местонахождение: Музей Виктории и Альберта, Лондон, Англия.

Материалы: чернила, бумага. Местонахождение: Галерея Тейт, Лондон, Англия.

Материалы: чернила, бумага. Местонахождение: Музей искусств, Бостон, США.

Материалы: литография, бумага. Местонахождение: Галерея Тейт, Лондон, Великобритания.

Материалы: литография, бумага. Местонахождение: Галерея Тейт, Лондон, Великобритания.

Материалы: литография, бумага. Местонахождение: Галерея Тейт, Лондон, Великобритания.

Материалы: карандаш, бумага верже. Размер: 31,5 × 22 см. Местонахождение: Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.