Концептуальное искусство

Американский художник, скульптор и теоретик Соломон Левитт сыграл ведущую роль в становлении концептуального искусства и минимализма. Происходивший из семьи русско-еврейских эмигрантов, он вдохновлялся работами русских авангардистов и конструктивистов, особенно Малевича, чей черный квадрат послужил основой для возникновения его особой геометрической эстетики.

Марина Абрамович – сербско-американская художница, знаменитая на весь мир благодаря своим неординарным и шокирующим перформансам. Она по праву считается одной из лучших в своем жанре, а ее представления, связанные с физической болью и даже угрозой для жизни и здоровья, заставляют зрителей переосмыслить свое восприятие многих вещей и шагнуть далеко за границы обычного восприятия мира и себя.

Йоко Оно - английская и американская художница-новатор, писатель, музыкант японского происхождения. Йоко стала известна широкой публике во многом благодаря своему браку с музыкантом, участником легендарной группы «Битлз» Джоном Ленноном. Однако еще задолго до этого союза она ярко проявила себя в концептуальном искусстве, став одним из первопроходцев инсталляции и перформанса.

Дэвид Салле – американский художник, фотограф, сценический дизайнер, автор оригинальных картин-коллажей, основанных на эстетике поп-арта. Как и многие художники его поколения, вдохновение для своего богатого визуального языка он черпал из известных произведений искусства, произвольно добавляя в них элементы рекламы и повседневной культуры. Оригинальны также приемы Дэвида Салле в современном графическом дизайне.Имя художника стало известным с середины 1980-ых годов. Его картины, наполненные юмором, театральностью и эротизмом, многогранны и содержат большое количество культурных ссылок. В работах Дэвида Салле можно найти упоминания произведений таких классиков, как Веласкес и Бернини, аллюзии на темы постимпрессионистов Сезанна и Джакометти, мотивы сюрреалиста Магритта, а также яркие образы американского послевоенного искусства.Почти фотографическая точность образов на картинах Д. Салле, которая парадоксальным образом создает ощущение нереальности, захватывает дух. Чем дольше смотришь на произведения мастера, тем находишь больше и больше интересных деталей, намеков и параллелей. Создавая свои произведения, художник действует интуитивно, что делает его работы близкими к сюрреализму и к классическому экспрессионизму.Дэвид Салле известен не только как художник, но и как авторитетный арт-критик и теоретик искусства. По мнению художника, любое живописное произведение должно быть создано, прежде всего, для народа, а вовсе не для «заумных» художественных критиков. Поэтому его работы направлены на то, чтоб в доступной и понятной форме донести до зрителя смысл произведений прошлых лет, подчеркнув их значение для современного искусства и тенденцию к преемственности.

Американский художник и скульптор, один из самых востребованных и дорогих мастеров современности. Джефф Кунс – представитель направления нео-поп-арт, которое является продолжением поп-арта и ориентируется на интересы и потребности современного общества.Произведения художника – это преимущественно инсталляции и скульптуры. Предметом искусства для Кунса служат обыденные вещи, которые в интерпретации автора становятся символами определенного явления, занимающего умы обывателей. Самые знаменитые работы художника – это блестящие металлические скульптуры, выполненные в форме воздушных шаров. Его визитной карточкой является фигура «Balloon Dog», привлекающая своей простотой и праздничным настроением.К своей работе Джефф Кунс относится как к коммерческому проекту, распространяя и рекламируя свое искусство как особый вид товара. По словам самого автора, его работы не выражают никаких глубоких идей и подтекста. Они являются красивой, но бессмысленной вещью, за что художника часто называют «мастером китча». Многие ценители искусства откровенно ненавидят Джеффа Кунса за то, что он продает за бешеные деньги совершенно безвкусные скульптуры и часто использует произведения других авторов для создания собственных творений. Но, несмотря на все это, произведения американского скульптора пользуются стабильно высоким спросом у публики, что заставляет художественных критиков изменить свое представления о том, как на самом деле выглядит современное изобразительное искусство.

Джозеф Кошут - американский современный художник, один из пионеров и яркий представитель концептуального искусства. Известен в всем мире своими инсталляциями, в частности, композиция «Один и три стула» стала классикой стиля. Будучи 23-летним студентом, с «благословения» самого мэтра Марселя Дюшана он получил грант Фонда Кассандры для реализации своих новаторских идей.Художник был первым, кто глубоко исследовал отношения между идеями, изображениями и словами, используемыми для их описания. Он брал слова вместо визуальных образов любого другого рода, то есть полностью исключил объекты, чтобы сосредоточиться на значении, переданном исключительно языком. Награды, врученные художнику, красноречивее всего говорят о признании уникального таланта Джозефа Кошута. Главные из них - премии Брандейса и Фредерика Вейсмана, Menzione d'Onore на Венецианской биеннале, звание Кавалера от французского правительства, высшая награда Австрийской Республики за достижения в области науки и культуры. С 2014 года неоновая инсталляция Кошута – часть постоянной экспозиции в парижском Лувре.Многие из инсталляций Дж. Кошута включали выдержки из литературы и трудов по философии, психологии. Цитаты наполнены важным общечеловеческим смыслом - таким приемом художник заставляет свою аудиторию размышлять над проблемами личной идентичности, бедности и расизма, одиночества и уроков истории. Избегая каких-либо четких, или слишком явных собственных комментариев, Джозеф Кошут реализует себя и как современный художник, и как философ и моралист.

Немецкий художник, один из самых известных и дорогих современных живописцев. Герхард Рихтер ярко проявил себя в нескольких направлениях изобразительного искусства. Его фотореалистичные портреты с размытыми контурами находятся в экспозициях самых известных музеев мира, а абстрактные полотна продаются на аукционах за огромные деньги.Начав свою карьеру в Восточной Германии, художник работал в реалистичном стиле, но познакомившись с произведениями современных художников, таких как Джексон Поллок и Энди Уорхол, резко изменил свою живопись в сторону авангардного искусства. За несколько месяцев до падения Берлинской стены он сбежал в Западный Берлин, где начал активные творческие поиски собственного места в искусстве. Основываясь на фотографиях и продуктах массовой культуры, Рихтер создал свой яркий стиль, который включает в себя как реалистичное, так и полностью абстрактное выражение.Помимо живописи Герхард Рихтер известен как автор нескольких крупных дизайнерских проектов. В 2007 году он создал знаменитый «Пиксельный витраж» в Кельнском соборе, который получил самые противоречивые отзывы. Вместо традиционных библейских сцен художник создал впечатляющую мозаику из разноцветного стекла, которая состоит из 11 тысяч 250 цветных квадратиков восьмидесяти оттенков. Интересно, что художник выполнил работу в качестве подарка собору, не взяв ни копейки за свой кропотливый труд.

Знаменитый британский скульптор индийского происхождения, участник группы «Новая британская скульптура», автор модернистских произведений, расположенных во многих крупных городах по всему миру.Переосмыслив рациональный подход минимализма и провокационное звучание концептуального искусства, художник добавил в него собственные яркие эмоции, необычное мировосприятие и очарование первобытного искусства.Скульптуры Аниша Капура – это своеобразная игра формы, цвета и фактуры. Его творения, выполненные из самых различных материалов, объединяет стремление к свободе, гармонии и равновесию предметов в пространстве. Знаменитая работа художника – «Облачные врата» в Чикаго, прозванная в народе «фасолина», - яркий пример изобретательности ее автора. Ее зеркальная поверхность отражает и меняет форму окружающего мира, создавая альтернативную реальность, и вовлекая зрителя в своеобразный «диалог с космосом». Аниш Капур – лауреат всевозможных конкурсов и обладатель нескольких крупных премий в области изобразительного искусства, самая престижная из которых британская премия Тернера. За свою долгую творческую карьеру художник удостоился Ордена Британской империи и создал самую масштабную арт-инсталляцию на территории Соединенного Королевства, а выставка его работ стала наиболее посещаемой за всю историю государства.В настоящее время Аниш Капур не перестает стремиться к новым открытиям и впечатляющим находкам. Его переполняют новые идеи и оригинальные задумки, которые, без сомнения, еще не раз удивят и взволнуют весь мир.

Американский художник и теоретик, центральная фигура авангарда 60-х годов, первооткрыватель хеппенинга – вида искусства, в котором основное внимание уделяется непосредственно процессу творения. Аллан Капроу ценил в живописи момент действия, ставя его выше результата.Недолговечные, часто сиюминутные и спонтанные действа А. Капроу стирают грань между искусством и повседневной жизнью и погружают участников внутрь произведения, вовлекая их в творческий процесс и разрушая пресловутую «четвертую стену» между произведением и зрителем.В своих теоретических трудах Аллан Капроу говорил о том, что после открытий Джексона Поллока и других абстрактных экспрессионистов, живопись больше не может существовать в прежнем виде. Она должна выйти за рамки холста и переместиться в повседневную жизнь.Мастер называл себя «не-художником», а свои произведения «антикартинами». «Жизнь гораздо интереснее искусства,» - говорил Капроу и создавал события за пределами галерей и музеев: во дворах, квартирах, на улицах, площадях и парковках. Иногда доходящие до абсурда действия - такие как строительство домов изо льда под палящим калифорнийским солнцем, - меняют само восприятие искусства и превращают обыденные жизненные процессы в творческие акты.Принципы создания хеппенинга, которые Аллан Капроу изложил в своем труде «How to Make a Happening», были с восторгом приняты многими послевоенными художниками, пытающимися по-новому посмотреть на современные творческие методы. Благодаря находкам американского новатора дальнейшее развитие получили такие направления, как инсталляция, перформанс и концептуальное искусство.

Американский современный скульптор-концептуалист и художник. Практика Брюса Наумана охватывает широкий спектр творческий интересов: перформанс и инсталляция, фотография и арт-видео, работы для средств массовой информации, для печати и промышленного производства. Во всех сферах проявляется увлечение художника природой общения, присущими языку проблемами и ролью художника как манипулятора визуальными символами через средства коммуникации.Науман имеет многочисленные награды в нескольких областях художественной практики, почетную степень доктора искусств в институтах искусств Америки. Работы широко представлены ​​по всему миру как часть экспозиций самых престижных музеев и галерей. Монументальное искусство Брюса Наумана вдохновило многих других художников во второй половине 20-го века и продолжает пользоваться спросом в 21-ом. В 2004 году журнал «Time» назвал его одним из 100 самых влиятельных людей в мире искусства. В 2006 году согласно рейтингу ресурса Artfacts.net Брюс Науман - номер один среди живущих художников.

Анри-Роберт-Марсель Дюшан - французский и американский художник, теоретик искусства, один из основателей художественных течений дадаизм и сюрреализм.Родился в состоятельной семье. Его мать, братья и сестра занимались живописью, и Марсель рос в творческой атмосфере, что способствовало раннему проявлению его таланта. Вслед за старшими братьями он начал рисовать в стиле импрессионизм, представляя довольно интересные работы уже в 14 лет.Марсель Дюшан, несмотря на небольшое количество произведений, был одной из наиболее влиятельных фигур изобразительного искусства после Первой мировой войны, гением и бунтарем, который раздвинул рамки живописи за пределы принятого и дозволенного. Художник является автором метода «готовый вещей» (ready-made), впервые использовав идею создания арт-объектов из самых обычных предметов, таких как велосипедное колесо и даже писсуар. Неординарное и порой эпатажное творчество Дюшана открыло широкие возможности для дальнейшего развития авангардного искусства во всем мире.В конце карьеры художник отошел от живописных работ, предпочитая использовать для своих произведений уже готовые предметы, как он их называл «ready-made», или создавая объемные коллажи. Помимо художественного творчества, Марсель Дюшан снимался в кино, писал статьи и занимался шахматами, в которых он был профессионалом. Благодаря своему разностороннему и неординарному таланту он оставил яркий след в искусстве начала ХХ века и заложил фундамент для возникновения совершено новых методов и направлений в живописи.

Немецкий скульптор, рисовальщик, один из главных теоретиков постмодернизма, профессор Академии искусств в Дюссельдорфе, общественный деятель. Джозеф Бойс активно занимался вопросами гуманизма, социальной философии и антропософии, что привело к его к расширенной концепции изобразительного искусства, созданию социальной скульптуры. Творец считается одним из основоположников такой разновидности искусства перформанса, как флюксус, ставшего популярным именно в Германии. В этой связи Бойса называют «идеальным партнером» Энди Уорхола.

Немецкий художник и скульптор, один из представителей нео-экспрессионизма и один из самых известных художников послевоенной Германии. Он известен тем, что использовал в своих работах такие необычные материалы, как солома, ясень, глина, свинец, дерево, стекло и шеллак. Кроме того, Кифер создает изображения для театров и книг.Стиль художника развился под влиянием философии Каббалы, мистики и произведений разных спиритуалистов, таких как Роберт Фладд. Его работы включают символические элементы, связанные с национальной идентичностью, теологией и мистикой.

Китайский художник-диссидент, скульптор, архитектор, мастер инсталляции, социальный и политический активист. Ай Вэйвэй известен во всем мире как один из создателей проекта олимпийского стадиона «Птичье гнездо» в Пекине и автор ярких, чаще всего провокационных композиций, в которых он обращает внимание на важные общественные проблемы.Многие работы художника критикует коммунистический режим Китая, за что он неоднократно подвергался гонениям со стороны правительства. В 2011 году Ай Вэйвея арестовали в Пекинском аэропорту, подвергли обыску, заблокировали интернет-ресурсы, связанные с его именем, и запретили выезд из Китая. Эти события вызвали большой резонанс в мире искусства. Многие художники и арт-деятели высказались в поддержку Вэйвэя и организовали акции протеста в крупных городах Европы и Америки.Произведения китайского художника – это арт-объекты из самых различных предметов, начиная от огромной люстры и заканчивая детскими рюкзаками и семенами подсолнечника. Каждая из его работ несет сильную эмоциональную и смысловую нагрузку, она призвана привлечь внимание общества к нерешенным проблемам и несправедливости в устройстве общества в его стране. Остросоциальная тематика, смелость и упорство Вэйвэя в борьбе за справедливость вместе с оригинальным художественным видением делают его одной из самых ярких фигур в современном изобразительном искусстве.

Роспись под номером 1136 – яркая, жизнерадостная картина, выполненная в абстрактной манере. Произведение представляет собой спонтанно изогнутую кривую, состоящую из полос разных цветов, что придает ей вид ленты.

На протяжении своей творческой карьеры Сол Левитт экспериментировал с различными направлениями в искусстве, включая живопись, скульптуру и перформанс. Данная концептуальная работа представляет собой инсталляцию, предназначенную для размещения на стене.

В данной работе Сол Левитт использовал два белых куба, которые он соединил между собой, немного сместив их относительно друг друга. Самой интересной характеристикой куба художник считал то, что он практически не представляет никакого интереса сам по себе, и поэтому служит прекрасным материалом для его бессодержательных концептуальных композиций.

Рисунок на стене выполнен обычным графитным карандашом Н6. Композиция разделена на пятнадцать равных вертикальных секций, каждая из которых полностью заполнена тонкими линиями, нарисованными помощниками Сол Левитта под линейку.

В 1968 году Сол Левитт в присутствии нескольких свидетелей зарыл в землю один из своих кубов, содержащий внутри, по его словам, что-то важное, но совершенно не ценное. Захоронение куба, которое  было выполнено художником собственноручно, символизирует его расставание с минимализмом.

Работа стала переходным этапом от минимализма, который сосредоточен на форме предмета, к концептуальному искусству, предполагающему наличие определенной идеи, вокруг которой строится вся композиция.

Одна из известных модульных структур Сол Левитта состоит из горизонтально соединенных между собой пяти кубов. Куб стал основной формой произведений художника в средине 1960-ых, и из этих геометрических элементов, с разными размерами и цветом, состояли все его скульптуры этого периода.

С этой скульптуры, которую Сол Левитт назвал «структура», начался отход художника от монолитных композиций. Теперь он использует прозрачные, открытые формы, позволяющие полностью увидеть конструкцию произведения.

Одна из немногих живописных работ художника выполнена в контрастной красно-белой гамме. Все полотно картины разделено на 9 равных квадратов, в нескольких из которых Сол Левитт поместил надписи.

Для создания этого раннего произведения Сол Левитт использовал традиционные материалы: холст, масло и окрашенное дерево. Картина представляет собой квадратное полотно насыщенного синего цвета, однотонно покрытое плотной текстурой, а точно посредине расположен ярко-красный деревянный квадрат.

Подрывной характер пост-концептуального искусства К. Вула нигде не отражается  лучше, чем в непосредственности слова  «Riot».

Материалы: акрил, масло, дерево, металл, ткань, холст. Местонахождение: частная коллекция.

Находится в частной коллекции. Инсталляция.

Материалы: пылесосы, оргстекло и флуоресцентные лампы. Находится в Музее американского искусства Уитни, Нью-Йорк, США.

Материалы: панели, текст на десяти языках. Находится на Главном вокзале Тайбэя, линия метро международного аэропорта Таоюань (Тайвань).

Материалы: неон, трансформаторы. Находится в Музее Лувр, Париж (Франция).

Материалы: панели матового стекла, виниловое письмо, неон, трансформатор. Находится в Еврейском Музее, Нью-Йорк (США).

Материалы: шелкография на многослойном стекле, неоновая подсветка. Находится в Музее современного искусства, Лос-Анджелес (США).

Материалы: каменные плиты. Находится в Place des ecritures, Figeac (Франция).

Материалы: 44 неона, 7 высоковольтных трансформаторов, серые ниппели. Находится в центре Жоржа Помпиду, Париж (Франция).

Материалы: бетон, стекло, шелкографские надписи. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: панель, неон, трансформатор. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: панель, неон, трансформатор. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: cтул, фотография стула, текст, описывающий стул. Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк (США).

Коллаж. Находится в Государственной галерее им. Ленбахау и Кунстбау, Мюнхен (Германия).

Материалы: ПВХ, сталь. Находится в Париже, Франция.

Материалы: металл. Находится в Олимпийском парке, Лондон, Великобритания.

Находится в Королевской академии искусств, Лондон, Великобритания.

Материалы: воск, красный пигмент.

Материалы: ПВХ, сталь. Местонахождение: Галерея Tate Modern, Лондон, Великобритания.

Материалы: вогнутое зеркало из полированной нержавеющей стали. Местонахождение: Nottingham Playhouse, Ноттингем, Великобритания.

Находится в Музее современного искусства, Порту, Португалия.

Материалы: дерево, гипсокартон, порошковый пигмент. Местонахождение: находится в Музее Королевы Софии, Мадрид, Испания.

Местонахождение: National Galleries of Scotland.

Материалы: окрашенный воск. Местонахождение: Froehlich Collection, Stuttgart (Germany).

Материалы: пена, воск, проволока. Местонахождение: частная коллекция.

Материалы: panneaux, tubes fluorescents, 2 tables, 4 chaises. Местонахождение: находится в Centre Pompidou, Paris (Франция).

Материалы: neon tubing mounted, four metal monoliths. Местонахождение: Naoshima Contemporary Art Museum, Kagawa (Japan).

Материалы: железо. Местонахождение: находится в Музее Тейт Модерн (Великобритания).

Материалы: сталь, железо. Местонахождение: находится в Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington (США).

Материалы: neon tubing with clear glass tubing suspension supports. Местонахождение: находится в Philadelphia Museum of Art (США).

Материалы: аэрограф, гуашь на ламинированной доске из древесной целлюлозы. Местонахождение: Художественный институт Чикаго, США.

Печать.

Материалы: дерево, гвозди, масло, стекло, металл. Местонахождение: Музей современного искусства, Нью-Йорк (США).

Материалы: дерево, войлок, жир, предметы промышленного производства. Местонахождение: Музей «Новая галерея», Кассель (Германия).

Хлопчатобумажная ткань.

Пластик, готовые промышленные изделия.

Материалы: металл, стеклопластик.

Материалы: мрамор. Местонахождение: частная коллекция.

В создании произведения по заказу Ай Вэйвэя участвовали более 1500 человек. Это были китайские рабочие из провинции Цзиндэчжэнь, где производят знаменитый китайский фарфор. Каждая семечка подсолнуха, которых в инсталляции около 100 миллионов, сделана из фарфора вручную и реалистично раскрашена, что делает семена очень похожими на настоящие. Произведение символизирует кропотливый труд миллионов китайских рабочих, которые получают за него сущие копейки, и высмеивает современное общество потребления. В первые дни открытия экспозиции посетителям разрешалось ходить по этим семечкам, чтоб полнее осознать задумку автора, но так как в результате воздействия образовалась вредная для здоровья фарфоровая пыль, ходить по инсталляции теперь не разрешено.

Инсталляция из школьных рюкзаков. Местонахождение: находится в музее искусств Мори (Токио, Япония).

Для всемирной выставки-фестиваля «Documenta», которая проходит каждые 5 лет в немецком городе Касселе, Ай Вэйвэй подготовил интересный масштбный проект-перформанс. Он пригласил 1001 китайского читателя его блога на эту выставку, оплатив им проезд, проживание и прочие условия из своего кармана. Для рядовых китайцев такая поездка оказалась самой настоящей сказкой, так как о возможности побывать в Европе они не могли даже и мечтать. Кроме приглашения людей, художник приобрел также 1001 стул династии Цинь – предметы мебели художник расставил на всей территории, выделенной под экспозицию.

Материалы: сталь и стеклянные кристаллы на деревянной основе. Местонахождение: находится в Художественном музее Абу-Даби (Объединенные Арабские Эмираты).

Произведение представляет собой инсталляцию из соединенных между собой и смонтированных в круг велосипедов. Велосипеды – очень распространенное и доступное большинству средство передвижения в Китае, и является самым обыденным повседневным предметом. Однако художник сумел сделать из велосипедов зрелищную композицию, привлекающую внимание любого прохожего.