Абстрактный экспрессионизм

Фрэнк Стелла - американский художник, центральная фигура минимализма, известный своими картинами нестандартного формата и крупномасштабными композициями, соединяющими в себе черты живописи, скульптуры и архитектуры.

Сай Твомбли (наст. имя Эдвин Паркер Твомбли) - американский живописец и скульптор, один из самых сложных для понимания художников, творчество которого вызывает постоянные споры и дискуссии в мире искусства. Большинство его работ – это белые холсты, покрытые разноцветными каракулями, линиями и хаотичными пятнами. Художник часто использует различные надписи в своих произведениях, делая их похожими на городское стихийное искусство граффити. При этом название и смысл работ отсылают к античным мифам, классическим живописным работам и культуре различных народностей.

Барнетт Ньюман - американский живописец, литограф и скульптор еврейского происхождения, видный представитель абстрактного экспрессионизма и живописи цветового поля. Мастера в истории изобразительного искусства называют образцом высокого модернизма, предшественником минимализма, экзистенциалистом и духовным художником, черпающим вдохновение в еврейском мистицизме.

Один из первых американских абстрактных художников Клиффорд Стилл - центральная фигура нью-йоркской школы абстрактного экспрессионизма. Стиль, у истоков которого он стоял, стал ведущим направлением в искусстве США, начиная с 1940-х годов и до 1960-х, пока его не вытеснили более позитивный, понятный широким массам поп-арт и минимализм.

Кеннет Ноланд - американский художник, яркий представитель живописи цветового поля. Он создал альтернативу абстрактному экспрессионизму и живописи действия, практикуя строгую упорядоченную абстракцию, отсутствие объекта и предмета в живописи, яркие цвета, равномерно нанесенные на поверхность холста. Вслед за американской художницей Элен Франкенталер, Кеннет Ноланд стал использовать акриловые краски, которые позволяли создавать тонкое и насыщенное покрытие, исключающее появление случайных пятен и потеков на поверхности холста.

Немецкий художник, один из самых известных и дорогих современных живописцев. Герхард Рихтер ярко проявил себя в нескольких направлениях изобразительного искусства. Его фотореалистичные портреты с размытыми контурами находятся в экспозициях самых известных музеев мира, а абстрактные полотна продаются на аукционах за огромные деньги.Начав свою карьеру в Восточной Германии, художник работал в реалистичном стиле, но познакомившись с произведениями современных художников, таких как Джексон Поллок и Энди Уорхол, резко изменил свою живопись в сторону авангардного искусства. За несколько месяцев до падения Берлинской стены он сбежал в Западный Берлин, где начал активные творческие поиски собственного места в искусстве. Основываясь на фотографиях и продуктах массовой культуры, Рихтер создал свой яркий стиль, который включает в себя как реалистичное, так и полностью абстрактное выражение.Помимо живописи Герхард Рихтер известен как автор нескольких крупных дизайнерских проектов. В 2007 году он создал знаменитый «Пиксельный витраж» в Кельнском соборе, который получил самые противоречивые отзывы. Вместо традиционных библейских сцен художник создал впечатляющую мозаику из разноцветного стекла, которая состоит из 11 тысяч 250 цветных квадратиков восьмидесяти оттенков. Интересно, что художник выполнил работу в качестве подарка собору, не взяв ни копейки за свой кропотливый труд.

Американский художник и теоретик, центральная фигура авангарда 60-х годов, первооткрыватель хеппенинга – вида искусства, в котором основное внимание уделяется непосредственно процессу творения. Аллан Капроу ценил в живописи момент действия, ставя его выше результата.Недолговечные, часто сиюминутные и спонтанные действа А. Капроу стирают грань между искусством и повседневной жизнью и погружают участников внутрь произведения, вовлекая их в творческий процесс и разрушая пресловутую «четвертую стену» между произведением и зрителем.В своих теоретических трудах Аллан Капроу говорил о том, что после открытий Джексона Поллока и других абстрактных экспрессионистов, живопись больше не может существовать в прежнем виде. Она должна выйти за рамки холста и переместиться в повседневную жизнь.Мастер называл себя «не-художником», а свои произведения «антикартинами». «Жизнь гораздо интереснее искусства,» - говорил Капроу и создавал события за пределами галерей и музеев: во дворах, квартирах, на улицах, площадях и парковках. Иногда доходящие до абсурда действия - такие как строительство домов изо льда под палящим калифорнийским солнцем, - меняют само восприятие искусства и превращают обыденные жизненные процессы в творческие акты.Принципы создания хеппенинга, которые Аллан Капроу изложил в своем труде «How to Make a Happening», были с восторгом приняты многими послевоенными художниками, пытающимися по-новому посмотреть на современные творческие методы. Благодаря находкам американского новатора дальнейшее развитие получили такие направления, как инсталляция, перформанс и концептуальное искусство.

Американский скульптор и дизайнер японского происхождения. Исаму Ногути был одним из самых важных и известных скульпторов двадцатого века в США. На протяжении всей жизни он занимался художественными экспериментами, создавая оригинальные скульптуры, дизайн мебели и керамики, архитектурные и ландшафтные проекты. Его неординарный и смелый стиль объединил традиционные и авангардные элементы, установив новый стандарт современного искусства.Ногути не утратил связи со своей исторической родиной и проводил много времени в Японии, открыв там собственную студию. Художник постоянно путешествовал по миру. В его творчестве нашли свое отражение гармония японских садов и керамики, тонкость и изящество каллиграфии Китая, грациозность итальянских мраморных скульптур, монументальность и гениальная простота искусства индейцев древней Америки.Творчество скульптора получило широкое признание в Соединенных Штатах в 1938 году, после создания крупной скульптуры, символизирующей свободу прессы, для здания Associated Press в Нью-Йорке. Эта работа стала первой из множества общественных объектов, установленных в различных городах по всему миру. Произведения Исаму Ногути, начиная от детских игровых площадок, городских площадей и скверов и заканчивая целыми садовыми комплексами, отражает его веру в социальную значимость скульптуры, которая делает искусство доступным для каждого.

Знаменитый американский художник и скульптор, произведения которого украшают площади и скверы городов США, Европы и Латинской Америки. Сын и внук скульптора, Александр Колдер, получил образование инженера и применил свои знания в области скульптуры, что позволило ему создать совершенно оригинальный, новаторский подход к этому виду искусства.Колдер стал известен во всем мире как изобретатель «проволочной скульптуры». Отказавшись от традиционных тяжелых материалов – глины, гипса и бронзы, он создал воздушные конструкции, в которых форма предмета передается очень упрощенно и схематично. Его статуэтки из проволоки напоминают рисунок карандашом в пространстве и поражают лаконичностью и изяществом исполнения.Еще одно изобретение скульптора - так называемые «мобили» - динамичные конструкции, которые приводятся в движение с помощью силы ветра, законов земного притяжения, а в некоторых случаях электрическим двигателем. Эти произведения являются полностью абстрактными и имеют небольшие размеры, в отличие от более устойчивых и монументальных «стабилей» скульптора, которые прекрасно дополняют городской урбанистический пейзаж. Одним из самых известных и масштабных творений Александра Колдера является работа «Человек», расположенная в центре Монреаля.

Испанский (каталонский) живописец и скульптор, чье творчество оказало огромное влияние на целое поколение художников-модернистов. Произведения Жоана Миро относятся к самым ранним сюрреалистическим работам. Они послужили основой для дальнейшего формирования и развития стиля, пользующегося чрезвычайной популярностью и по сей день.Жоан Миро пробовал себя в различных модернистских и авангардистских течениях европейской живописи, но никогда не останавливался на одном из них окончательно, постоянно совершенствуя и обогащая свой художественный метод, экспериментируя с разными техниками и способами живописи. Результатом этих опытов стал собственный живописный язык мастера, основанный на сюрреальном мироощущении. Именно это позволило художнику переосмыслить основные принципы изобразительного искусства в соответствии с собственным оригинальным видением окружающей действительности.Уникальный мир Жоана Миро полон неповторимых образов и символов. Они представлены в виде чистых пластических знаков, расположенных в пустом пространстве, но не являются полностью абстрактными, а скорее напоминают наивное искусство или рисунки детей. Картины Миро состоят из геометрических, правильных или неправильных фигур, танца извилистых линий и мелких деталей, имеющих мистическое значение и создающих непередаваемую атмосферу каждой работы.

Самый знаменитый чилийский художник, скульптор и архитектор, лидер латиноамериканского модернистского искусства. Роберто Матта работал в стиле сюрреализма и был близким другом и сподвижником Сальвадора Дали, с которым их объединяла идея бессознательной живописи и свободного потока творчества без вмешательства интеллекта и какой-либо системы.Искусство художника является поистине международным. Родившись в Чили и поживший чуть ли не во всех столицах Европы, а также в США, Матта объединил в своем творчестве самые различные художественные тенденции. Он никогда не ограничивался одним стилем, манерой и материалами, являясь художником-новатором, не устающим делать эксперименты. Его уникальный стиль оказал существенное влияние на развитие такого популярного направления как абстрактный экспрессионизм.Наиболее известными среди обширного творческого наследия художника являются сюрреалистические картины из цикла «Психологическая морфология», которые демонстрируют искусственную реальность, наполненную метафорами и символическими фигурами. В 1940-х годах Матта отвлекается от изучения собственного подсознания и обращается к социальным темам. В серии работ под названием «Социальные морфологии» он изображает сложные механические объекты и искаженные человеческие формы, символизирующие несправедливость и ужасы войны.

Джеймс Розенквист – американский художник, центральная фигура поп-арта, известный своими огромными картинами-коллажами, изображающими популярные объекты американской культуры. Он одним из первых начал включать рекламные образы в свои произведения. Товары массового потребления, известные личности и торговые марки были непременными атрибутами живописи художника - он смело комбинировал все это в произведениях впечатляющих размеров и ярких цветов.В молодости Джеймс Розенквист работал в рекламном агентстве и создавал дизайн больших рекламных щитов, что помогло ему выработать собственный оригинальный стиль и узнаваемую манеру. Для современного зрителя, который привык к тому, что на картине может быть все что угодно, нет ничего удивительного в том, что на полотне изображены спагетти в соусе или бутылка Кока-Колы рядом с портретом президента. Но для общества 1960-ых годов 20 века это было настоящим открытием и даже шоком, поэтому работы художника привлекали пристальное внимание публики. Одна из них под названием «F-111» стала по-настоящему культовой, «новой Герникой», которая удивительно точно отображала американскую действительность с растущим потребительским спросом и пугающей военной мощью.Искусство Джеймса Розенквиста почти с самого начала его карьеры было очень популярным. Используя свое влияние, он вставал на защиту своих коллег и помогал добиться признания прав художников на федеральном уровне, после чего был назначен в Национальный совет по искусству США. В течение шести десятилетий Розенквист создавал масштабные провокационные картины, поднимающие экономические, политические, экологические и научные проблемы, актуальность которых не снижалась с течением времени.

Аршил Горки (настоящее имя - Востаник Манук Адоян) - американский живописец армянского происхождения, выдающийся художник США двадцатого столетия. Он был ярким представителем сюрреализма и одним из основоположников абстрактного экспрессионизма, движения, которое утвердило самостоятельность и уникальность американского изобразительного искусства в мире.Свое имя Востаник Манук Адоян решил изменить после эмиграции в США, где он начал абсолютно новую жизнь, оставив позади крайнюю бедность и лишения. Наибольшим потрясением для художника стала смерть его матери, которая умерла от голода у него на руках в 1919 году. Влияние этого события заметно во многих работах художника, особенно портретах матери, вариации которого он создавал на протяжении всей карьеры.Жизнь Арщила Горки, закончившаяся самоубийством, полна трагизма, а его личность окружена ореолом загадочности и тайны. Сам художник любил искажать факты своей биографии, создавая различные мифы по поводу своего происхождения, детских и студенческих лет. Эти невероятные выдумки, тем не менее, не смогли затмить его выдающихся достижений в живописи. Творчество Аршила Горки – уникальное явление, которое сложно охарактеризовать как проявление одного из существующих стилей. Оно является переходным этапом между живописной классикой и авангардом, и оказало огромное влияние на развитие современной живописи в США.

Американский художник и скульптор, значительная фигура современной живописи и ваянии, один из самых коммерчески успешных мастеров изобразительного искусства 20-го века. Джаспер Джонс выразил идею о том, что искусство может быть понятным и близким для каждого человека, а не только для избранных ценителей.Отказавшись от принципов абстрактного экспрессионизма, туманных и далеких от народа, он использовал в своих произведениях общеизвестные вещи, символы определенного явления, идеи или просто каждодневной привычки. Самой яркой работой этого направления является картина «Американский флаг» - узнаваемый и знакомый каждому государственный символ, который художник превратил в живописное полотно.Имя Джаспера Джонса часто упоминается вместе с другим художником, его близким другом и соратником, Робертом Раушенбергом. После того как Джонс познакомился с ним, его стиль претерпел значительные изменения, а идеи реализовались в оригинальные и по-настоящему новаторские работы.Использование художником простых предметов, например, банок из-под пива, которые он сделал произведением искусства, роднит его творчество с концептуальным подходом к изобразительному искусству. Своими произведениями художник сознательно нарушил границы, разделяющие искусство и повседневную жизнь, что и положило начало движению поп-арт, чрезвычайно популярному в США во второй половине 20-го века. По состоянию на 2010-е гг. живет в Коннектикуте, считается самым дорогим из здравствующих художников.

Австрийский художник-сюрреалист, теоретик искусства, скульптор и поэт, автор нескольких философских трудов, работавший в Мексике и США.Вольфганг Паален был выходцем из богатой немецко-австрийской семьи, и его детство прошло в старинном замке, выкупленном и реставрированном его отцом. Царившая там атмосфера Средневековья, древние сказания и легенды местных жителей наложили существенный отпечаток на личность будущего художника.Паален был членом группы художников-абстракционистов «Абстракция-Творение», а позже стал одним из выдающихся деятелей сюрреалистического движения, выступая организатором и дизайнером их выставок, как в Европе, так и в США. По приглашению Фриды Кало он переехал в Мексику, где основал собственный сюрреалистический арт-журнал DYN, имевший большое влияние на авангардное искусство страны.В своем творчестве Вольфганг Паален стремился соединить абстрактное искусство с обращением к подсознанию и символическим элементам. Он разработал свою личную модель сюрреалистического выражения, представленную в виде загадочного, потустороннего пейзажа, пронизанного мистикой и насыщенного таинственными образами космического происхождения.Абстрактные полотна художника и его теоретические статьи оказали большое влияние на развитие абстрактного экспрессионизма, который стал ведущим направлением в США во второй половине 20 столетия.

Американский художник и скульптор голландского происхождения Виллем де Кунинг считается одним из основателей абстрактного экспрессионизма. В 22-летнем возрасте он нелегально мигрировал в Соединенные Штаты Америки и почти всю жизнь жил и работал в Нью-Йорке, добившись признания уже при жизни. Художник неоднократно организовывал персональные выставки в музеях и галереях США, а в 1989 году его картина «Обмен» была продана за 20,6 миллионов долларов, поставив рекорд за произведение искусства, проданное при жизни автора.

Выдающийся немецкий живописец, фундатор движения экспрессионизма.Родился в семье профессионального художника-пейзажиста Вильгельма Марка. Мать, строгая кальвинистка, была из французской Швейцарии – именно ее довольно суровое воспитание сделало мальчика серьезным и вдумчивым.Экспрессионистское движение стало таким известным из-за его интереса к духовности символистов, а также благодаря гармоничному соединению примитивизма, фовизма с вектором на абстракцию, входившую в свой расцвет. Франц Марк включил все эти стили в свою манеру живописи, добавив любовь к богословию и к миру животных. Чтобы создать альтернативное, более духовное видение мира, он изобразил его глазами животных, что подчеркнуло те аспекты современности, которые он считал неблагоприятными. Немаловажно и то, что его поздние работы переместилась в почти чистую абстракцию.Являлся деятельным участником и главным организатором мюнхенского художественного союза художников-новаторов «Синий всадник», создавал одноименный альманах. Целый ряд мировых авангардных движений 20 века считает своим предшественником творчество этого художника, погибшего на фронтах Первой мировой войны. Музей Франца Марка работает в баварской Кохель-ам-Зее.

Швейцарский и немецкий живописец, график, теоретик искусства, одна из крупнейших фигур европейского авангарда.Пол, сын отца-немца и матери-швейцарки родился 18 декабря вблизи Берна в швейцарском Мюнхенбухзе. Оба родителя были музыкантами: отец преподавал музыку в колледже, мать - профессиональная певица. С семи лет мальчик играл на скрипке, а другими увлечениями были рисование и стихосложение. Несмотря на желание семьи, чтобы сын строил музыкальную карьеру, решил добиваться успеха в изобразительном искусстве, где мог бы «создавать, а не просто выполнять».Гражданин Германии, П. Клее родился, значительную часть жизни провёл и умер в Швейцарии. Был активным участником группы «Синий всадник», преподавал в Bauhaus (Баухаус) - влиятельной школе архитектуры и промышленного дизайна, в Дюссельдорфской Академии искусств. Картины попали на выставку «дегенеративного» искусства. Влияние творчества Пауля Клее распространяется на многие стили 20 столетия: сюрреализм и минимализм, геометрический абстракционизм и абстрактный экспрессионизм. В Берне открыт Центр П. Клее.

Французский скульптор, живописец и график, работавший в США. Признанная одним из великих скульпторов 20-го века, Луиза Буржуа прожила невероятно долгую творческую жизнь. Ее карьера охватывает почти целое столетие, а работы отражают практически все крупные течения искусства этого периода: кубизм, футуризм, сюрреализм, конструктивизм и абстрактное творчество.Несмотря на влияние самых различных художественных течений и стилей, работы Буржуа всегда оставались уникальными творениями современной скульптуры. Основанные на ранних, преимущественно травматических воспоминаниях из детства, они затрагивают самые глубокие человеческие чувства, всегда попадая прямо в цель. Огромные стальные пауки, странные объекты в клетках, пристальное внимание к взаимоотношениям полов, вызывают сильные эмоции и неподдельный интерес публики к неординарному творчеству художницы.Луиза Буржуа была одной из первых, кто использовал в своем искусстве прием Environmental art, который предполагает присутствие скульптурных композиций в повседневной среде человека. В отличие от стоящих на высоких постаментах традиционных изваяний, эти статуи размещались в непосредственной близости от человека, становясь частью их жизни. Кроме этого, Буржуа сыграла важную роль в становлении феминистского движения и оказала сильное влияние на развитие искусства инсталляции и перфоманса.

Испанский художник, график, скульптор, режиссер и писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма. Автор работы «Постоянство памяти», одной из самых известных картин XX века.Дали начал рисовать в возрасте 4 лет. Он создал свою первую серьезную работу в возрасте 10 лет. Это был небольшой импрессионистский пейзаж, нарисованный на деревянной доске масляными красками. С тех пор Дали целыми днями сидел в маленькой специально выделенной комнате и рисовал картины. «Я хотел, чтобы мне выделили помещение прачечной под крышей нашего дома. Мне его выделили - и я превратил его в собственную мастерскую, украсив так, как хотел», - вспоминал он позже. Более того, он любил анализировать произведения известных художников. Он написал и опубликовал очерки о работах Веласкеса, Гойи, Эль Греко, Микеланджело и Леонардо да Винчи.

Один из пионеров абстрактного искусства Василий Кандинский, чье творчество считают «своим» Россия, Украина, Германия и Франция, был неутомимым исследователем-этнографом, создателем огромного количества картин, автором нескольких книг об искусстве, талантливым преподавателем.

Анри-Эмиль-Бенуа Матисс был французским художником, рисовальщиком, гравюром и скульптором. Он был лидером фовизма и известен как использованием цвета, так и изменчивым оригинальным рисунком. Помимо фовизма, работал в некоторых других жанрах, таких как импрессионизм, пост-импрессионизм и кубизм.

Главный представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей картины цветового поля. Знаменитая фигура среди художников нью-йоркской школы, Марк Ротко прошел множество художественных стилей, пока не изобрел свой собственный стиль. Картины, созданные им в 1950-х годах, характеризуются мягкими прямоугольными формами, плавающими на окрашенных полях цвета.

Американский художник и крупная фигура абстрактного экспрессионизма. Пол Джексон Поллок оказал значительное влияние на искусство второй половины XX века и хорошо известен своим уникальным стилем капельной живописи.С раннего возраста Джексон восхищался мистикой, особенно философией индийского писателя Джидду Кришнамурти. Его идея о том, что истина раскрывается людям только интуитивно, нравилась Поллоку.

Картина из серии «Воображаемые места» создана Фрэнком Стеллой по мотивам книги «Словарь воображаемых мест» Альберто Мангеля и Джанни Гуадалупи. Источник составлен в виде путеводителя, однако живописные произведения серии не являются просто иллюстрациями к данному путеводителю, поскольку эти композиции составлены, в частности, из более ранних работ художника.

Произведение, выполненное в нескольких различных техниках, отличается большими размерами и вытянутой в длину формой основы. Исследователи творчества художника насчитали в произведении семь разных художественных методов и шестьдесят один цвет.

Получив в подарок от друга книгу с фотографиями «Деревянные синагоги», Стелла вдохновился геометрической красотой и оригинальной простотой этих строений. Он создал серию коллажей, деревянных и бумажных рельефов, которые назвал «Польская деревня».

В отличие от ранних монохромных работ Фрэнка Стеллы, произведение отличается яркими радужными цветами. Круглые формы из разноцветных полос, напоминающие мишени, перекрыты не менее яркими квадратами.

В поздний период творчества Твомбли вернулся к своим графическим экспериментам, покрывая холст ритмично повторяющимися каракулями, похожими на то, как кто-то расписывает шариковую ручку.

Полностью абстрактные композиции в творчестве Твомбли постепенно превращаются в узнаваемые объекты, такие как «Пионы». На создание этой композиции художника вдохновило японское искусство и поэзия, которыми он увлекся в начале 2000-х.

Битва при Лепанто – историческое событие, произошедшее 7 октября 1571 года около побережья Греции. Это была крупная морская битва, в которой решалось принципиальное противостояние нескольких Европейских стран и Османской империи.

Темой картины, которая входит в цикл из 10-ти работ, стала история египетского фараона Сесостриса, упомянутого в трудах Геродота. Произведение выполнено в характерной для Твомбли манере - на белом фоне хаотично расположены абстрактные цветные пятна и линии.

Картина является вторым произведением из цикла «Времена года», которые Твомбли выполнил по примеру классической традиции. Работая над картиной, художник расположил ее вертикально и наносил краски путем разбрызгивания, позволяя жидкому материалу свободно стекать вниз.

В отличие от большинства работ Сая Твомбли, картина «Летнее безумие» не отсылает зрителя к каким-либо историческим или мифологическим источникам. Ее содержание основано на простом впечатлении художника от летнего изобилия и буйства красок, что напрямую отражено в названии.

Геро и Леандр – герои античного мифа, в котором возлюбленный прекрасной жрицы погибает в волнах бушующего моря. На основе этого мифа английский поэт эпохи Возрождения Кристофер Марло написал эротическую поэму, вдохновившую Твомбли на создание цикла работ из 4-х картин.

Повторяющийся ритмичный рисунок на полотне очень напоминает классную доску, на которой дети упражняются в каллиграфии. Но, в отличие от школьных упражнений, линии на картине Твомбли не преобразуются в слова или цифры, а так и остаются отдельно существующими, ничего не обозначающими элементами общей композиции.

Одна из девяти картин, составляющих серию, посвященную  убийству древнеримского императора Коммода в 192 году нашей эры. Произведение было написано после убийства Кеннеди, и преобладающие в ней бело-красные пятна и брызги дают основание полагать, что оно является непосредственной реакцией на это событие.

Картина была написана после переезда художника из Америки в Рим и отображает его интерес к древности и античной культуре. В основу произведения лег древнеримский миф о том, как Юпитер, превратившись в лебедя, соблазняет красавицу Леду.

Абстрактная картина в стиле живописи цветового поля была выполнена Барнеттом Ньюманом в качестве специальной работы для американского павильона Expo 67. Выставка проходила в Монреале в честь столетия Канады.

Произведение - яркий пример эмансипации цвета. Он ничего не представляет - только выражает себя, являясь предметом живописи. Данный цикл состоит из четырех крупномасштабных картин, связанных между собой основными цветами.

Из созданных Ньюманом нескольких скульптур эта является наиболее монументальной. Автор использовал тяжелую сталь с шероховатой поверхностью, и такой материал контрастирует с впечатлением легкости, созданной формой перевернутого обелиска. Верхняя, более крупная часть, почти парит над устойчивой нижней пирамидой.

В начале 1960-ых годов параллельно с созданием больших циклов картин Ньюман также создавал офорты и литографии. Среди них серия «Cantos», которая насчитывает 18 работ. Это единственная серия печатных работ, которая выполнена в цвете.

Третья Станция является частью грандиозной серии Ньюмана, состоящей из четырнадцати частей. Название относится к крику Христа на кресте, но автор также намеревался выразить вопли всего человечества на протяжении всей трагической истории его существования. Серию характеризует контрастная палитра черного и белого на неокрашенных холстах.

Огромное – более двух метров в высоту - пространство немодулированной красной краски в этой работе поглощает зрителя и даже несколько дезориентирует. Локальный цвет прерывается единственной узкой и почти ровной фиолетовой полосой, проходящей по всей длине правого края.

Произведение является уникальным в творческом наследии Ньюмана благодаря своим необычным размерам. Высокое и очень узкое, оно воспринималось как противопоставление полотну «Vir heroicus sublimis».

Произведение было самой большой картиной Ньюмана на момент ее завершения – более 2 метров по горизонтальной стороне полотна. Позже художник создал работы еще более обширные. Автор хотел, чтобы зрители рассматривали эту и другие большие картины с близкого расстояния, чтобы цвета фона полностью окружали их.

Ньюман видел в этом произведении прорыв в собственной работе. Это первое полотно, в котором воплощено то, что художник позже назвал "застежкой-молнией", имея в виду вертикальную полосу в композиции.

Произведение было создано в жизненно важный момент в карьере Ньюмана. Он уничтожил все свои работы, выполненные до 1944 года, так как «впервые создал свою концепцию и разработал свой стиль». На вертикальном прямоугольном холсте автор располагает бледно-желтую вертикальную полосу краски.

В поздний период творчества, после переезда в отдаленную сельскую местность в штате Мэриленд, полотна Клиффорда Стилла несколько изменили свою стилистику.

В произведении художник использовал красно-коричневый, черный и синий цвета, которые напоминают пейзажи Северной Дакоты, где художник провел свое детство. Горизонтально ориентированная композиция только усиливает это ощущение, открывая перед зрителем бесконечно широкий горизонт с хаотично нагроможденными скалами, почти закрывающими небо.

Одно из самых больших, известных и дорогих произведений художника, стоимость которого оценивается экспертами в районе 30-ти миллионов долларов.

Картина «1957-D-No.1», которая является одним из самых известных среди работ автора, построена на контрасте ярко-желтого и черного цветов, причем черный цвет преобладает в композиции, создавая ощущения пустоты и темной пропасти.

Произведение входит в серию из трех работ, выполненных в одинаковых цветах и имеющих практически идентичную композицию. Клиффорд Стилл  почти всегда работал сериями, пытаясь как можно более точно сформировать и выразить задуманное в своих работах. При этом он сознательно избегал вызывать какие-либо ассоциации у зрителей.

Произведение является прекрасным примером зрелого стиля художника. В ней полностью отсутствуют предметы и узнаваемые формы, а суть произведения составляет неравномерно распределенный яркий цвет, мерцающий как пламя огня или электрический разряд.

Одно из первых произведений, в котором полностью отсутствуют реальные узнаваемые предметы, а поверхность проработана густыми красками при помощи мастихина. Картина не имеет названия, как и все абстрактные произведения Клиффорда Стилла

Произведение является переходным этапом от фигуративной живописи к полной абстракции и представляет собой крупную фигуру на вытянутом вертикально полотне. Очень темное, почти черное произведение навевает мрачное настроение.

Произведение, изображающая дома индейцев, была выполнена в резервации Колвилль, где Клиффорд Стилл вместе с соратниками основал колонию художников в 1937 году.

На фоне пустынного пейзажа изображена человеческая рука и лицо, написанные красновато-коричневой краской. Парящие в воздухе объекты указывают на увлечение Клиффорда Стилла сюрреализмом, о чем свидетельствует и загадочно-пустынная атмосфера, характерная для этого направления.

Ранняя работа Кеннета Ноланда свидетельствует о его увлечении абстрактным экспрессионизмом. Приглушенная цветовая палитра, спонтанные мазки и потеки краски говорят о том, что художник создавал изображение, основываясь на собственных эмоциях и интуитивных действиях.

Материалы: масло, холст. Местонахождение: частная коллекция.

Местонахождение: находится в Галерее Дианы Лоуэнстейн (Майами, Флорида, США).

Материалы: масло, холст. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: масло, холст. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: литография. Местонахождение: находится в Музее изобразительных искусств, Хьюстон, штат Техас, США.

Материалы: холст, масло, песок, карандаш, уголь. Местонахождение: находится в Музее современного искусства, Нью-Йорк (США).

Материалы: масло, холст. Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк (США).

Материалы: масло, холст. Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк (США).

Материалы: масло, холст. Местонахождение: Метрополитен Музей, Нью-Йорк (США).

Материалы: масло, холст. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: масло, холст. Местонахождение: Музей Чикагского художественного института (США).

Материалы: масло, эмаль, бумага, холст. Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк (США).

Материалы: масло, уголь, холст. Местонахождение: Художественный фонд Фредерика Р. Вейсмана, Лос-Анджелес (США).

Материалы: композиционная доска, масло. Местонахождение: частная коллекция.

Эта картина прекрасный пример начала отличительного стиля Поллока, за который он получил прозвище «Джек Дриппер». Так же, картина была проиллюстрирована в журнале LIFE 1949 года в статье о Джексоне Поллоке под названием «Он величайший из ныне живущих художников в Штатах?»

Картина No. 6 (Violet, Green and Red) была куплена российским миллиардером Рыболовлевым в 2014 году за $197 млн у владельцев престижного винодельческого поместья Château Pétrus. Картина была продана через Ива Бувье, который фактически заплатил Moueix всего €80 млн, прежде чем продать произведение Рыболовлеву за €140 млн.

Материалы: масло, холст. Размеры: 60.9×50.8 см. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: масло, холст. Размеры: 393,7 x 237,5 см. Местонахождение: Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало, Нью-Йорк, США.

Материалы: масло, фанера. Размеры: 243,8 x 121,9 см. Местонахождение: частная коллекция, Нью-Йорк.

Материалы: масло, гуашь, гипс, холст. Размеры: 106,4 x 170,2 см. Местонахождение: Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк.

Музей Соломона Р. Гуггенхайма, США.Масло на холсте.

Станция канатной дороги в Инсбруке, Австрия. Построена в 2005 году. Находиться на горе Хафелеркар высотой 2300 м.

Материалы: эмаль, стекло, холст. Размеры: 212,1 x 488,2 см. Местонахождение: Национальная галерея Австралии, Канберра.

Материалы: эмалевая краска, холст. Местонахождение: Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк.

Материалы: масло, холст. Размеры: 244 x 183 см. Местонахождение: Тегеранский музей современного искусства, Тегеран.

Одна из первых полностью абстрактных работ, представленных на персональной выставке художника в галерее Бетти Парсонс в 1949 году. По сравнению с сюрреалистичными пейзажами и экспрессионистскими фигурными композициями, «№ 9» восхищает своей изысканностью и лаконичностью.

Картина имеет небольшой размер и своей черно-серой палитрой напоминает ночной пейзаж или фотографию при лунном освещении. В позднем периоде своего творчества Марк Ротко отказался от чистых и ярких оттенков, которыми он обычно работал, и перешел к более темным и мрачным тонам.

Данная работа является самой дорогостоящей не только среди произведений Ротко, но для всего послевоенного искусства. Неизвестный коллекционер заплатил за нее в 2012 году почти 87 миллионов американских долларов.

Картина относится к циклу «Панно для Сигрема», в рамках которого художник создал более 30-ти полотен. Первоначально это был заказ для элитного ресторана «Четыре сезона», владельцы которого предложили очень хорошее денежное вознаграждение Ротко за его работу. Но, несмотря на это, картины так и не попали в ресторан, так как художник не пожелал размещать свои работы в заведении для «толстосумов».

Четыре неодинакового размера прямоугольника расположены на холсте один над другим. Такая композиция характерна для работ Марка Ротко, начиная с 50-х годов, когда он впервые обратился к своим необычным и завораживающим «мультиформам». Размытый фон и нечеткие границы этих форм создают ощущение, что они плавают по поверхности холста, медленно передвигаясь то в одну сторону, то в другую.

Как и другие работы Ротко абстрактного периода, № 61 состоит из больших цветовых полей, которые расположены на туманном фоне сходного оттенка. Необычный эффект погружения во внутреннее пространство картины достигается благодаря нескольким слоям краски, искусно наложенными друг на друга, чтоб создать эффект глубины и едва заметного мерцания.

В 2007 году королевская семья Катара приобрела эту работу уже за 72,84 миллиона долларов, что являлось самой большой на тот момент стоимостью произведения искусства. Картина выполнена в традиционной для зрелого творчества художника манере и состоит из нескольких цветных блоков с неровными краями.